EL HOMBRE DE ARENA

LIMBO - Capítulo 3: Frío (Web-series) TEST-SCREEN!!!

2012-01-15T19:03:00.003+01:00

Montaje con material correspondiente al que iba a ser el tercer capítulo de la web-serie cancelada LIMBO. Falta la mitad del argumento además de efectos, etc... así que no se entiende nada, casi como con el Superman II de Richard Donner :-P Aún así merece la pena el duelo entre Calder y Alexandra, está gracioso xDD

Con esto termino de subir todo el material que había para LIMBO y cerramos definitivamente esa etapa. ¡Gracias por verlo, abrazucos y recordad que podéis seguirnos en FB y en Tuiter!

LIMBO - The Lost Cut

2012-01-11T14:35:00.006+01:00

Rescato una antigua creación que fue censurada en su momento, esperemos que ahora no. Es un montaje basado en una escena eliminada de la webserie Limbo. Con Nine Inch Nails a tope (últimamente no paro de escuchar The Fragile) Música, cachucos de pelis y una yonki simpática.

Tema musical: Nine Inch Nails - The Day The World Went Away

Fragmentos de pelis introducidas

- La Noche de Walpurgis (León Klimovsky)
- Momo (Johannes Schaaf)
- Duelo en las profundidades (Charlton Heston, Fraser C. Heston)
- Caligula (Tinto Brass)
- Misterio en el espacio (Jim Mallon)
- Aullidos (Joe Dante)

Todo ello Non-Profit, prometido. Enjoy!

The Musical Experiment (SOAD - Aerials & Britney Spears - I wanna go)

2011-12-15T13:46:00.007+01:00

¡The Trappers Returns! Última creación en la que las chicas toman el mando! No esperéis zombis babeantes ni diálogos freaks -sigh- este va de gente quemándola, bailando y haciendo el idiota (lambrusco mediante) ¡Espero que os de buen rollo el experimento!

Este va para los que participaron ¡Gracias! y para los que confiaban también. Be The Comedian!

RELATO CORTO - El simio parlanchín y la naturaleza de la existencia

2011-10-21T18:00:00.000+02:00

El gorila de lomo plateado aguardaba sentado en su mesa favorita del Café Corral. Desde allí visualizaba la mayor parte del parque municipal La Isla, iluminado ahora por los primeros rayos de sol y salpicado de individuos mañaneros que dedicaban su tiempo a tareas tan loables como hacer footing o pasear al perro. La zona de mayor interés, la de las mesas de juegos, quedaba a tan solo unos metros de la ventana en la que se situaba. Prácticamente nadie tenía tiempo ya para sentarse al fresco a perder unos minutos jugando al backgammon, a las damas o al ajedrez, y sin embargo los lectores del gorila parlanchín no podían esperar al desenlace de la próxima partida.

Sobre la mesa, un sándwich vegetal a medio devorar señalaba la dieta vegetariana a la que se había acostumbrado un par de años antes cuando, más bien obligado, tuvo que empezar a asumir que tan solo era un primate herbívoro. Junto al bocadillo de pan Bimbo reposaban un par de vasos de tubo, vacíos de contenido y con las piedras de hielo aún intactas. El magnífico ejemplar siempre había realizado verdaderos esfuerzos por no desagradar a los miembros de su especie, no obstante un buen vaso de whisky, o dos, sobre todo a primera hora de la mañana, era algo a lo que alguien como él no podía renunciar, a pesar de lo que dijeran el resto de los gorilas del planeta, parlantes o no.

Mientras miraba por encima de las gafas de cristales redondos a través de la ventana, el macho sacó un paquete de Lucky Strike y un Zippo del bolsillo de su chaleco. “Este tipo de cosas son las que me han labrado una mala reputación entre mi gente”, pensó mientras se prendía un cigarrillo de tabaco americano. La vestimenta, camisa blanca y corbata más chaleco gris oscuro con finas rayas verticales, a juego con el pantalón (sin olvidar el indispensable reloj de bolsillo) tampoco era la moda entre la comunidad simiesca. En cualquier caso parecía poco probable que alguien pudiera enojarse por aquellas pequeñas excentricidades, al fin y al cabo no era más que un mono con una máquina de escribir.

El artilugio, la susodicha máquina, descansaba sentado a su lado dentro de una bolsa de cuero. La antigualla, grande y pesada, parecía difícil de ocultar, sin embargo ninguno de los seres humanos que abarrotaba el bar consideraba siquiera reparar en ella. Aquellos hombres que destruían universos con cada latido, no podían ver más allá del bullicio de la hora del desayuno, aún cuando el gorila reconociera que aquellos huevos con bacon, prohibidos para él, eran motivo suficiente para olvidar cualquier cataclismo cósmico. Con la misma tranquilidad de cada jueves, el gorila de lomo plateado pidió otro whisky y extrajo la maquina de escribir de su envoltura. Colocó el primer folio y preparó el carrete para empezar a teclear en cuanto fuera necesario. Debía estar preparado, en breve llegarían los locos.

El autobús de dos pisos de color rojo, lleno de dementes hasta el último asiento, aparcó como cada semana en la entrada del parque. En uno de los costados del vehículo se podía leer Carnicero State Hospital for the Criminally Insane, en un idioma que desde luego no era el cristiano.

Criminales o no, lo cierto es que aquellos personajes que bajaban del autobús dispuestos a disfrutar de su día al aire libre y en semilibertad, demostraban estar bastante mal de la cabeza. Como siempre, los gemelos siameses, hijos de mellizos que a su vez eran hijos de hermanos y así sucesivamente (en consecuencia totalmente subnormales) se liaron a mamporros una vez hubieron puesto un pie a tierra. Las enésimas hostilidades dentro del núcleo familiar crisparon nuevamente al conductor del autobús, incapaz de separarles. Así, mientras los lunáticos iban desfilando, las enfermeras del sanatorio se ocupaban, a voz en grito, de que aquello fuera lo menos traumático posible para la gente corriente que utilizaba el parque en aquella mañana soleada. Sin embargo la situación no era fácil de controlar, como cada semana.

En medio de todo aquel barullo de perturbados, un tipo de unos cuarenta años y una mujer algo más joven, ambos de apariencia genuinamente anormal, intentaban alcanzar la zona de juegos de mesa. La empresa no era tan fácil como pudiera parecer ya que los dos eran ciegos y, probablemente, también sordomudos. La muchacha, desgreñada y de aspecto desaliñado, vestía una chaqueta de lana sobre el pijama del hospital y el hombre, apuesto pero echado a perder igualmente, llevaba una chupa de cuero desgastada, seguramente deudora de tiempos más felices. Él, bajo el brazo, acarreaba una caja con las piezas necesarias para jugar al ajedrez y con la otra mano sujetaba la de su compañera. Uno y otro eran los protagonistas de los relatos del mono escritor.

Al gorila de lomo plateado le gustaba pensar que sus Adán y Eva particulares habían tenido, en algún momento antes de empezar la partida, una vida digna de ser vivida, al margen de las historias alternativas que se generaban con cada movimiento sobre el tablero de ajedrez. Adán y Eva jugaban en La Isla cada jueves y desde el principio el gorila estuvo presente, encargado de narrar lo acontecido, o no exactamente. Como cronista de aquella partida eterna había sido testigo de apenas unos pocos movimientos, con cada uno de los cuales los jugadores eliminaban las posibles versiones de si mismos que habrían elegido otra opción. El alfil derriba un peón y en consecuencia se colapsan universos enteros, aquellos en los que la jugada fue otra: el alfil se quedaba en su sitio y el caballo amenaza a la reina, o cientos de posibilidades más. Cada jugada un asesinato de masas, de si mismos y de la gente que habitaba en cada universo posible.

La labor del narrador simiesco no era otra que la de relatar los hechos acontecidos en cada una de esas realidades que nunca existieron. En ellas Adán y Eva recuperaban su vitalidad, ya no eran ciegos, ni sordos, ni mudos. Ahora tenían nombres y vivían aventuras. Surcaban el espacio sideral a lomos de monturas galácticas. Viajaban más allá de los límites de lo real a través del territorio de la ficción. Saltaban entre dimensiones paralelas, conociendo en el camino a otras versiones de si mismos. Visitaban el pasado y caminaban entre bestias primigenias. Se peleaban y rompían, se querían y follaban. Vivían, morían, mataban…

Desviando la vista hacia los gemelos por encima de las gafas, mientras éstos se partían la cara mutuamente, el gorila intuyó una vez más la ironía de la existencia. La partida es el origen, Adán y Eva son los primeros, los padres de la realidad. Lo real es una partida de ajedrez jugada a ciegas y rodeado de chiflados, pero la verdadera vida, la historia de lo que realmente somos y que trasciende las barreras del espacio y del tiempo, de esa se encarga un mono incomprendido con una máquina de escribir.

Thor (2011)

2011-06-09T19:21:00.007+02:00

Acostumbrados a ver tantas adaptaciones de cómics en los últimos años, es bueno encontrarse con una película que refleja (salvo en mínimos detalles) todo lo que rodea a uno de los personajes icónicos de Marvel. Así continúa la remontada que la editorial empezó en 2008 con Iron Man, tras la mediocre Los 4 Fantásticos y Silver Surfer.

Después conquistar taquilla y crítica (una más que otra) con las dos partes de el Hombre de Hierro y el reinicio de El Increíble Hulk, llega Thor para continuar con la susodicha remontada y de verdad conseguirlo. En mi opinión es, junto con Iron Man, la mejor adaptación de un cómic Marvel a la gran pantalla. La película que se divide en dos escenarios, Asgard y la Tierra (Midgard), en los que la acción no decae. El entretenimiento está bien equilibrado entre los dos mundos y las interpretaciones ayudan a mantener el interés, y más aún, ya que puedo decir que Chris Hemsworth cumple a la perfección con su papel, al igual que Tom Hiddleston que esta realmente convincente como Loki. La interpretación del Dios de las Mentiras llega a impresionar y te hace olvidar lo absurdo de su complejo, ya que siendo sinceros, viendo que hay dos hermanos que se disputan un trono ¿Para quién será? ¿para el rubio y guapo? ¿ o para el otro que ya despunta ideas perversas, y además tiene pluma, lo que es igual a villano que se huele a kilómetros…? Y por último está la que es la mejor interpretación de Anthony Hopkins desde El silencio de los corderos, que entre la armadura, la peluca y el parche gigante sólo sabemos que es él por el doblaje y los títulos de crédito.

Los efectos especiales son realmente buenos, destacando los decorados y diseños de Asgard, que es el sueño de cualquier especulador inmobiliario ya que esta construido hasta el último centímetro cuadrado de tierra.

La película se divide en dos; cuando Thor está en su reino, que es una gran película de poder visual y sensaciones inmensas, y cuando es desterrado a la tierra, en donde muestra sus más graves carencias. A pesar de que el humor está bastante bien logrado y no se hace pesado, las escenas en la Tierra parecen muy apresuradas, al ritmo de rayo (valga la referencia). Thor tendrá que aprender rápidamente a ser humano para ser héroe, y a ser héroe para ser Dios.

Por supuesthor, la historia de amor no podía faltar, pero la verdad es que aporta poco o nada a la trama (aunque no estorba ni mucho menos) Tampoco es que se profundice demasiado en la relación entre Thor y Jane Foster (Natalie Portman) pudiendo dar la sensación de que es un romance forzado. Aunque debo decir que a mí no me lo pareció, pues él es alto, musculoso, rubio, con ojos azules y, como diría Stewie Griffin: “más guay que Chester Cheetos”, y ella… Joder, ella es NATALIE PORTMAN ¿Realmente sorprende que se gusten? ¿Hacía falta que se explicaran los motivos de su atracción? Yo creo que no, y aunque al llegar Thor a la tierra los otros le tomen por chiflado, para Natalie es verlo y morirse por sus huesos.

Lo mejor:

- Las escenas en que Thor empuña el martillo.
- Personajes como Loki y Heimdall, que son los más logrados.
- Un 3D que se deja disfrutar gracias a la espectacularidad de las (aunque poco generosas por falta de frecuencia) escenas de acción.
- Los estupendos créditos finales en 3D.

Lo peor:

- Los besos en la mano de Thor a la Portman (insufrible, un caballero-dios vikingo refinado y casto no cuela)
- ¿Por qué el espectador se da cuenta de quien es el malo malísimo nada más verlo, mientras que el resto de personajes necesitan Thor y ayuda para coscarse?

La frase: "Tenemos a Xena, a Jackie Chan y a Robin Hood…"

Cortometraje: DESEDE DENTRO... (Añadidos algunos comentarios dudosamente explicativos)

2011-02-10T20:30:00.001+01:00

Después de su fracaso en festivales de todo el país, finalmente subo la última superprodocción engendrada por The Trappers Pictures. Esta vez la tronada es parda.

En cuanto a lo demás... ¡Propicios días!

PHENOMENA: The ultimate cinematic experience

2010-12-15T19:40:00.006+01:00

Me asomo brevemente al blog para apoyar una iniciativa que me ha llegado a la patata. Todo el éxito del mundo a los organizadores.

Que pena no vivir en Barcelona.

Thinner (Stephen King's Thinner, 1996)

2010-09-20T19:29:00.000+02:00

La serie b de Stephen King siempre me ha encandilado. Esas películas de bajo presupuesto, muchas veces con actores desconocidos en la época (algunos aún hoy) pero con unas historias apasionantes a la par de simples. Filmes como Cujo, Cementerio Viviente, Christine y la que hoy nos ocupa: Thinner. Adaptación de una de las mejores novelas publicadas por King bajo el seudónimo de Richard Bachman.

El film ataca la descomposición ética y moral de una sociedad donde se "arreglan" y encubren delitos utilizando influencias, originando así tremendas injusticias para los más desfavorecidos. Cuando estos se cansan de ser los que pagan el pato de tal casta mal criada y educada para ganar a costa de los otros, pueden llegar a ser cien veces más crueles y vengativos que sus corruptos enemigos.

Un brillante abogado con menos escrúpulos que hombres han pisado la luna, vuelve de una fiesta con su apuesta mujer. Cuando ella decide premiar a su soberbio y fondón marido con una buena mamada mientras conduce (muy del estilo Pamela Anderson y Tommy Lee) la mala suerte quiere que atropellen a una gitana. Todo esto le lleva a juicio, el cual por supuesto gana con esos "arreglos" tan poco éticos. No obstante, el marido de la gitana no dejará pasar este atropello jurídico y les maldecirá, a él y todos los culpables de esta farsa.

Al día siguiente -ya todo olvidado- se da cuenta de que el único problema que tenía está desapareciendo poco a poco: Su exceso de peso empieza a esfumarse de forma sorprendente. Lleno de gozo y felicidad no le da mayor importancia, hasta que nota que algo no va bien, pierde demasiado peso, demasiado rápido y sin esforzarse. Intrigado visita a doctor, que no sabe qué decirle. Y aquí es donde la película se luce, los cambios físicos del protagonista están bien logrados con unos efectos de maquillaje con mucho oficio y ayuda del personaje principal interpretado por Robert John Burke (Robocop 3, pufff....) que lo borda en su transición de gordito zampón a esqueleto vengativo asqueado de tanto comer.

Hago una pequeña pausa en este relato desordenado de mis recuerdos sobre Thinner para aclarar el sentido de estas líneas. Considero el descubrimiento de las obras artísticas que se aferran pertinazmente a mi cerebro, casi como un leitmotiv para vivir. No podría entender el mundo que me rodea sin el arte y las enseñanzas profundas (o poco profundas) de este tipo de películas. Todos mis visionados sobre películas de King han tenido algo especial y el único nexo de unión es él. Aunque no sea sinónimo de calidad en una producción, si que asegura el placer de ver la historia de un viejo amigo que parece compartir más de un interés contigo (algo similar a cuando veo a otros grandes como Englund, Campbell ó Kurt Russel). Y esa tenacidad, que parece emanar de todas sus historias, es algo que cada uno de sus relatos me ha aportado.

Y volviendo un poco al film, toca hablar del casting, de como se acierta de manera milimétrica con dos de los actores. Me refiero a Joe Mantegna (El Padrino III) y al antes mencionado Robert John Burke. Ellos son la prueba de lo importante y serio que tiene que ser la elección de actores, puesto que interpretan tan bien sus papeles que parece que lleven tatuado en la cara Mafioso y Abogado respectivamente. Sin embargo, no todo el reparto es acertado. Y me refiero a los gitanos, o se pasan de la raya con el esteriotipo o simplemente nos meten con calzador a la actriz Kari Wuhrer, ¿como gitana? y yo me pregunto, al margen del cliché de que todos los gitanos tienen que ser de una manera o de otra, ¿quien se cree que esta chica puede ser gitana? ni siquiera está bien caracterizada en la película (calco a Esmeralda del Jorobado de Notre Dame pero con tirachinas... lamentable)

¡Qué no! ¡qué no cuela!

Me estoy dando cuenta que en cada post, de una manera u otra, siempre acabo sacando actrices en ropa interior. Pero que se le va hacer, su belleza y profesionalidad no han sido recompensadas con premios ni con el reconocimiento adecuado, y acordarme de ellas es mi pequeño homenaje. Solo he visto una película en la que además de no salir ninguna mujer, en ningún momento se hace referencia al sexo femenino y encima no se las echa de menos. Merece una reflexión este tema, porque me tiene intrigado el propósito que llevó a Carpenter a decidir excluir a las féminas de La Cosa, cuando sí utilizo el viejo truco comercial de meter actores de diferentes razas, edades y religiones.

Para terminar, sólo decir que esta película es de visionado obligado para gente que disfrutó de ella con 14 o 15 años, puesto que aunque la película no haya cambiado nada, tú sí. Algunos sentimientos como el odio, la venganza, los celos o el arrepentimiento quizás no estaban muy avanzados en aquella tierna edad (en mi seguro que no) y no supisteis valorar la transformación del personaje de Billy adecuadamente.

Dictamen: III

Society (1989)

2010-09-14T20:09:00.001+02:00

Crítica a la frivolidad Burguesa. La clase alta siempre se nutre de la clase baja, pero en esta vez es literal.

Todos queremos sentir que pertenecemos a algo superior. En tiempos remotos, este vacío fue llenado por religiones, guerras o por la camaradería de conseguir derechos para tu pequeña y oprimida minoría social. Hoy en día, sin embargo, se ha vuelto mucho más difícil encontrar tu sitio en un grupo determinado, aunque por suerte para nuestro protagonista la elección perfecta está tomada desde el día de su nacimiento. Cualquier otra persona podría tardar hasta veinte años en descubrir lo que quiere, pero la sombra de su familia es larga, poderosa y desagradable.

Retorcida y extraña película de Yuzna sobre la Sociedad. No está muy claro desde el principio lo que pueden llegar a ofrecerte, pero tú sabes que quieres estar con ellos, de una manera u otra. Ser miembro de una familia acomodada, capitán del equipo de fútbol y gran portavoz, relativamente guapo, propietario de un jeep negro made in 80's, y salir con la jefa de las animadoras, es suficiente para que cualquiera piense que Bill Whitney, lleva una tarjeta de miembro de la sociedad pegada en la frente.

Como mola ser yo... Sin embargo, esto no aparenta ser el perfecto último año de secundaria que podría esperarse. Nuestro protagonista visita a su psiquiatra a causa de algunos delirios paranoides que le acosan; Bill siempre ha sospechado que algo raro pasa con su familia. Hasta ahora, su vida en Beverly Hills era digna de ser envidiada, pero todo esto cambia cuando llega a sus manos una grabación en la que escucha a su hermana Jenny fornicando con su padre y con su madre. Entonces resulta que su paranoia está justifica, y esas extrañas percepciones que suele tener empiezan a cobrar sentido poco a poco.

Ver a tu hermana con las tetas en la espalda es para empezar a pensar... Lamentablemente, la única persona que puede apoyar su teoría (el que graba la cinta) muere en un accidente de coche ¿Casualidad? no lo creo. El hecho de que un tío con una lista tan larga de ventajas en la vida (por no mencionar una hermosa y larga cabellera simétrica) esté teniendo una semana tan difícil en su propia comunidad, más o menos hecha a su medida, es para mi de las cosas mas fascinantes y atractivas de la película, que se atreve a iluminar de manera grotesca los peligros de la aceptación de la clase alta.

Cuando llegamos al clímax y final de la historia, esos garabatos sobre los encuentros de carácter erótico que se han ido viendo durante todo el metraje, sólo son la punta del iceberg. Es de sobra conocido que las fiestas sexuales de las clases altas pueden llegar a ser de libertinaje total, autenticas orgías, pero esta "sociedad" no es una de tantas, es la más elitista de todas.

En esta fiesta entra en escena nuestro investigador novato favorito y que dábamos por muerto. El intentar destapar la sociedad y alertar a nuestro protagonista de lo golfa que es su familia le supondrá un severo castigo. Alegremente desnudan al pobre chico y empiezan alimentase de su esencia corpórea absorbiendo, mezclándose y fusionándose con él, hasta que no queda nada. Nuestro amigo pijo, horrorizado, intenta huir en lo que descubre a sus padres y hermana en una particular orgía mutante: el padre tiene la cabeza en el culo pero el sentido de humor intacto, la madre tiene brazos en lugar de piernas y la cabeza de su hija en lugar de una bonita... ¿rosa?.

En lugar de seguir explicando algo tan visual, lo mejor es poner la mejor parte de la película.

En definitiva, una película valiente que a día de hoy seria imposible de filmar, pero que gracias a esa escena final y algún que otro momento lúcido de la película es muy difícil de olvidar.

Dictamen: III

Lo nuevo de Uwe Boll: Auschwitz

2010-09-09T10:15:00.001+02:00

Tengo que decirlo, Uwe Boll "Balboa" se está convirtiendo en un director de cine. Todos conocemos sus fiascos, pero últimamente cada vez que escribe un guión original la película mejora, ¡y de que manera! Está ganando el asalto contra la crítica (le han dado más ostias que a Ed Wood en toda su vida) y se empieza a reconocer su progresión; buen ejemplo de ello es su película Rampaje (2009) de la que ya hablaré en algún momento y que suele recibir puntuaciones de 6/10 en las webs de cine, lo que no está nada mal.

Ahora nos presenta el teaser-Trailer de su nueva película Auschwitz. Con tan solo 49 segundos me ha dejado flipado y con ganas de ver que cojones esta tramando este tío. ¿una película seria? ¿Uwe Boll? Sinceramente me tiene intrigado la manera en la que abordará este tema tan delicado, ya que es de sobra conocida su falta de tacto. (de ésta o se consagra o le echan de Alemania)

Hace un mes se lo comentaba al bueno de Mario, que hay directores que hacen tanta mierda que, por cojones, algún día tienen que empezar a mejorar. Uwe Boll es uno de esos, que curiosamente y como dije antes, entrega sus mejores obras cuando trabaja sólo y únicamente con ideas originales suyas.

Acabarán dándole premios a este buen hombre, tiempo al tiempo. El vídeo le han censurado 2 o 3 veces en Youtube, espero que aguante esta vez.

Calvario (Calvarie, 2004)

2010-09-08T11:48:00.003+02:00

No es una película de terror en toda regla, que esas al final no dan miedo, ésta es una película de atmósfera. La atmósfera no se fabrica con una formula establecida, la atmósfera se genera y se capta en la magia del rodaje, luego se monta y finalmente se expone ante el espectador.

Todo comienza con un músico de tercera categoría, de esos que cantan a los viejos de una residencia de ancianos por 50 euros. Peor aún, el hombre tiene que aguantar, en su propio camerino, el ligero acoso sexual de la más veterana y salida de las abuelitas. Hasta este momento el tío nos cae bien, incluso no da pena, pero tan solo un minuto después rechaza a la mujer de la foto (a continuación) y es en ese mismo momento en el que yo le desee el peor de los males.

Tuvo los huevos de no tocarla un pelo, que assssssco de tío. Pues la susodicha se llama Brigitte Lahaie: vosotros no la conoceréis, amos y dueños de la nueva oleada del cine x, pero esta chicha (ahora señora) hizo porno y alguna que otra película erótica en los 70's, buscadlas y las encontraréis.

Después, el tío se larga en su andrajosa furgoneta hacia el siguiente destino viejuno, pero como es medio tonto y el karma no perdona además de perderse se le estropea la coñoneta (nombre totalmente irónico claro). Por unas o por otras acaba en el hospedaje de un simpático señor que le colma de todas las comodidades que su humilde casa puede proporcionarle.

Y aquí señores es donde empieza el sufrimiento tanto para el protagonista como para el espectador. Ese hombre tan amable es en realidad un loco de mucho cuidado, que además de confundir a nuestro músico con su mujer (la cual le abandono) no le quiere dejar marchar y, por supuesto, quiere disfrutar de una relación COMPLETA con el, cama incluida. El viejo loco está supercontento, no hace mas que planes a largo plazo y se frota las manos pensando en todos los polvos que tiene atrasados.

La gente del pueblo tampoco está mejor, incluso se rifan el culo del cantante, ya que en el pueblo no existen las mujeres (y no me extraña) Son igual o más peligrosos que nuestro entrañable loco y se les nota en los ojos, en el habla y hasta en la forma de andar. Pero donde el espectador no tiene lugar a dudas de lo jodidamente grillados que pueden estar estas personas, es a los dos segundos de su primera puesta en escena, intentando violar a una pobre e indefensa vaca, de echo la violan que leches...

Pero no todo es negativo en ellos, saben montarse buenas fiestas y se pegan unos bailes dignos de los mejores bailarines de Break Dance. ¿que no me creéis? ejemplo que os casco.

Para algunos es algo desagradable, para otros terror de calidad. Para mi es una película sobria echa por un director ebrio, que tendría que llevar otro nombre en lugar de Calvario. Justo castigo es el titulo que le daría, porque nadie en su sano juicio rechaza sexo gratis de una enfermera rubia y con una delantera de escándalo, incluso tengo algún amigo que ni siquiera rechizaría a la vieja salida, ¡y no miro a nadie!

Os pongo el trailer que mola más que Armagedon, 2012 y Con air juntas (es posible que este comentario no tenga nada que ver con la realidad)

Dictamen: III

Punky Brewster. La serie animada (1985)

2010-09-06T15:45:00.003+02:00

Si los ves, tienes 30 segundos para sacarte los ojos. Sí, exactamente 30 segundos o tu cabeza y tu alma no volverán a ser lo que eran.

El primer capitulo que vi de esta serie lo vi con curiosidad, pues ¿qué podrían sacar en estos dibujos que no hubieran sacado ya en la serie? Bien fácil, un furby repelente con poderes mágicos que solo sabe meterse en líos. Eso sí, cuando se resuelven todos los problemas, al final del capítulo, sueltan unas risas en conjunto al mas estilo Con ocho basta. Sí... con 8 minutos basta.

La serie original (de imagen real) tenía más encanto, sobre todo era curioso ver como una huérfana llena de mierda hasta el cogote conseguía que su perro siempre estuviera reluciente y con un pelaje superbrillante. Siempre me llamo la atención, sí... y eso sin contar cuando años más tarde volví a ver a la pequeña Punky convertida en mujer, ¡y qué mujer!

No obstante, esta versión animada también tenia sus cosas buenas: el furby repelente tenia perilla, y eso mola; La canción era 100% de los 80's (le doy un 9); Cumplían con la ley de jamás cambiar de ropa en ningún capítulo; Y algunas de sus aventuras eran hasta entretenidas

Pero si la comparamos con la serie original o con una serie de dibujos de la época o mejor dicho, con una foto de Falete en tanga, esta serie era una mierda con afán de seguir sacando dinero a los niños que compraran furbies (con perilla) una década antes de que se inventaran.

Vaya, me confundí... no suele llevar tanga, aunque eso no le hace ser mejor serie a Punky Brewster. Estoy seguro que Falete veía esta serie de pequeño, tanto en edad como en grosor.

Un apunte sobre la canción del opening: se llama Every Time I turn Around, escrita por Gary Portnoy y Judy Hart Angelo y cantada por Portnoy. ¿Que no sabes quiénes son? eso es porque no les conoce ni Punky Brewster, pero en su día Gary Portnoy era el puto amo, ¿ejemplos? fue el que sacó la canción de la serie Cheers, y como bien se sabe, con un éxito te forras y no necesitas volver a trabajar en tu vida. Bien echo Gary.

Dictamen: 0 (y no le doy menos por que el bicho tiene perilla, y si tiene perilla tiene que saber lo que hace ¿no?)

Chocolate (2008)

2010-09-01T22:47:00.009+02:00

Con este título tan atractivo para el paladar, no encontramos una película acerca de esos sabrosos dulces, sino una ensalada de ostias con coreografías que nos dejan los pelos como escarpias.

Prachya Pinkaew, director de Ong Bak y Tai Dragon, se supera ampliamente de mitad de película en adelante (que es donde esta casi toda la acción) pero la primera parte, que cuenta una buena historia, no está nada bien hilada. Hay momentos que parecen pegados con Super-glue y no se dignan en darte una explicación de como se ha llegado a eso, pero ni falta que hace. En cuanto la protagonista suelta la primera patada, el cómo ha llegado allí es lo de menos.

Tiene bastante más argumento que la típica historia del tipo de a) me han robado el elefante o b) me han robado la estatua buda o c) han raptado a un amigo (parece que en Tailandia los amigos de lo ajeno están en racha) Así que sobre el tema de guión no tenemos muchas quejas, y es que en una película en la que vamos a ver mas ostias que en 14 capítulos de Impacto TV juntos, ¿nos vamos a preocupar porque tampoco tenga un argumento digno de una película de Tarantino? Pues la respuesta es no, puto holandés de los cojones.

Metámonos en faena, el argumento. No hay mucho que decir, una niña autista que copia todo lo que ve, se pasa la infancia viendo entrenar en la escuela de muay thai al lado de su casa y tragándose todas las pelis de Tony Ja una y otra vez. Aquí prestemos atención a como piensan los guionistas del cine de artes marciales: si en occidente un autista es capaz de descifrar códigos del gobierno o hacer numerosas cuentas dignas de un indio con el cerebro del tamaño de Santander... ¿por qué nuestros autistas no van a ser capaces de dejar a Bruce Lee como si fuera cojo y manco?.

Prosigamos, cuando su madre enferma de cáncer, ella y su amigo el gordo deciden ir a cobrar las deudas que tienen los comerciantes con ella... ah, que no os he dicho que la madre era una antigua mafiosa con malas pulgas. Tanto es así que JeeJa Yanin, la protagonista que con 24 años pasa por una de 15, descubre que es la hija secreta de Chuck Norris, Bruce Lee y Jesucristo juntos. Menudos zapatillazos metes hija mía, y el que diga que no, que se vea las tomas falsas del final, que cuando se le escapaba una patada dejaba seco en el suelo al que la recibía.

Hablemos ahora de los masillas de esta película. Después de pasarte media hora llevándote las manos a la cabeza al ver una patada o mala caída, después de ver como un tío cae rebotando por las esquinas, de espaldas golpeando los bordes del cemento, incrustándose en tubos de ventilación... lega el clímax de la película en una fachada a la altura de un tercer piso, donde diréis cosas como "¡me cago en San Blas, ese se ha matado fijo!"
Para muestra un botón:

Lo mejor: Las escenas de lucha, que son sublimes. El argumento, que aunque para mi no este al principio bien hilado, es muy superior a la media en este tipo de producciones. La escena de la fachada (donde vemos como los esbirros anónimos hacen honor a su nombre). Y la protagonista, que viene a ser Tony Ja en mini.
Lo peor: el principio que es un poco lioso y que después de todo te pueden hasta sacar unas lagrimas.

Si te gusto Ong Bak y el cine que hace que se te quede la boca abierta o te lleves las manos a la cabeza, no te la pierdas rufián. Y ahora un trailercico para abrir boca.

Dictamen: III

Más True Blood

2010-08-31T14:04:00.007+02:00

Confirmada ya la cuarta temporada de True Blood, espero que siga tan sangrienta como siempre. Evidentemente esta serie no es gore, pero es bastante buena; efectos especiales correctos, personajes bien caracterizados, guiones a veces de lujo según en qué capitulo, efectivas historias intercaladas y, sobre todo, original y entretenida. No obstante no es perfecta y la protagonista resulta cargante dependiendo del día que tenga (pero mirad la foto ¿se lo perdonáis verdad?)

Para el que quiera empezar a visionarla, basta con que se trague los primeros cinco capítulos, suficientes para saber si te va a gustar o no.

Pd: ¿Alguien sabía que se había casado Stephen Moyer (el moreno de la foto) con Anna Paquin (la rubiaca)? Al parecer él se lo propuso en Agosto del 2009 y unos meses después ella publico que además era bisexual (bien Stephen, encima podrás hacer tríos, biennnn) Se casarón el 21 de Agosto, por eso ese día estaba yo triste, algo era...

Predators (2010)

2010-08-30T16:48:00.019+02:00

Si no puedes hacerlo mejor, copia lo bueno. Así de clara es la tercera parte de la saga Depredador (Porque no esperaréis que cuente AvP 2 como la cuarta parte, ¿verdad?) Nos volvemos a sumergir en el cine de acción y ciencia-ficción de los 80's. Menos efectos digitales, más efectos físicos y el opening más atractivo e inesperado de la saga, que te mete de lleno en la historia.

Enseguida se presentan los estereotipados personajes, que son el punto fuerte de la película. Todos y cada uno de ellos cargan mil y una batallas a las espaldas, y eso se nota: Desde un Mexicano de los cárteles de la droga hasta un miembro de escuadrón de la muerte en Sierra Leona. De entre todos ellos me encantaron dos, un Yakuza poco charlatán y un Rednex presidiario (aunque a estos personajes les falten minutos de película, los cuales se chupan los protagonistas Adrien Brody y Alice Braga que también están genial)

La película me ha gustado bastante, me ha dado lo que yo quería, una atmósfera casi tan opresiva como la de la primera parte, un grupo adiestrado y a la altura de plantar cara a cualquier alimaña del espacio y algún que otro giro casi inesperado. También tiene sus contras: pese a que sale bastante sangre, no es ni la mitad de gore que las cintas anteriores, y el saber cómo es el bicho al que se enfrentan le quita lógicamente tensión. Pero bueno, después de ver depredadores en cuatro películas es normal que el factor sorpresa no exista.

Lo mejor: La banda sonora, los personajes y los guiños a la primera parte, canción de los créditos finales incluida.
Lo peor: Los predators no están tan bien enseñados en el arte de la caza como antaño, y eso es culpa de la E.S.O. que ya ha jodido varias generaciones.

Y por cierto, nos timarón con la imagen del tráiler en la cual Adrien Brody está siendo apuntado por decenas de miras láser de los depredadores, todo fue un burdo truco para la promoción. En la película tan sólo se ve una única mira. Robert Rodríguez, ojala te salga un hijo con cara de Depredador.

Dictamen: III

Lost, la sentencia final

2010-06-12T01:37:00.008+02:00

El viernes 23 de Mayo asistí, ojiplático, a la sesión final de Perdidos. El acontecimiento fue retransmitido simultáneamente en varios países del mundo, siendo Cuatro el canal que daba aquí un caótico paso hacia adelante en la forma de entender la televisión en nuestro país. La experiencia fue como mínimo desorientadora, tanto por el contenido del episodio en si, como por la defectuosa proyección que, como ya se ha comentado hasta la saciedad, incluía subtítulos descoordinados, ausencia de minutos e interrupciones digitales.

Una vez revisionado el episodio con los subtítulos “oficiales” de Lostzilla, y vuelto a disfrutar doblado al castellano este mismo domingo, nuevamente en Cuatro, la sensación de pérdida ya es total. No hay nada más que rascar de los foros, los post se pisan unos a otros, las ideas novedosas y las interpretaciones peregrinas palidecen. Lost se acabó, y con la serie un poco de cada uno de los que la hemos seguido.

Y a partir de aquí ¡Ojo, SPOILERS!

Como era de preveer, la Finale fue un fin de fiesta emotivo en el que el cierre de los personajes primó en todo caso frente al esclarecimiento de los misterios. La ausencia total de explicaciones acerca de la isla dejó a más de uno con el culo torcido (a mi entre otros) a pesar de que los creadores de la saga ya iban dando buenas muestras durante toda la última temporada de lo que se nos venía encima. El capítulo titulado “Across the sea”, en el que se describía el origen de Jacob y de su hermano, el malogrado Humo negro, fue un buen botón de lo que los productores maduraban hacer con la serie.

La mayor parte de nosotros no vimos respuestas en ese episodio, sólo más preguntas como Madre se atrevió a comentar, y sin embargo las intenciones de Lindelof y compañía estaban ahí. Jacob y Smokey no eran seres eternos o deidades primigenias, sólo eran hombres; piezas de ese tablero de la promo de Cuatro, con derecho a redención por supuesto. La intención queda clara: lo que importa no es la isla, que actúa como un demiurgo gigantesco durante 6 temporadas, lo que importa son los personajes y, sobre todo, la posibilidad de salvación (física sí, pero más bien espiritual) De eso va la cosa, no de osos polares.

Bien, acepto el envite y me pronuncio a favor del cerrojazo de la serie. Te guste o no ese epílogo en el limbo, lo cierto es que la saga queda redonda en lo que a motivaciones personales se refiere. Todos los personajes viven su propia epifanía en la isla, y ésta se cierra en esa Santa Iglesia Multicultural (exceptuando para algunos por circunstancias particulares, y para otros por espinosos acuerdos contractuales… ¡maldito Eko!) Sin embargo, no puedo ser un “lostie” feliz frente a ese desprecio a los misterios de la isla.

Aunque desde el primer día los guionistas se hayan cansado de asegurar que Lost es una serie de personajes, creo que lo que de verdad nos hacía ir al curro sin dormir, varios capítulos mediante, era la intriga y la búsqueda de respuestas. El desarrollo de los protagonistas es extraordinario, y Jack, Kate, Sawyer, Hugo, Sayid y compañía quedarán en nuestra memoria para siempre, pero el motor era la isla y debió tener su cachito de gloria al final. Al parecer, la Finale plantea un “próximo episodio en tu casa” que no me parece del todo mal, pero que me partió la cara ese 23 de Mayo por la mañana.

Al menos nos queda el consuelo de saber que Perdidos continua en el fondo de una jarra de cerveza. La mayoría seguiremos especulando como hemos hecho con otras tantas sagas míticas, y, al fin y al cabo, disfrutando postmortem de una serie que se ha colado para siempre en el imaginario colectivo de un heterogéneo grupo de fans. Ahora nuestra misión es enseñarle a los profanos las horas de disfrute asegurado que les quedan por delante. Cada temporada con su idiosincrasia particular, con sus altibajos, pero siempre con veneno.

Temporada 1: Supervivencia, aventura y, en definitiva, la temporada que podría ver con mi madre. Apta para todos los públicos, con dosis de misterio asumible por el espectador convencional y muchos minutos de flashback en el mundo real. Contiene algunos momentos gloriosos, como cuando descubrimos el secreto de John Locke en uno de los primeros episodios.

Temporada 2: Hombre de ciencia, hombre de fe. Se plantea uno de los leitmotivs de la saga. El bunker, Desmond, Ben, Michael, Ana Lucía y Mr. Eko son suficientes para que esta sea mi temporada favorita. Eso sí, el nivel de frikismo va aumentando por momentos y cada vez cuesta más convencer a la gente de que Perdidos merece la pena. El capítulo inicial es de lo mejor que he visto en años, y personalmente creo que el mejor de la serie.

Temporada 3: Gran cantidad de relleno en los primeros capítulos y famosa por ser la temporada que volcó a un buen número de espectadores. No obstante, mejora a medida que avanza y el final es realmente extraordinario, con la magistral introducción del concepto flashforward: “We have to go back!”

Temporada 4: La temporada del carguero sufrió los recortes de la huelga de guionistas, y eso se nota. Sin embargo los mercenarios y la muerte de Alex consiguen darle vidilla suficiente para superar la media, aún siendo, en mi opinión, la peor temporada de Perdidos.

Temporada 5: La frikada total. Viajes en el tiempo, idas y venidas y la influencia del cómic visible en cada esquina. A mi me encantó, pero creo que forzó hasta el límite la paciencia de un gran número de espectadores. El impactante y extraordinario capítulo final nos muestra a Jacob por primera vez y nos destapa la verdadera naturaleza del humo negro. La partida de backgammon es revelada y a partir de aquí la serie avanza hasta un desenlace más o menos convencional.

Temporada final: Un gran epílogo unido al desenlace final narrado de forma lineal. Las preguntas se multiplican y las respuestas brillan por su ausencia. Los cliffhangers de final de capítulo pierden mucha fuerza en esta ocasión, todo sea por cerrar la historia y mostrarnos un episodio final emocionante, inquietante y conmovedor, digno de la serie.

Por los que me animaban a ver la serie (y a los que no hacía caso), por Dharma, por el triángulo amoroso (¡ay! sé de una que aún no lo asume), por Jacob, por el incidente, por Penny (la mejor), por las teorías elaboradas sobre servilletas de bar, por el Dawntown de la season 3… por todo eso y mucho más, merece la pena.

PD: Recomiendo los análisis en forma de podcast de la gente de Cientoocho, ¡echadle un vistazo y veréis que merece la pena!

Los Trappers en el Webseriesfestival

2010-05-10T19:54:00.003+02:00

El prólogo (remasterizado) de Limbo participa en un concurso organizado por Nicodemo.tv que consiste en presentar el episodio piloto de una Webserie cualquiera. Si nos da tiempo igual hacemos otro expresamente para la ocasión, habrá que ver como andan las ganas de la gente y la disponibilidad.

Ah, y si queréis votarnos con 5 estrellucas (que no hay que registrarse ni ná) pues ya sabéis :-P

Podéis ver el remake aquí.

Cortometraje repudiado en el Notodofilmfest: TONY NARCO

2010-03-15T19:01:00.008+01:00

Aquí va nuestra fallida segunda intentona en el Notodofilm. Lo cierto es que no sé si nos rechazaron el corto por malo, por jarto o por pasar del pie de acto de Amenabar. Cualquiera de las tres razones es posible, incluso que todas a la vez :-P

Por otro lado no hubo suerte con Hollow y no fue selecionado para la final. Final a la que si ha accedido mi paisanuco Álvaro Oliva con Cine(cro)filia, ¡Ahora está obligado a ganar!

Suerte para Álvaro y al resto que les den por el cine.

Los Trappers en el Notodofilmfest: HOLLOW

2010-02-19T02:23:00.013+01:00

¡Ay páharos! Que ha habido suerte y nuestro corto Hollow es uno de los seleccionados a concurso del Jameson Notodofilmfest. Concretamente participa en la sección "Una película de...", la cual consiste en completar un pie de acto escrito por el mismo Alejandro Amenabar.

Es una gañanada como de costumbre pero esta vez grabado en HD. Vamos prosperando aumque todavía no controlo mucho la nueva tecnología adquirida, glups. Espero que al menos saque alguna sonrisa :-)

Y en otro orden de cosas aprovecho para anunciaros que mi paisano ÁLvaro Oliva es uno de los finalistas de la versión tradicional del concurso con El finger. En el corto participa el mítico Txutxo y otros cortometrajistas de la escena Cántabra.
Podéis echarles una mano votando su corto aquí. ¡Mucha suerte!

LOS INVASORES DE LA CASA RURALIENÍGENA ¡El origen del Capitán Cabeza de Vaca!

2010-02-01T18:40:00.001+01:00

Historia lateral centrada en uno de los personajes más carismáticos de la web-serie be Limbo. El todavía Teniente Cabeza de Vaca y el Capitán Gallardo se enfrentan a una invasión alienígena.

Una versión de 7 minutos de este engendro cósmico participó en la I Maratón de cortometrajes express Juvecant 09.

Esta vez la música es original, compuesta por HolloW, Muro y Lestón.

PARTE I

PARTE II

Y como siempre en el grupo de Facebook fotos del rodaje, vídeos rancios y debates chorra. ¡Animaos!:

De Los invasores de la casa ruralienígena han dicho:

"(..)en esta precuela podemos presenciar varias cosas:

* Un suceso de "primer contacto" un tanto sui generis
* Una invasión extraterrestre. O algo así
* Dos divorcios
* Entre cinco y diez asesinatos, la mayoría a sangre fría. Helada
* El contenido de un portaequipajes que conjuga perfectamente el ocio con lo profesional
* Ningún lamento
* Cómo se fragua un ascenso.

A destacar, el lenguaje de los extraterrestres. Si Cameron contrató a un lingüista profesional que trabajó durante cuatro años para lograr la verosimilitud de los Na'Vi en Avatar, nuestros amigos de El Hombre de Arena no iban a ser menos y se han currado cuatro o cinco visionados de Mars Attacks para lograr una suspensión de la incredulidad no menos meritoria.

Y en dos dimensiones.
Sin gafas ni hostias, con dos c...
Véanlo ustedes mismos. Véanlo."

Fuente: Portal de Ciencia Ficción

¡Gracias Mr. Seldon! ;-)

¡LLEGA CABEZA DE VACA! Web-series: LIMBO (Capítulo 2)

2009-12-18T03:41:00.005+01:00

El Hombre de Arena presenta la que es sin ningún tipo de lugar a dudas... ¡la web-serie be más zeta de toda la red!

Introducimos a uno de los personajes más carismáticos de toda la saga: El Capitán Cabeza de Vaca. Este episodio es un poco más largo y está en dos partes. Pasad y echar un vistazo por si merece la pena.

CAPÍTULO 2: EL CAPITÁN CABEZA DE VACA CONTRA EL ABISMO

PARTE I

PARTE II

"El Papa Benedicto XVI borró el Limbo de la continuidad espacio-temporal. Ahora las almas que allí habitaban vagan por nuestro mundo, mientras el Cielo y el Infierno se enfrentan una vez más para domeñarlas."

Mitología cristiana, humor negro y el tándem balas-katanas para una orgía de violencia de lo más divertida. ¡Toma ya!

Y en el grupo de Facebook fotos del rodaje, vídeos rancios y debates chorra. ¡Animaos!:

¡ESTRENO MUNDIAL! Web-series: LIMBO (Prólogo y capítulo 1)

2009-11-20T11:50:00.009+01:00

El Hombre de Arena presenta la que es sin ningún tipo de lugar a dudas... ¡la mejor web-serie be de toda la red!

"El Papa Benedicto XVI borró al Limbo de la continuidad espacio-temporal. Ahora las almas que allí habitaban vagan por nuestro mundo, mientras el Cielo y el Infierno se enfrentan una vez más para domeñarlas."

Mitología cristiana, humor negro y el tándem balas-katanas para una orgía de violencia de lo más divertida. ¡Toma ya!

PRÓLOGO: LA MUERTE DE CALDER Y ALEXANDRA

Calder y Alexandra son dos Ninjas del Vaticano con una cuenta pendiente...

CAPÍTULO 1: EL ÁNGEL RECAUDADOR

Nithaiah recaudaba impuestos en el cielo antes de que le enviaran a la tierra en busca de unas personas. Desquiciado, su infructuosa búsqueda le llevará a un conocido bar.

Toda una experiencia religiosa para la vista y el oído. Y de aquí a Jolibuuuuuuuuud... Se admiten críticas deconstruidas de esas, gracias :-P

Y como siempre ya sabéis que podéis uniros a nuestro grupo de Facebook:

Las crónicas de Sitges 09

2009-10-26T18:35:00.001+01:00

Del 1 al 12 de octubre se celebró la 42 edición del Festival internacional de cine fantástico de Cataluña. Ésta es la crónica del equipo de El hombre de arena desplazado a tal evento:
Exceptuando algunas tímidas aproximaciones a la Seminci de Pucela (que está guay, pero no es mi liga) hasta ahora no sabía lo que era un festival de cine, situación imperdonable a la que no he tenido más remedio que poner fin. Después de muchos años rondándome la cabeza, finalmente tuve la oportunidad de asistir al Festival de Sitges, y lo cierto es que es recomiendo a todo el mundo la experiencia.
Además del atractivo turístico del lugar y del tiempo inmejorable que hizo, los diez días que pasé en la localidad barcelonesa (con mi novia, detalle importante) estuvieron plagados de buen cine y ambiente festivalero a tope. A continuación paso a evaluar, día por día, mi estancia en el festival de cine fantástico más importante del mundo.

VIERNES, 02 DE OCTUBRE DE 2009

Al llegar el segundo día del festival no tuve oportunidad de ver el estreno de Rec 2 ni el pase de Alien (referencia del festival por su 30 aniversario) La verdad es que nos jodieron vivos cambiando las fechas oficiales a última hora pero que vamos a hacer. El viernes también era el día de La naranja mecánica y Malcom McDowell, a los que tuvimos que renunciar después de un infernal viaje en tren desde la otra punta de España en el que casi nos sisan la maleta.
Una vez instalados y con el relax necesario, el viernes por la noche acudimos a la proyección en Prado de un documental sobre la peor película de la historia:

Best worst movie (Documental freak)

Troll 2 fue considerada durante mucho tiempo como la peor de la historia según la IMDB (peor que Plan 9, sí) Honor arrebatado actualmente por Superbabies: Baby Geniuses 2 ¿? El documental aborda la fenomenología de la regla del círculo, esa que afirma que algunas veces las obras artísticas de tan malas son buenas, la misma regla que afecta a los cuadros de Miró.
La peli combina multitud de situaciones hilarantes (algunas son la puta risa, como las protagonizadas por el director italiano) con algunos momentos de auténtico drama surrealista. Los aplausos y las carcajadas resonaron por toda la sala y, aunque quizá demasiado alargado, el éxito del documental fue rotundo. La buena acogida tuvo que hacer las delicias del director Michael Paul Stephenson (quien fue a su vez el niño protagonista de la peli) sentado a nuestro lado por cierto.

Dictamen: III

Troll 2 (¿Terror?)

A continuación se proyectó la susodicha película, un descacharre con duendes vegetarianos asesinos digno de verse. Las risas aseguradas, sobre todo si ves antes el documental.

Dictamen: 0 (por supuesto)

SÁBADO, 03 DE OCTUBRE DE 2009

El sábado proyectaban Summer Wars, película de animación japonesa que deseché en un primer momento y vencedora finalmente en su categoría. Al final tuve la oportunidad de verla en la maratón del último día y me arrepentí de no haber apostado por ella dando preferencia a bodrios como Mushasi, pero bueno eso lo comentaré más adelante. También echaron Pandorum, thriller espacial al estilo Horizonte final que, a pesar de las malas críticas, me quedé con ganas de ver.
Nuestra elección fue un clásico del incombustible Roger Corman:

El péndulo de la muerte (Terror/suspense)

Edgar Allan Poe, Richard Matheson, Vincent Price... que más se puede añadir. Serie B de la buena, de la de antes. Además el rollo estaba en perfecto estado y la proyección, más de 30 años después, fue una auténtica delicia. Para rematar, después de ver la peli asistimos a la presentación del libro Las Sombras del Horror: Edgar Allan Poe en el Cine, con Jesús Palacios entre otros dando la réplica. Un lujazo.

Dictamen: IV

DOMINGO, 04 DE OCTUBRE DE 2009

Para este día estuvimos a punto de optar por The descent 2, descartada finalmente a pesar de las benevolentes críticas que he leído después. Visto el desastre total de una de las pelis que finalmente elegí para este día, no hubiera estado mal.

Nightmares in Red, White and Blue. The Evolution Of The American Horror Film (Documental)

Documental yanqui de lo más convencional. Repaso histórico de su cine de miedo jalonado con declaraciones reiterativas de los grandes del terror americano. Como curiosidad se puede decir que en un momento del documental se alaba el cine de terror europeo actual y el español en particular, con imágenes de El laberinto del fauno. Uno de los entrevistados era Anthony Timpone, de la mítica revista Fangoria, presente en la proyección.

Dictamen: II

Pesadilla en Elm Street (Terror ochentero)

El plato fuerte del día. Freddy Krueger en pantalla grande y con John Saxon como maestro de ceremonias (a pesar de la traducción simultanea al catalán que hizo que no me enterara de la mitad, menos mal que el hombre está cascadete y hablaba despacio en inglés) Otro lujazo.

Dictamen: IV

Musashi: The Dream of the Last Samurai (Documental de animación)

Cambiamos Prado (mi sala favorita, sin duda) por el lujoso Auditori para ver este auténtico truño galáctico. No sé como me vendieron la moto que esperaba ver una jartada parecida al episodio animado de Kill Bill pero con samuráis y acabé en un documental histórico de animación aburridísimo y muy poco currado. El tema, Musashi Miyamoto, daba para mucho, incluso me he leído El libro de los 5 anillos, pero aún así el ladrillo me resulto poco sostenible. En ésta asomaron tímidamente las primeras cabezadas, ¡y no miro a nadie!

Dictamen: I

LUNES, 05 DE OCTUBRE DE 2009

Echaban la última de Nicolas Cage y otra peli de gran presupuesto con el cantante de 30 Seconds to Mars de la que había oído hablar mucho: Mr. Nobody. Sin embargo, el lunes estrenamos sala (Retiro) en el turno de los chuletones.

Ip Man (Artes marciales)

Biopic sobre la vida del más famoso y legendario maestro de Wing Chun. La maquinaria de promoción presentaba a Ip Man como el maestro de Bruce Lee, detalle que se descubre intrascendente a la hora de disfrutar de la cinta.
La acción discurre entre el costumbrismo y el drama bélico en la China de La segunda guerra mundial. Todo muy bien narrado y con bastante más coherencia de la que me esperaba, sobre todo cuando el 90 por ciento de la atención está centrada en lo que de verdad interesa: las hostias como panes. Y en ese sentido la peli se impone; un verdadero festival de mamporros que incluso consigue aislarnos del olor a rancio que destila su exagerado carácter patriótico.

Dictamen: III

MARTES, 06 DE OCTUBRE DE 2009

Otra vez Retiro, esta vez con cortometraje incluido. Visto con perspectiva creo que habría preferido escoger Splice, del director de Cube. Por el contrario me decidí por otra peli de animación que, aunque no estuvo mal, no consiguió dejarme del todo satisfecho en cuando al cine de dibujos seleccionado en el festival.
Por otro lado acudí por primera vez, y en solitario, al festival paralelo del edificio Miramar.

Trickster (Cortometraje de animación 3D)

Reconozco que llegamos tarde a la proyección y supongo que debido a esto no me enteré mucho de la trama. Animación 3D no demasiado espectacular con payasos satánicos que fue recibida con bastante frialdad en la sala. Mejor no valorarla.

First squad (Animación)

Animación japonesa de lo más sencilla sobre la infraguerra entre alemanes y rusos a lo largo de la Segunda guerra mundial. Místicos y hechiceros libraban una batalla paralela en la que el First squad era la punta de lanza del ejercito rojo.
Entrevistas a historiadores y veteranos de guerra interrumpían la trama de animación aportando datos pseudorealistas e interrumpiendo un tanto el ritmo de la narración.
La película no estuvo mal pero no fue una gran experiencia festivalera la verdad.

Dictamen: II

Contamination: Alien invade la tierra (Terror)

Explotación Z del fenómeno Alien al más puro estilo italiano y en la sala Brigadoon. La peli empieza fuerte con la exploración de un barco abandonado lleno de huevos alienígenas. Sin embargo la transición hasta el desenlace se hace un poco aburrida, exceptuando lo cómico que resulta oír hablar en espagueti a agentes del mismísimo Pentágono. Al final se recobra la intensidad perdida con un alien pulp muy digno como monstruo de fin de fase. Teniendo en cuenta que la vi en italiano con subtítulos en francés, que más puedo decir.

Dictamen: III

MIERCOLES, 07 DE OCTUBRE DE 2009

Último día con una sola proyección en la agenda. A partir de aquí la cantidad de minutos de cine en vena fue aumentando progresivamente hasta límites un tanto desorientantes.

Valhalla rising (Fantasía épica)

Fantasía épica por decir algo. Lo cierto es que la pretenciosa cinta de Nicolas Winding Refn (presente a su vez en el festival con Bronson) en poco recordaba a, por ejemplo, la trilogía de El señor de los anillos con la que se le comparaba. De todos modos, la fábula de vikingos cristianos en el nuevo mundo no me pareció tan horrible como he leído por ahí. One-eye mola, y algunas secuencias se salen del pellejo. Cierto es, a su vez, que en ocasiones parece que el director se esté riendo del personal. Un precio quizá demasiado elevado que hay que pagar al enfrentarse al cine del director.

Dictamen: III

JUEVES, 08 DE OCTUBRE DE 2009

Sesión doble totalmente acertada para esta jornada. La próxima vez puede que optemos por un maratón de cortos como los que proyectaban este día, quien sabe.
Debo señalar que escuché los primeros silbidos del festival en Retiro mientras proyectaban un como se hizo… de Los mundos de Coraline. La gente quería ver Moon y pasaba de zarandajas, está claro.

Moon (Ciencia-ficción)

A la postre la vencedora del festival. La cinta de Duncan Jones (hijo de David Bowie, inevitable no decirlo) bebe de las fuentes mismas fuentes que toda mi generación. Alien, Naves misteriosas, Atmósfera cero… El diseño de producción es tan deliciosamente ochentero que no puedo más que rendirme a sus pies. Además si a eso le añades el carisma de Sam Rockwell (prácticamente el único intérprete de la cinta) y un guión sencillo y suficientemente interesante, el resultado es la ganadora del festival. No sé si daba para tanto, pero me gustó.

Dictamen: IV

Black dynamite (Blaxplotation)

Homenaje al cine de negros (de negratas más bien) de los setenta. Delirante parodia con momentos sublimes que arrancó multitud de carcajadas y aplausos en la sala. A mi personalmente me acabó pareciendo un sketch de 90 minutos de La hora chanante.
Aún así perfecta para la una de la madrugada. Buen descubrimiento.

Dictamen: III

VIERNES, 09 DE OCTUBRE DE 2009

Primer día de cine hasta la extenuación. Para la próxima no escogeremos maratones de madrugada con proyecciones individuales en el mismo día. De los errores se aprende, aún así, yo lo disfruté al máximo.

Maquetas (Cortometraje)

Corto casero que simula un anuncio de la DGT pero algo más bizarro. Una vez más se demuestra que no hace falta grandes presupuestos para tener buenas ideas y llevarlas a cabo. Muy bueno.

Dictamen: III

Paranormal activity (Terror)

Uno de los platos fuertes del festival al estilo Blair witch project. La cola que tuvimos que chuparnos para entrar en el Auditori no fue pequeña y, una vez dentro, se filmaba al respetable con cámaras de visión nocturna esperando las caras de susto… Sustos que no llegaron. Paranormal activity fue machacada por su campaña publicitaria y las elevadas expectativas que albergaba el respetable. La peli no está mal, pero no hay para tanto como nos habían dicho, ni mucho menos.

Valoración: II

Tetsuo: The bullet man (Ciencia-ficción)

Shinya Tsukamoto, premiado en el festival, retoma por tercera vez el personaje que le hizo famoso. El problema es que desde etonces ha debido ver mucho la Mtv porque el estilo videoclipero del film es infumable. La historia puede ser discutible, pero es que la forma en que está rodada la peli me obligó a desviar la mirada de la pantalla en más de una ocasión. Ángel Sala, director del festival, comentaba que no entendía porque la crítica había atropellado Tetsuo 3. Puede que la música atronadora y las miles de imágenes por segundo tengan la culpa.
No esperéis nada que tan siquiera recuerde a las ya clásicas pelis anteriores. Nuevas cabezadas en un claro error de elección.

Dictamen: 0

Book of blood (Terror)

La maratón de cine de terror extremo comenzó en Prado con esta adaptación de dos relatos de Los libros sangrientos de Clive Barker. John Harrison estuvo presente en la proyección presentando una peli que no agradó demasiado al personal. A mi personalmente me chirrían los FX digitales en este tipo de producciones, es aparecer el efecto por ordenador y esfumarse la atmósfera de terror. Por otro lado la sordidez sexual típica de las obras de Barker (también presente en el festival) es tratada de forma demasiado ingenua en esta ocasión. En cualquier caso la peli tiene momentos muy interesantes y el conjunto me entretuvo lo suficiente.

Dictamen: III

Dread (Terror)

La peli del bistec. Terror moderno tipo Hostel, Saw o cosas parecidas, pero del bueno. Otra que venía con demasiada propaganda a sus espaldas. Al final no era tan salvaje como se presumía, pero no importa, la peli funciona y algunos momentos de horror son sublimes.

Dictamen: III

The human centipede (Terror)

Sin ninguna duda la experiencia del festival. Tom y Ilona Six presentaron personalmente esta peli de horror físico con un psycho-doctor de lo más peculiar. Que normalitos parecían los cabrones, como imaginar que son poseedores de una mente tan enferma. Si queréis saber de qué va la peli mejor buscadlo en internet, sólo os diré que al final de la proyección, a las 6:30 de la madrugada, la gente se preguntaba ¿Qué coño hemos visto? Menos mi acompañante, que la pobre bastante tenía con intentar no echar la pota.

Dictamen: Inclasificable

SABADO, 10 DE OCTUBRE DE 2009

Segundo día de maratón extenuante y las fuerzas ya empezaban a flaquear. Pero ya conocéis el dicho, sarna con gusto no pica.

Zombi 2 (Nueva York bajo el terror de los zombis)

Asombrosa presentación de la peli con el especialista en efectos de maquillaje Gianetto de Rossi, hablando en castellano, y con Al Cliver (el prota de la peli) un poco afónico eso sí. También uno de los organizadores del festival (uno del que no me sé su nombre y la verdad es que cada vez que aparecía era para algo interesante, y encima hablaba en cristiano) más un crítico italiano hicieron una exposición de lo más amena y agradable.
Sin embargo la peli de Lucio Fulci no estuvo a la altura de las 15:30 (después de comer, uff) y la verdad es que se me hizo bastante aburrida, aunque con algún momento delirante como el combate Zombi Vs. Tiburón, muy aplaudido por supuesto. Además la calidad del rollo dejaba mucho que desear, aunque ese handicap también le otorgaba su punto a la sesión.

Dictamen: II

George A. Romero's Survival of the Dead (Terror)

La última de Romero. A veces creo que me gustaría volver a ver una peli de Romero que no fuera de zombis… pero enseguida se me pasa. Ésta última más bien parece una producción casera, llena de blood splatters y muzzle flashes cromados por todas partes. Muy youtuberesco todo, pero aún así divertido. El terror está casi completamente desterrado del cine de Romero, predominando incluso el humor en esta ocasión. El duelo final a la luz de la luna inenarrable. No estuvo mal.

Dictamen: III

Hard revenge Milly (Acción gore)

La maratón de cine japonés comenzaba con una chica mitad mecánica en un entorno tipo Kill Bill. El gore nipón es lo más desquiciado que he podido ver, que locos están madre. En este caso los cuarenta minutos de metraje no daban lugar al aburrimiento, las guantás estaban muy cuidadas y las secuencias de acción funcionaban a la perfección. Eso sí, todo muy raro, pero no tanto como lo que vendría.

Dictamen: III

Hard revenge Milly bloody battle (Acción gore)

Continúa la historia de la mujer cyborg en busca de venganza. Un poco más plomiza que la anterior aunque con el mismo tipo de acción delirante que despierta los aplausos del personal. Mi acompañante ya empezaba a revolverse incómoda en la butaca.

Valoración: II

Vampire girl Vs. Frankenstein girl (Gore psicodélico)

La locura total. Una rayada gore totalmente inclasificable e inclasificada. Humor negro kamikaze difícil de interpretar unido a exageraciones gore de todas las calañas. Jamás pensé que vería algo así en el cine, y mi novia debió pensar lo mismo porque logró no dormirse. Si tuviera que elegir una palabra que definiera la reacción que provocó en mí la película sería perplejidad, está claro. Otra que no soy capaz de valorar.

Dictamen: Realmente inclasificable

Samurai princess (Gore de andar por casa)

La mitad del equipo de rodaje estaba allí presentando la peli. Todos muy simpáticos y muy japoneses, filmando con cámaras caseras al público de Sitges que les aplaudía. Aplausos que agradecían su simpatía y espontaneidad personal, pero que nada tenían que ver con el truño de película que allí se proyectó. Menuda mierda seca a las 5 de la madrugada. Muchísima peor factura que las anteriores y sin ningún aliciente, Samurai princess parece algo hecho entre colegas (lo que parecían ser) pero sin la gracia que pudieran tener ese tipo de producciones menores.

Dictamen: 0

DOMINGO, 11 DE OCTUBRE DE 2009

Después de la matada del día anterior nada mejor que cine liviano y comercial para desatascar. Lo malo es que al final no vimos a Viggo Mortensen y además su película de liviana tenía poco.

Los cazafantasmas (Comedia terrorífica)

Uno de los momentos más inolvidables del festival. Ivan Reitman recogiendo el premio Máquina del tiempo y posterior proyección de una de las mejores pelis de la historia (en mi humilde opinión freak) Bill Murray es el mejor y pelis como estas ya no se hacen. Toda una experiencia ver al muñeco de los malvaviscos en pantalla gigante, el público entregado, no hay palabras.

Dictamen: V

The road (Drama postapocalíptico)

Brillante retrato de la vida después de la hecatombe protagonizado por Aragorn. El hambre, el canibalismo, la posibilidad siempre presente del suicidio. Una tragedia quizá demasiado dura para ser la clausura del festival, todo el mundo con la lagrimilla fuera y clamando porque el niño se salvara. Algunas secuencias de la peli son memorables, como la protagonizada por Robert Duval. Peliculón.

Dictamen: IV

LUNES, 12 DE OCTUBRE DE 2009

Maratón para el día del Pilar. Suerte que tuvimos y no nos coincidió ninguna peli, porque hasta el último día no se dio a conocer el cartel. Una buena oportunidad para visionar alguna de las cintas que habíamos dejado escapar.

Zombieland (Comedia zombi)

Premio del público por derecho propio. Un descacharre con zombis de los que corren y con Woody Harrelson al ciento por ciento. Las carcajadas fueron constantes y los aplausos también. Todo un éxito, a pesar de que la peli no encaja demasiado con los convencionalismos del género, de hecho opto por no calificarla como una peli de terror.

Dictamen: III

Mr. Nobody (Drama de ciencia-ficción)

Uno de los platos fuertes del festival, con Jared Leto y Diane Kruger. El tema de las realidades alternativas siempre me ha parecido fascinante, sobre todo desde aquellos cómics de Excalibur guionizador por el celebérrimo Christ Claremont. La cinta ha sido muy criticada pretenciosa y por su imaginería visual recargadísima. Además su larga duración no ayuda a suavizar las opiniones en contra. A mi personalmente me gusto mucho, reconociendo un poco de subjetividad, ya digo. Eso sí, el Leto es un seto.

Dictamen: III

Solomon Kane (Espada y brujería)

De la tinta de Robert Howard no sólo nació Conan el Cimmerio. Solomon Kane es un personaje olvidado pero poderoso, con mucho más potencial del que hace gala en la peli. Aún así la susodicha no está nada mal e incluso algunos instantes forzadamente épicos hicieron las delicias del personal. Eché de menos a Dios en el relato, junto al carácter inquisidor del personaje. Por otro lado sigo pensando que los blood splatter digitales no pueden sustituir a un buen chorrazo de salsa de tomate, pero allá cada uno.

Dictamen: III

Summer Wars (Animación)

Y cerramos el festival con la mejor peli de animación a concurso. Ganó el premio y con razón, al menos comparándola con el resto de animes que vi. Los dibujos muy cuidados y la historia engancha. La próxima vez tendré más cuidado a la hora de escoger dibujos animados.

Dictamen: III

Poco más queda por añadir, hasta aquí el repaso a la cuadragésimo segunda edición del festival de cine fantástico y de terror más importante del mundo, al que tan sólo le pongo la pega del idioma (pero supongo que es lo que hay)
Animo a todo el mundo a acercarse cada año a Sitges en el mes de Octubre; a disfrutar de su sol, de sus playas y de su cine. Cine, cine y más cine.

Cortometraje: ATRACO IMPERFECTO

2009-09-23T12:23:00.004+02:00

En esta ocasión homenajeamos al gran Tarantino, aprovechando burdamente el éxito comercial de la extraordinaria Malditos bastardos.

¡Esperamos que os guste!

La centinela (The sentinel, 1977)

2009-09-10T14:23:00.015+02:00

La buena Norteamérica, la de la barbacoa y las vallas blancas, la de la misa de los domingos y Dios y la Libertad y la Justicia empezaba a sufrir su peor crisis de identidad a finales de los tumultuosos años sesenta. Vietnam, Watergate, las revueltas sociales, la crisis económica o la elevada criminalidad eran cada vez más piedras en su antes brillante y despejado way of life.
El cine de los setenta se salpica de la mierda de su tiempo, y nunca Hollywood fue, ni volvió a ser, tan explícito, sucio e incómodo. En este contexto cinematográfico es en el que el género de terror alcanza su mayoría de edad, dejando atrás mucha de su inocencia lúdica y agarrándose a la realidad para transformarse en uno de los reflejos más significativos de la nueva pesadilla del sueño americano; el psicokiller es ahora el protagonista y el manierismo gótico que aún sobrevive se recicla con connotaciones más mundanas.

El tema del satanismo y alrededores, inaugurado a lo grande con dos obras maestras como La semilla del diablo y El exorcista, se dirige en esta dirección, hacia la creación de un subtexto en el que no es difícil inferir lecturas sociales. El demonio no es sólo la encarnación del mal cristiano, sino un trasunto de la crisis –ideológica, económica, religiosa y un largo etcétera- estadounidense, en todas sus vertientes y a través de todas las perspectivas y posicionamientos morales.
En este sentido, La centinela se erige, sin demasiada sutileza, como un film de tesis que defiende la moral cristiana frente a la relajación de costumbres de los nuevos tiempos, representada por una vecindad de psicópatas que amenazan con salir del infierno.

El film de Michael Winner narra la historia de Alison, una joven, modelo de profesión, y de cristiana sensibilidad, angustiada por dos adulterios y sus dos intentos, cuchilla de afeitar en ristre, de suicidio consiguientes. Por un lado, descubrió las correrías degeneradas de su propio padre siendo una adolescente y, por el otro, ella misma mantiene relaciones con un hombre que estuvo casado hasta la muerte accidental de su legítima esposa. Pero sus verdaderas tribulaciones empiezan cuando se muda a un apartamento en el que comparte escalera con unos peculiares vecinos –dejémoslo ahí, de momento- y empieza a padecer delirios y fantasmagóricos acechos.
El personaje interpretado por Chris Sarandon es una suerte de santa contemporánea –pocas dudas deja al respecto el final-, instigada por el descarrío de su propia vida, muy de acuerdo con los nuevos aires de modernidad, y por la encarnación del mal más allá de las paredes y techos de su propio piso. Esta idea de lo diabólico al otro lado de la puerta remite claramente a La semilla del diablo, aunque lo que en el film de Polanski era un retrato frío y distante de las pequeñas insidias cotidianas y del deterioro psicológico de la protagonista se convierte aquí en un sanguinolento gran guiñol de ritmo frenético.
Al mismo tiempo virtud y defecto, La centinela es un batiburrillo argumental que se desarrolla a trompicones y rápidos cambios de escena, en el que se mezclan el suspense policial, la locura de Alison, la trama religiosa y el terror gótico de toda la vida, de ruidos nocturnos y claroscuros, aderezado con desvergonzados y generosos ingredientes gore.
El resultado es tosco pero jodidamente divertido, puro rocanrol, en el que sobresale el crescendo de terror cada vez más truculento, que culmina en el pandemonium final –antológica y excesiva escena- en el que incluso se utiliza a verdaderos deformes de freakshow de los de antaño.
Otro de sus aciertos es el reparto, una curiosa miscelánea de antiguas glorias –destacándose una inquietante Ava Gardner, que se reserva la frase que resume la película, los neoyorquinos sólo piensan en el dinero y el sexo-, y promesas de futuro, como los jovencísimos y muy secundarios Christopher Walken, Jeff Goldblum o Tom Berenguer.

Cerrando el círculo, se puede decir que La centinela es un buen ejemplo de muchas de las directrices del cine de terror de los setenta, en cuanto a tema, plasmación del horror físico y, sobre todo, a su trasfondo de la crisis de los valores tradicionales, de la desorientación del individuo americano.
Pero que queda lejos de lo mejor del género de su tiempo por los excesos que la apartan de una visión más realista y, por tanto, más perturbadora, aunque le hagan ganar, desde mi punto de vista, en lo que a diversión pura y dura se refiere.

Dictamen: III

Cortometraje: PULSAR (Estreno on-line, descarga directa y tomas falsas)

2009-06-23T07:30:00.004+02:00

Y tal y como decíamos ayer... esta vez destruimos la ciencia-ficción.

Descarga directa aquí.

Y también puedes participar en nuestro grupo de Facebook:

EDIT: Añado unas pocas tomas falsas.

Teaser-trailer: PULSAR

2009-05-06T02:28:00.003+02:00

Avance del último subproducto engendrado por The trappers pictures. Esta vez destruimos la ciencia-ficción. ¡Disfrutad!

Watchmen (2009)

2009-03-08T08:00:00.002+01:00

Ayer mismo, viernes seis de marzo del año 2009, concluyó la cuenta atrás del reloj del juicio final. Aquellos personajes en mayas que allá por los años ochenta protagonizaron el primer tebeo superheróico dirigido al público adulto, asaltaban las pantallas de cine de todo el mundo. El target volvía a ser la audiencia legalmente madura, mayor de 18 años, y el resultado… total y absolutamente espectacular, al menos para mí, fan irredento como me considero de la serie limitada original.

Y es que, aún partiendo de la base de que ya percibo a Watchmen como la primera obra maestra freak del cine de género en el siglo 21, he de reconocer que la peli puede resultar indigerible para el espectador convencional. Zack Snyder ha optado por no dejar atrás casi ningún hilo argumental del tebeo, comportándose como un verdadero fan al que le dan las riendas de algo tan importante y mítico, pero machacando, me temo, la paciencia del espectador no iniciado. Puedo entender que la gente termine desviando la atención en las casi tres horas de metraje (cargado de ideas argumentales bastante densas) que dura el filme, perdido entre la maraña de historias personales y los infinitos vértices y aristas del guión.

Cada detalle está milimétricamente cuidado en la película. Las historias laterales que por motivos obvios no tienen un hueco en el desarrollo de la trama, encuentran su homenaje en algún plano o secuencia que conecta con el lector empedernido del original. Ningún personaje pierde su esencia, todos están ahí tal y como los vimos en el papel, desarrollados en la medida de lo posible y respetados hasta en el más pequeño detalle. Quizá el carácter de Rorschach produce alguna sonrisa en la sala de cine que no existía en el tebeo, y también pueden haber sufrido alguna deformación los argumentos de Ozymandias, obviando la peli sus orígenes y motivaciones. Sin embargo creo que la fidelidad de la cinta vomitada por el nuevo gurú del cine de género es irreprochable. Inclusive la violencia del cómic es afrontada por el director sin ningún tipo de miramiento, exagerada incluso en algunos instantes del rollo aportando esas dosis de sinvergüencería y macarrismo tan propias del director americano (lo cual es sin duda de agradecer).

A mi personalmente me encanta esa apuesta por lo macarra y la diversión. No hay que olvidar que Watchmen también es jodidamente divertido (y kitsch, y pop... como dice Absence) no sólo sesudo y crepuscular. Las sensaciones que trasmite el tebeo son diferentes, donde ahora hay épica y puro espectáculo freak allí había patetismo y horror; pero también es verdad que el cómic de Moore y Gibbons desarrolla un ejercicio metacomiquero que es imposible de adaptar a la pantalla. La elección de Snyder me parece una lección magistral.

La puesta en escena es simplemente formidable. El mundo neo-ochentero creado para la ocasión es totalmente creíble y adecuado para la historia que se está contando. Al contrario que ocurre con Nolan a la hora de adaptar Batman, Snyder no quiere introducir a los Vigilantes en el mundo real, lo que pretende más bien es introducirnos a nosotros en su propio universo fantástico y coherente. Por otro lado la comparación con Dark Knight no se sostiene tampoco en las secuencias de acción. Snyder ya demostró su maestría en este sentido para 300, y confirma ahora que no ha olvidado ese toque.

La sobredosis argumental de la peli provoca caídas de ritmo e intensidad en algunos momentos del metraje. El final, aunque muy fiel al tebeo (al margen de cierto molusco gargantuesco) es en mi opinión un tanto anticlimático para lo que se espera del cine. La maraña de personajes y situaciones puede resultar desconcertante para los no iniciados… Todos estos defectos son ciertos, pero empequeñecen hasta el rango de los fentómetros frente a las virtudes de la peli. Escuchar el diario de Rorschach tal cual se puede leer en el tebeo y oír al Dr. Manhattan relatando su vida desde Marte, son dos ejemplos de cómo uno puede entregarse a disfrutar de Watchmen en el cine sin ningún tipo de complejo, diga lo que diga el matrimonio de la butaca de al lado o los pequeños adolescentes de la fila de delante.

En definitiva, Watchmen es, en mi modesta opinión, la mejor peli basada en un cómic que se ha realizado hasta la fecha. Este tipo de observación no quería decir mucho para mí en el pasado, ya que salvo excepciones como el Sin city de Rodríguez (digan lo que digan) o los 300 también de Snyder (mira por donde), suelo repudiar la mayoría de las modernas adaptaciones del medio por ñoñas, sosas e incoherentes. Sin embargo Watchmen me parece un peliculón en toda regla, uno que trasciende el reducido terreno de lo puramente comiquero y que en unos años se convertirá, veréis, en toda una peli de culto.

La mugre acumulada de todo el sexo que practican y de todos los asesinatos que cometen les llegará a la altura de la cintura y todas las putas y los políticos alzarán la cabeza y gritarán: “¡sálvanos!”… y yo miraré hacia abajo y susurraré “no”

Dictamen: V

PD: He olvidado comentar la extraordinaria y sorprendente selección musical (esa Cabalgata de las Valkirias en Vietnam casi me hace estallar de la emoción) y la formidable intro con el ineludible Bob Dylan de fondo del principio. Esta intro unida al asesinato del Comediante conforman un emocionantísimo, sobresaliente y vertiginoso inicio. Sencillamente genial.

(*) Artículo publicado inicialmente en el magnífico weblog de cómics Es la hora de las tortas!!!

Retroinferno derrotado en Teaserland

2009-03-02T23:55:00.002+01:00

¡Maldita sea, nos han derrotado...! ¡Sin embargo pronto resurgiremos con la misma rabia y el doble de fuerza! XDDDD

Aquí está el trailer que presentamos.

En breve intentaré preparar un post con mi opinión sobre los 20 finalistas de Teaserland.

¡Gracias a los que nos votasteis!

Cortometraje: INFERNO (Estreno On-line y descarga directa)

2008-10-26T12:05:00.001+01:00

DESCARGA DIRECTA: http://www.megaupload.com/es/?d=GXCVLTNI

¡Por fin! El hombre de arena tiene el placer de presentar el cuarto producto en el tiempo de la legendaria distribuidora The trappers pictures. Esta vez con la colaboración en los textos del mítico coautor de esta bitácora, Boris.

Un relato sobre la imposible supervivencia en un planeta infestado de muertos vivientes. Corto realizado por y para fans plagado de guiños a las pelis de género que tanto gustan por aquí: Aliens, Depredador, El amanecer de los muertos, Apocalypse now, Saint seiya, Star wars, Sergio Leone...

PARTE I

PARTE II

Como siempre nos encantaría que dejarais vuestras impresiones por aquí. Gracias de antemano a los que pierdan unos minutillos viéndolo.

PD: No le busquéis explicación. No la tiene. Va de que el mundo es tan jodido que acaban todos zombis... y a dar hostias que es de lo que se trata :-P

Watchmen y Terminator IV

2008-07-28T23:40:00.004+02:00

Interrumpimos brevemente el descanso veraniego para postear los dos avances más esperados del año.

El trailer de Watchmen aún no sé si me gusta o lo odio... En cualquier caso ambos consiguen que se me ponga la piel de gallina.

Speed racer (2008)

2008-07-01T22:50:00.003+02:00

La película que hoy tenemos entre manos rompe una barrera imaginaria en lo que a adaptaciones de cómic japonés en Hollywood se refiere. Las superproducciones centradas en los héroes de ojos rasgados no se detendrán aquí sino al contrario, y en relativamente poco tiempo veremos la explosión de este tipo de productos. Ya está a la vuelta de la esquina la película de Dragon Ball y hace tiempo que se habla de las versiones yanquis de Evangelion o de la extraordinaria El lobo solitario y su cachorro.

Si bien la llegada a nuestra pantallas de apuestas de este pelo es una buena noticia, lo cierto es que Speed Racer no rompe el hielo con demasiado buen pie. Con la clara intención de ser un producto para toda la familia, entretenido y sin muchas pretensiones, las aventuras del joven Speed acaban resultando algo aburridas y confusas. Con una puesta en escena y una dirección artística, eso sí, absolutamente deslumbrantes.

Los personajes de la peli proceden del manga original realizado por el mítico Tatsuo Yoshida. Posteriormente Tatsunoko Productions llevaría a cabo el inevitable anime, que se emitió en Japón entre 1967 y 1968. El título original de la serie era Mach, GoGoGo! Juego de palabras entre el “¡vamos!” en inglés y el “cinco” en japonés (de ahí el nombre del coche: Mach 5)

En España conoceríamos al joven Speed Racer (o Go Mifune en el país nipón) con el lírico nombre de Meteoro. Sus minimalistas peripecias al volante del Mach 5 se emitieron en nuestro país a principios de los setenta por primera vez. En cualquier caso está claro es que yo personalmente no pillé esos dibujos de pequeño, por lo que el componente nostálgico no se interpuso a la hora de juzgar (por decir algo) la peli en la sala de cine.

Speed Racer es una película de los hermanos Wachowski, y como tal no está exenta de planos espectaculares y apuestas atrevidas. La sobredosis de color y el abuso del croma en la cinta es absolutamente brutal. La dirección artística es rompedora, desde luego, y también arriesgadísima, porque lo cierto es que la peli cansa mucho de tanto barroquismo gominolesco (¡toma palabro!) No obstante, la claridad, calidad y espectacularidad de las escenas de acción rodadas por los excéntricos hermanos en el pasado, se diluye en esta ocasión, con unas carreras de coches confusas e indefinidas, en las que muchas veces se pierde la noción de lo que está pasando.

Los constantes toques de humor no hacen gracia, y la carrera final sobra (sobre todo cuando el punto álgido de la peli es la carrera de Casa Cristo, sin duda alguna) Además la peli malgasta la participación de auténticos actores carismáticos como John Goodman o Susan Sarandon, dando más protagonismo a otros personajes menores, como por ejemplo al insoportable hermano pequeño Spirtle y a su mono. Los hermanos Wachoski naufragan entre olas de color chillón y estrafalarias secuencias más cercanas a los decorados de La bola de cristal que al mítico anime.

En definitiva, es justo valorar la arriesgada apuesta que propone la peli y que Joel Silver deje que los Wachoski lleven sus delirios cinéfagos hasta el extremo, sobre todo cuando se están gastando su pasta. Sin embargo me veo en la obligación de decir que la peli me aburrió un poco, sobre todo al final y cuando la familia visita la multinacional Royalton. Vistos los mimbres, un obstáculo insalvable.

Dictamen: II

(*) Artículo publicado inicialmente en el magnífico weblog de cómics Es la hora de las tortas!!!

Desde la isla: Primera impresión de The incredible Hulk

2008-06-17T03:00:00.000+02:00

Después de mucho tiempo sin escribir (y deseando bajar a España por vacaciones) me decido a ponerme manos a la obra nuevamente, porque de vez en cuando tengo tiempo y lo hecho de menos.
Como ya le dije a mi jefe, he decidido abandonar mi blog, y sólo de vez en cuando escribiré en EHDA. Pues bien, ayer, después de comer, me lance a ver The incredible Hulk, la última de Norton y que viene a ser la peli "oficial" de Hulk.

En contra de muchos, a mi la de Ang Lee, me pareció bastante buena. Me gustó como estaba dirigida, me gustaron los actores y sobre todo como estaba hecha. Pero sé que soy de las pocas, que piensan así, y a nadie le ha molestado la idea de una nueva peli empezando de cero, como ya se hizo con Batman begins.
He de decir que el nuevo Hulk, es como el comic. Tipo Iron Man o X-men, decide seguir la idea original y ser mas directos.

La historia todos la sabemos: Bruce Banner es un científico que tiene un serio problema después de un accidente con radiación incluida. Nuestro héroe descubre que cuando se cabrea se convierte en un monstruo grande, verde y con muy mala leche.
Como en toda historia hay una chica que le amará aunque tenga el pito verde, sea más burro que un bocadillo de chapas y rompa todo lo que toque. Porque cuando es un tío normal, cuando el bicharraco no aflora, es un ser encantador.
Nos encontramos con una trama tipo El Extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde; un buen hombre y una bestia en un mismo cuerpo.

Hulk tiene demasiada historia, desde el color (en principio era gris) a sus deslices con Vengadores o Defensores, pero la peli se mete en el meollo desde el principio con un Bruce perseguido por el imbecil de Gen Thaddeus, suegro y militar en busca del arma perfecta.
Norton (Bruce/Hulk) da vida a un tío triste que vive con una maldición y que se escapa todo el rato, tanto de su destino, como del gobierno. Incapaz de asumir sus poderes, intenta aprender a controlarlos y a pasar inadvertido. Pero Geen Thaddeus, no quiere perder su última oportunidad y pedirá ayuda al malvado Emil Blosky (o Abominación) que es más duro que Van damme viendo Titanic y que odia a nuestro prota, por no aceptar quien es.

He de decir que los efectos son espectaculares y aunque se nota de vez en cuando la pantalla verde, han creado un cómic en vida. Las escenas con Hulk Vs. Abomination en pantalla, donde se dan hostias, son geniales.
Tiene sus puntos cómicos, como buena peli Marvel y Stan Lee repite su momento de gloria, pero lo mejor es ver a Lou Ferrigno (el Hulk de nuestra infancia y de la serie) en un cameo y doblando la voz al monstruo.
No se hace larga, es entretenida y tiene sus buenos momentos. La chica es majeta, intenta estar al lado del monstruete y se la ve un poco ñoña, pero es tan guapa y me cae tan bien Liv Tyler que se lo perdono.
El guión es sencillo, no esperéis la panacea, pero es ágil, entretiene, se quita de movidas y va directo al grano
Norton lo hace genial, ese tío es lo mejor de momento y lleva bien eso de ser el prota, mientras que Tim Roth está brillante y da miedo como monstruo y como agente de la KGB, pa mearse encima. William Hurt también cumple y hay veces que merece un bofetón.

Palomitón asegurado (y eso que yo no como en los cines) y buenos momentos.
Por cierto, al loro con el final, que es para nota

P.D. No hay nada detrás de los créditos.

Saludos desde Londres y que la disfrutéis.

¡ZOMBIFICADOS! y ¡DIOS DEBE MORIR! en descarga directa

2008-06-05T21:55:00.006+02:00

Descarga directa a través del siguiente enlace:
http://www.megaupload.com/es/?d=BYCAMQMB

De ¡ZOMBIFICADOS! han dicho:

"Como trabajo en general me ha gustado, ya que para nada es aburrido y mantiene el interés."
Manuel Ortega Lasaga, cortometrajista director de Familia colateral.

"Esa pose al más puro estilo Nobutada dispuesto a desenvainar es lo más mítico que he visto nunca (más incluso que yo mismo delante del espejo, jeje)"
Ignacio Muriel "Muro", guitarrista del grupo de metal Delirios de grandeza.

"De un modo u otro, para mí Zombies y Katanas siempre han sido una combinación deliciosa."
Juanjo Ramirez, director de Gritos en el pasillo.

"ME CAGO EN DIOOOOOOOS, SINVERGÜENZAAAAAS, ESTO ES LO MÁS FREAK QUE HE VISTO EN MI VIDAAAAA".
Markhosz, vocalista del grupo de metal Hollow (sobre el trailer de Zombifica2)

Descarga directa a través del siguiente enlace:
http://www.megaupload.com/?d=TT07GOEZ

De ¡DIOS DEBE MORIR! han dicho:

"No se si teneis base técnica, pero es un grave defecto del corto, que técnicamente, y no solo el montaje, es muy deficiente".
Ivan aka imazur2002, blogger cinéfilo.

"Muy chulo. Me ha gustado mucho el tiroteo! Venga, a por otro!"
Josep Duran, director, guionista y productor de cine.

"La pistola canta, yo tengo una igual."
Alvaro Oliva, cortometrajista director de Foxy lady.

"Me gustó bastante, una vez más, la forma de componer y de mover la cámara con respecto a los actores. Parecía una mezcla entre Goddard y Jim Jarmush :-P"
Juanjo Ramirez, director de Gritos en el pasillo.

Os animo a descargar los cortos antes de que caduquen los links.
¡Un saludo!

Cortometraje: ¡DIOS DEBE MORIR!

2008-05-11T23:26:00.004+02:00

¡La nueva película de The Trappers pictures para El hombre de arena! Agradeceríamos tu crítica deconstructiva. ¡Pero sed compasivos! Pasen, vean y a lo siguiente:

Iron man (2008)

2008-05-05T20:55:00.000+02:00

Cada vez que me enfrento a una superproducción (o producción a secas) basada en superpersonajes propiedad de la Marvel se reaniman en mí los mismos temores. Aún no había llegado la peli de entretenimiento puro y para todos los públicos que, en mi opinión, diera en el clavo con las exigencias del espectador. Los creadores de largometrajes basados en superhéroes, hasta el momento, nos han tratado como idiotas y en el mejor de los casos han producido cintas mediocres, carentes de la más mínima originalidad o cariño por el referente a adaptar. La lista de pelis fallidas es larga y sangrante, creando una atmósfera de conformismo entre los aficionados tan extendida que al final da la impresión de que nos vale cualquier cosa.

La mayor parte de estas apuestas contienen sobredosis de efectos especiales, fotografía multicolor (incluso en situaciones que no lo piden) y personajes arquetípicos. Todo ello envuelto en un trapo con tufillo a robo, de tan evidentes que resultan sus ínfulas de comercialidad. Iron Man no vive al margen de esta tendencia y demuestra claramente su intención de llegar al gran público en casi cada una de las secuencias del filme (una peli en la que matan a un montón de gente pero en la que no se ve ni gota de sangre) Superando ampliamente la calificación por edades.

Sin embargo hay algo en Iron Man que es diferente, algo ausente en la mayoría de apuestas anteriores (al menos desde mi punto de vista) y esa es su capacidad para entretener. El ritmo que John Favreau le imprime al filme es extraordinario y muchos de los lugares comunes de este tipo de pelis son revisitados con éxito. Exceptuando el estupidificante mensaje moralista de la cinta, se puede decir que nada chirría en Iron Man, y eso es un punto a favor del que no goza casi ninguna de sus películas hermanas.

Robert Downey Jr. está perfecto en su papel de Hombre de Hierro. El politoxicómano actor da vida a un genio multimillonario y excéntrico mucho más parecido a la versión ultimatizada del personaje parida por Mark Millar que al Tony Stark clásico que conocimos en los tebeos de toda la vida. La pasión que ambos (personaje y actor) demuestran en ciertos momentos por el alcohol es prácticamente evitada en la película, aunque no borrada del todo ya que la primera toma de la peli nos muestra al mítico Downey Jr. con un güiscazo en la mano (detalle realmente cachondo, para que negarlo).

Otro de los puntos fuertes, al margen de las clásicas peleas superpresupuestadas (todo es muy súper en la peli) que no resultan demasiado confusas en esta ocasión, detalle muy de agradecer, es la relación entre Tony y su secretaria Pepper Potts. Gwyneth Paltrow está realmente impresionante. Guapísima de pelirroja y ejecutando con naturalidad el papel de abnegada y sempiterna enamorada del héroe despistado. La relación sentimental con más gancho mostrada en una de supers hasta el momento (cosa que no es ninguna hazaña por otra parte) sin ninguna duda.

Otro elemento muy a favor de la peli es el de Jeff Bridges en el papel de villano, aunque en la peli se le vea venir a kilómetros. El nota se sale en cada papel que acepta, y esta vez no iba a ser menos.

Iron Man, la película, es bastante fiel al personaje del papel. Retoma los orígenes del héroe (contados en mil y un ejercicios de retrocontinuidad) y los readapta de forma convincente. Por otro lado el uso de la tecnología está presentado de forma creíble y convincente dentro del marco del personaje que tenemos entre manos.

En definitiva, y ya que los puntos en contra de esta peli son los típicos de este tipo de producciones, se puede decir que Iron Man es la mejor cinta del género vomitada en el siglo XXI (que tampoco es decir mucho) Se le puede echar en cara el mensaje moralista del todo insultante, pero mejor hacer oídos sordos y disfrutar con el espectáculo.

¡Ah! Una última cosa… ¡MUY IMPORTANTE QUEDARSE HASTA EL FINAL DE LOS CRÉDITOS!

Dictamen: III

(*) Artículo publicado inicialmente en el magnífico weblog de cómics Es la hora de las tortas!!!

Mystery men (1999)

2008-04-28T14:55:00.003+02:00

Porque lo habéis pedido: ¡Mystery men! ¡¡¡Mua-ja-ja-ja!!! ¡Dios, que me pongo rabioso! Ejem, no estoy seguro de si la ocasión merece tal estado de exaltación, pero bien es cierto que la película de Kinka Usher, parida allá por el año 1999, es muy querida por cierto sector del público aficionado al cine, en el que los devotos del noveno arte (y más concretamente de los justicieros en mallas) nos encontramos casi por definición.

En los años setenta Bob Burden publicaba los tebeos de Flaming Carrot bajo su propio sello, Kilian Barracks. La pequeña empresa editaría el cómic creado por él mismo de forma independiente hasta que Dark Horse (la tercera en discordia) se hiciera con los derechos del personaje años más tarde. Las aventuras humorísticas del héroe con cabeza de zanahoria (y llameante) trascendían más allá de lo meramente cómico, al menos en la mente de su perturbado creador, más inclinado a identificar su obra con el surrealismo o con Bob Dylan que a referirse al humor absurdo (ahora Chanante) de toda la vida.

En los números 16 y 17 de la colección, Burden introduce por fin a los Mystery Men, protagonistas de la cinta que tenemos entre manos. Según el mismo artista dice, y como tantas otras veces ha ocurrido, el exitoso grupo de superhéroes desastrosos fue creado con la intención de reanimar el poco éxito de otra serie, con un alcance mayor del esperado. Corría el año 1987 y los Mystery Men ya desbancaban a La Zanahoria de Fuego en popularidad.

Los personajes ideados en su momento son trasladados a la pantalla grande años más tarde con mayor o menor fidelidad. En la peli tenemos a El Pala, como en el cómic, aunque en aquellos su pala cantara. Se trata de un superhéroe con casco de minero y pala para repartir mamporros como equipo ¡tremendo! El personaje que interpreta Ben Stiller, El Hombre Furioso, y el lanzador de gases (Tira-pedos) también estaban entre los primeros Hombres Misteriosos. Antihéroes de una realidad paralela en la que los superhéroes no son algo excepcional, al más puro estilo Watchmen pero olvidando la parte dramática del asunto.

Tal y como ocurre en el cómic los Mystery Men irán engrosando sus filas a medida que avanza el metraje. De entre la disparatada lista de personalidades y superpoderes destacan, a mi modesto entender, El Rajá Azul y El Chico Invisible: el primero no viste de azul y lanza tenedores con gran destreza, y el segundo sólo es invisible cuando nadie le mira (¡¿?!). Por otro lado, la relación entre Claire Forlani (la damisela en apuros de la peli) y Ben Stiller tiene su momento álgido cuando Roy asume que en realidad no tiene demasiada mala leche ¡Grande! Toda esta ralea de personajes unida a algunos exóticos héroes más, como la intrépida mujer que carga con la cabeza de su padre dentro de una bola de bolos o el excéntrico diseñador de armas que no matan, conforman uno de los más heterogéneos y divertidos supergrupos que se recuerdan.

Mystery Men es una película sin pretensiones (al parecer, muchas menos que las del cómic) y llena de ideas muy divertidas. A la panda de supes desastrosos se le une un villano de altura interpretado por Geoffrey Rush: ¡Cassanova Frankenstein, que nombre más glorioso! Además del único superhéroe verdadero de Champion City, El Capitán Asombroso (con un descacharrante final imposible de olvidar) Llegados a este punto, la sucesión de gags más o menos acertados es continua, así como los guiños y referencias a los tebeos de superhéroes de toda la vida.

Personalmente creo que el resultado final es más que correcto y bastante por encima de las antipáticas aventuras vomitadas por Bob Burden sobre el papel. Al menos en lo que a la zanahoria de los #$%&=* se refiere, que como veis no he logrado digerir con facilidad. Aunque siempre viene bien comparar con el referente literario, diría que en esta ocasión la diversión sin complejos de la peli supera a la absurdez sin gracia del original. Opinión ésta quizá un tanto deformada por la ingesta acelerada y masiva de los tebeos que aquí se comentan.

Dictamen: III

(*) Artículo publicado inicialmente en el magnífico weblog de cómics Es la hora de las tortas!!!

La venganza de Lucas - Episodio VI: No es verdad Angel de amor...

2008-04-18T15:23:00.004+02:00

La venganza de Lucas regresa meses más tarde para seguir destrozando la poca dignidad que aún pudiera albergar el infante pre-Vader. Dos referencias visitadas una y otra vez: El ataque de los clones y las pretensiones románticas del joven Anakin en aquel.

¿Alguien recuerda (quizá en sus pesadillas) aquel banquete en el que el ex-esclavo de Tatooine se pone a juguetear de forma irritante con sus poderes Jedi para impresionar a su pretendida princesa? Por lo visto el niñato no sabe que no se debe jugar con la comida y se pone a mangarla con la Fuerza y una pera... y encima con esa infumable sonrisa incrustada en su cara en todo momento ¡Arghhh, pero qué puta mierda es ésta! Al final se te quitan las ganas de probar la fruta intergaláctica de por vida.

¿Y aquella secuencia en la que cabalga una especie de pulgón gigante y herbívoro para luego retozar por el suelo con su amada? ¡Qué escalofríos! Votada por muchos como la peor escena de toda la trilogía, y ya es decir...
EDITADO: Y como bien comenta Kike, en el breve rodeo sobre pulgón el tío se juega la vida... ¡Hay que joderse!

Detalles románticos que dejan magníficamente retratado cómo Anakin se transformó en Darth Vader para salvar a la galaxia de su propia estupidez.

Rocketeer (1991)

2008-04-15T10:52:00.000+02:00

Dave Stevens, creador de Rocketeer, falleció el pasado día diez de marzo a la demasiado prematura edad de 52 años. Las aventuras del Hombre-cohete, seguramente su creación más popular, conocieron una adaptación al cine en al año 1991, proyecto en el que el propio Stevens participó en labores de producción. Desde aquí queremos rendir un particular y humilde homenaje a su figura revisando una cinta que pasó bastante inadvertida en su momento y que es necesario rescatar.

Joe Johnston, director definitivo de la película, siempre se declaró fan de los tebeos de Dave Stevens. El estilo retrofuturista (un término del que hablaremos más adelante) ambientado en los años treinta y muy relacionado con el ámbito de la aeronáutica encajaba a la perfección con su conocida filia por el mundo de los trastos voladores (en especial los de esa época) justo antes de que los aviones a reacción restaran un importante halo de romanticismo al mundillo.

Tras un periodo de pleitos y problemas durante los que el proyecto iba y venía con cambios en la dirección y sufridas vueltas y revueltas al libreto, finalmente la Disney otorgó el proyecto a Johnston. Fiel al espíritu del cómic que Stevens había creado allá por el año 1982, Johnston intentaría recrear ese ambiente de hangar y aviones a hélice tipo años 30 con todas sus fuerzas. La sencillez e ingenuidad connatural el cine de aquellos tiempos está intacta en Rocketeer, tanto como lo estaba en los tebeos, y la pretensión de ampliar el espectro de la época más allá de garajes y gángsteres también existe en la cinta. Todo el metraje está plagado de referencias iconográficas de aquella época, como el aspecto de Betty Page que luce una jovencita Jennifer Connelly (con un estilo pin-up que también haría famoso a Dave Stevens) el descarado parecido que Timothy Dalton presenta con Errol Flyn o la inclusión de Howard Hughes en la trama como creador de la mochila cohete que los nazis pretendían robar (y no fabricada directamente por ellos como en los cómics)

Los 35 millones de dólares que la compañía del ratón Mickey malgastó en esta peli se hacen notar en cada segundo del metraje. La ambientación, el atrezzo y los vestuarios hacen justicia a la categoría de superproducción que alcanzaría el presupuesto de la película. Los efectos especiales del vuelo con motor (a la espalda) serían lo más revolucionario de la cinta, muy comentados en aquellos tiempos y salidos directamente de las oficinas de Light & Magic, empresa de FX propiedad de George Lucas.

A pesar de la corrección formal y de la muy de agradecer elección clásica a la hora de rodar, Rocketeer se queda a las puertas de ser una gran película. Lo cierto es que la cinta inspira ciertas dosis de frialdad a pesar del cariño invertido por sus creadores. Se puede decir que todo es demasiado correcto en ella, sin sobresaltos, sin nada que reprochar pero tampoco nada que haga que se nos ponga la piel de gallina. Todo está en su sitio en Rocketeer y sin embargo le falta algo, una chispa que no sabría explicar.
Quizá uno de los defectos que se le podrían achacar es no haber explotado con más fuerza el potencial de la estética retrofuturista comentada más arriba, aquella que propugna escenas del futuro imaginadas en el pasado. Género moderno que hasta ahora sólo ha logrado cotas altas de calidad en la versión en cómic de La liga de los caballeros extraordinarios.

En definitiva, Rocketeer es una buena peli a la que le falta un poco de sal y pimienta para ser grandísima. Aún así el resultado final fue muy del gusto de Dave Stevens, al que desde aquí abajo mandamos un saludo.

Dictmanen: II

(*) Artículo publicado inicialmente en el magnífico weblog de cómics Es la hora de las tortas!!!

Elektra (2004)

2008-04-10T21:59:00.005+02:00

¿Qué decir de Elektra? Quizá la peor cinta basada en personajes Marvel y, sin duda, la menos afortunada de la nueva hornada de supes en el cine (Con permiso de El motorista fantasma) El suicidio creativo de Ron Bowman es escandaloso. Me pregunto qué le ofrecieron, o de que modo transcurrió el rodaje para parir un engendro así. El director tejano, quien había logrado cosechar cierta simpatía entre el público aficionado al fantástico gracias a su contribución en Expediente X y a su anterior película como director: El imperio del fuego, no hizo, al parecer, sino cerrar los ojos y apretar los dientes para rodar un guión horrible con actores de televisión, escasa libertad creativa y muy pocos medios. Porque si bien es verdad que la película tiene una puesta en escena aburridísima y un sentido del ritmo lamentable (deficiencias reprochables al director) también es cierto que el absolutamente horroroso guión no daba pie a demasiados excesos.

Zak Penn y Raven Metzner escriben una historia ñoña, estúpida y aburridísima. Elektra, personaje secundario introducido por Frank Miller en un ejercicio de retrocontinuidad para el número 168 USA de la serie regular de Daredevil, es ahora una asesina a sueldo pero de buen corazón ¿? La pareja de guionistas se pasa por el forro casi todos los planteamientos originales del personaje creados en su día por el ignominioso Miller, y los que no, los mezcla de forma absurda en un remolino de incongruencias. Por ejemplo, Piedra, el mítico ninja discípulo de Stick, es ahora un villano al servicio de La mano, interpretado por nada más y nada menos que ¡Bob Sapp! el celebre ex-jugador de football americano y luchador de K-1. Kirigi aparece totalmente deslavado y otra de las villanas se hace llamar Tifoidea (la María Tifoidea, supongo, de los cómics de Daredevil) El líder de La mano (Roshi) recrea un papel sin importancia en el guión que ni siquiera queda atado, pensando quizá en la continuación. Y para rematar la faena Elektra debe proteger a un par de personajes (padre e hija) sin sentido alguno; A la hija debe cuidarla cual canguro y del padre se enamora en una especie de trama semiromántica infumable.

El famoso productor Avi Arad ya comentó en su día que se habían equivocado al plantear el proyecto Elektra. Supongo, y más aún observando la tendencia actual, que se arrepiente de suavizar un personaje duro y adulto para convertirlo en una especie de niñera con buen corazón, intentando captar así a un mayor espectro de espectadores potenciales. La bofetada en la cara que ha supuesto la sangrienta y exagerada 300 para la industria de Hollywood ha propiciado, en cierto modo, un cambio de perspectivas en este sentido, llegando a afirmar el mismo Arad que se lanzarán a por la secuela de Elektra ‘en cuanto la gente se olvide de la primera entrega’.
Puede que Stick sea el único personaje en el que se aprecian (muy levemente) sus características iniciales, demostrando así que el guión desprecia totalmente la inteligencia de los lectores, no sólo por no respetar las tramas, sino por confundir y malversar la esencia de los personajes (y encima para mal porque la película es horrible)

Desde aquí siempre hemos defendido que cine y cómic son dos medios diferentes, quedando claro que la fidelidad al referente literario no es en ningún caso sinónimo de calidad. Sin embargo, parece más sangrante cuando una cinta destruye los planteamientos iniciales de un cómic para convertirlos en algo tan ñoño y absurdo. El verdadero problema es que la peli es mala, pero el haber disfrutado anteriormente del original hace que duela más.

Por otro lado, los FX y el diseño de producción del rollo son horrorosos, rozando el telefilme. A mí personalmente el traje de Elektra me parece inaceptable, aunque sea muy escotado y, esta vez sí, vaya de rojo.

En definitiva, este Spin-off de la también absurda Daredevil cuenta desde ya con el no demasiado honroso honor de ser una de las peores películas comentadas en este blog... ¿o no?

Dictmanen: 0

(*) Artículo publicado inicialmente en el magnífico weblog de cómics Es la hora de las tortas!!!

Superman II (1980)

2008-04-05T17:55:00.003+02:00

Después de repasar la primera entrega de las aventuras de Superman, en esta ocasión vamos a centrarnos en su hermana pequeña, Superman II. La película dirigida por Richard Donner y rematada por Richard Lester se filmó simultáneamente a la primera cinta (al menos en su mayor parte) en un proceso de producción rodeado de de múltiples sinsabores.

Después del éxito de Superman en 1978 aún quedaba por rodar una pequeña parte de lo que sería su secuela. Llegados a este punto, y con los bolsillos llenos de dólares, los productores Alexander e Ilia Salkind proponen a Donner una serie de cambios en la historia que el director americano no aceptará. Desvinculado del proyecto, Donner cede el testigo a Richard Lester, quien reinventa la película de acuerdo a las exigencias de los Salkind, refilmando más de la mitad del metraje y convirtiendo Superman II en esa pieza tan freak, tan aplaudida y tan inclasificable que hoy día conocemos.

La trama gira entorno a los tres proscritos del planeta Kripton que Jor-El juzgara al comienzo de la primera peli. El general Zod, Ursa y Non escapan de la Zona Fantasma por obra y gracia de una bomba H depositada por el propio Superman en el espacio. En la versión de Donner, esta secuencia unía la peli directamente con la primera, siendo el proyectil nuclear que Superman ponía en órbita en aquella el que liberaba a los villanos. Lester sustituyó esa escena por el delirante rescate en la Torre Eiffel, bomba H manejada por terroristas torpes incluida.

Las escenas rodadas por Lester hacen hincapié en los aspectos cómicos de la cinta, que contrastan con el carácter oscuro y pesimista de toda segunda entrega que se precie. Aquí Superman se enamora y decide voluntariamente perder sus poderes para poder vivir una vida normal junto a Lois, poderes que recuperaría sin muchas explicaciones, seguramente debido al lío de montajes y remontajes que sufrió el proyecto. Llegado el momento, Clark recibe una buena tunda a manos de un humano cabreado, mostrando la cara más indefensa del héroe.

La visión que Lester y los Salkind tenían del Superhombre incluía otorgarle nuevos poderes (como si no tuviera suficientes) Algunos totalmente estrafalarios e inolvidables, como aquella S enorme de celofán con la que El último hijo de Kripton atrapa a Non; y otros totalmente indescriptibles y válidos únicamente como lazo para asegurarse innumerables secuelas, como el beso que borra memorias ¡Para mear y no mojar!
Detalles tan delirantes como estos, unidos a las precursoras secuencias de violencia a gran escala entre supertipos y a la solemne interpretación de Terence Stamp como General Zod (repitiendo una vez tras otra “¡Arrodíllate ante mí!”) hacen que Superman II sea una delicatesen sólo apta para paladares prevenidos y adaptados.

Los actos rodados por Donner (los que no se perdieron) han sido remontados recientemente por el propio director para una edición especial en DVD. Llenando algunas lagunas con segmentos filmados por Lester, Donner compone una película prácticamente nueva de la que seguramente podría hablarse por separado.
Quizá el elemento más importante de esta nueva cinta (digna de verse, os lo aseguro) es la reincorporación de las secuencias en las que aparece Marlon Brando como Jor-El, eliminado de la peli originaria supongo que por temas de parné. En la versión de 1980 sólo podíamos ver a Lara, madre del kriptoniano, en La fortaleza de la soledad… situación que cortaba en cierto modo la continuidad con la primera entrega, restablecida así en el montaje del director.

Concluyendo, Superman II es una joya freak que muchos no podemos despreciar e incluso no nos queda más remedio que encumbrar. Y si eso no es motivo suficiente para otorgarle un revisionado siempre queda la versión del director, con altibajos connaturales a la falta de metraje, pero muy interesante en cualquier caso.

Dictmanen: III

(*) Artículo publicado inicialmente en el magnífico weblog de cómics Es la hora de las tortas!!!

Teaser-trailer: INFERNO (Zombifica2)

2008-03-27T13:03:00.004+01:00

The trappers pictures presenta:

Próximamente...

Gritos en el pasillo (2006)

2008-03-17T22:36:00.009+01:00

En una época en que prevalece el uso indiscriminado de la CGI en el campo de la animación, soslayando cualquier atisbo de argumento en pos de una parafernalia multimediática completamente vacua, es de agradecer que todavía exista un reducto de creadores que opten, ya no por basar su obra en un argumento premeditado y plausible, si no también por hacer uso de técnicas narrativas mucho más artesanas, como en el caso de los lápices de colores de Bill Plympton o los desasosegadores títeres de los hermanos Quay. O los cacahuetes de JuanjoRamírez y compañía, sin ir más lejos.

Clamar en el pasillo

En pleno siglo XXI, la realización de una película de animación teniendo como protagonistas a unos cacahuetes, es, directamente motivo de elogio. Y no sólo por la originalidad y genialidad de la idea, presupuestamente surgida de la falta presupuestaria que obliga, sí o sí, a una prolífica explotación de células grises, sino, sobre todo, por su resultado final, simplemente delicioso, ya que recoge los principios básicos de la animación, adaptándolo a sus necesidades, llegando a conseguir que el espectador llegue incluso a emocionarse con meros frutos secos maquillados.

A esa tarea de transferencia emocional ayuda muy mucho los cuidados decorados, herederos directos de la imaginería expresionista alemana de principios del siglo pasado y del burtonianismo más creativo y oscuro, que consiguen reforzar una sensación de desasosiego que va, inevitablemente, in crescendo, gracias a un argumento sólido y bien construido.

24 imágenes por segundo

La rusticidad plástica de la animación de Gritos en el Pasillo nos retrotrae al guignol de antaño, efectista y engañoso, a la par que imaginativo y mesmérico. Y es que uno, durante el visionado, no llega si quiera a plantearse el cómo y el por qué del hecho que unos cacahuetes puedan campar a sus anchas por la pantalla. «E pur si muove!» que afirmaba Galileo. Posteriormente, al contemplar el making off, descubrimos todas las argucias de las que han tenido que hacer uso los creadores para llevar a buen puerto su empresa y, una vez más, no podemos más que admirarnos ante la imaginación y la inventiva de la que hacen gala, para, una vez más, con elementos de la cotidianidad diaria, conseguir una serie de artilugios que les posibilitara insuflar vida a los encascarados protagonistas.

Factores diferenciales

La conjugación de los géneros de terror y comedia nunca ha sido plato de fácil preparación y digestión, al menos dentro de nuestras fronteras, debido a la falta de hábito y a la incontinente ola de correctismo político que ha destrozado el imaginario colectivo fomentado por el bagaje histórico-social. Así mismo, no es un terreno donde los creativos tiendan a campar a sus anchas pues supone una sobredosis de dificultad intrínseca para con ambos dos géneros, a lo que hay que añadir una búsqueda del equilibrio entre el espanto y la risa en su justa medida, cosa que Gritos en el Pasillo logra holgadamente.

Así mismo les de agradecer que la pequeña artesanía sea capaz de romper esos esquemas que las grandes y medianas producciones animadas han preestablecido, consiguiendo esa amasijo ingente y descontextualizado, donde uno casi ya no sabe diferenciar un personaje de otro, más que por el título de la película en la que se halla adscrito. Por el contrario, Gritos en el Pasillo pertenece a ese cine que destaca por su propia mismidad gracias a esa serie de características comentadas, conformando una pequeña gran cinta, que esperemos, el tiempo sepa colocar en su debido lugar.

Y mientras tanto, esperaremos con deliciosa ansiedad el estreno del segundo largometraje del mostrenco Ramírez, Zombie Western entonando la tonadilla de Bob Esponja que afirmaba aquello de «Soy un cacahuete / Eres un cacahuete / Todos somos cacahuate / Cacahuate, cacahuateee».

Dictamen: IV

(*) Podéis leer una extensa entrevista a Juanjo Ramirez aquí.

Monográfico: John Carpenter (Parte VI) Capítulo final

2008-03-17T13:18:00.005+01:00

Ya en el año 98, Carpenter toma uno de los mitos más sobados del cine de terror en, la para mi estupenda, Vampiros. En ella James Woods, interpretando a Kurt Russell (en que estaría yo pensando) se nos presenta como el líder de uno de los equipos de cazavampiros al servicio del Vaticano que, tras perder a su grupo, se enfrentará, junto con una prostituta a medio camino de la transformación, su único hombre que quedó con vida y un cura novato en esto del vampirismo, contra nada más y nada menos que Drácula, digo Valek (en que estaría yo pensando otra vez) el primero de todos los vampiros. La película, como en otras ocasiones en su filmografía, tiene un gran sabor a Western, subrayado esta vez por la ubicación geográfica de la trama, la fotografía y la música... Algún pero tiene Vampiros, y es ese cierre tan abrupto de la secuencia de la ceremonia hacia la conclusión del film, una nimiedad, en el fondo, pero que deja un mal sabor de boca, después de haber visto secuencias tan espectaculares como la de la matanza en el motel...

Después de otro largo paron, en 2001 llego la, en general, poco afortunada Fantasmas de Marte, una película que de tan sosa y poca cosa que les quedo, decidieron deconstruir el montaje eliminando cualquier acción paralela, recurso que, aunque funciona y eleva el nivel de la película, se aprecia como forzado e incluso innecesario... Con una trama algo ridícula y una producción de serie b de los 80 que ya a estas alturas no aguanta el tipo, la película es sin duda de las menos afortunadas que ha hecho. Pese a ello, cuenta con un par de apuntes que no dejan de ser interesantes: Además de la ya mencionada deconstrucción, está la representación de una sociedad que ha evolucionado hacia el matriarcado y esos dos protagonistas que responden al clásico patrón del antihéroe carpenteriano de acción, lo que en definitiva, permitirá disfrutar al seguidor de su filmografía...

De nuevo un largo descanso hasta que, gracias a la iniciativa del nefasto Mick Garris, la serie Masters of Horror nos devolvería, esta vez en pequeña pantalla y en formato mediometraje, dos obras de este auténtico maestro del género... La primera de ellas, Cigarette Burns (editada en España en DVD como El Fin del Mundo en 35mm), es uno de los mejores capítulos de la serie (para mi el mejor, seguido del de Joe Dante, aunque el mejor valorado por muchos sea Imprint, de Takashi Miike, que a mi me horrorizo bastante, pero en el mal sentido) En el nos volvemos a encontrar con el Carpenter de En la Boca del Miedo, cinta con la que este capítulo guarda varias similitudes, tanto argumentales como estructurales, y el el que vemos un uso de la violencia inédito en su cine, al menos hasta ese momento. La experiencia y la respuesta del publico fue tan gratificante, que el año siguiente repitió con el sexto capitulo de la segunda temporada, Pro-Life, un desgraciado capítulo que, aunque empieza muy bien (de hecho su primera media hora es magnífica, en el modo que crea tensión) acaba convirtiéndose en una simple curiosidad por su alto, para tratarse de Carpenter, contenido gore, donde además aparece un tipejo a cámara lenta disfrazado penosamente de diablo, de tal modo que J. C. parece estar cachondeándose de todo el mundo y de si mismo el primero... Tan imposible es tomarse este capítulo en serio...

Y, de momento, así hemos llegado al fin. A la espera de que se materialice alguno de los proyectos que vienen anunciándose desde algunos años (cobra fuerza el de Psycopath) esta es su filmografía al completo, o casi, ya que como decía en la primera parte, ni hablo de sus cortometrajes, ni de sus dos primeros telefilms. Por lo tanto, y como es lógico, este primer monográfico dedicado a un autor consagrado en el cine de género llega al fin a su fin.

Proximamente: David Cronemberg.

Superman (1978)

2008-03-12T10:42:00.000+01:00

De todas las cosmogonías mitológicas que ha parido el difunto siglo veinte, sin duda una de las más importantes (seguramente la que más repercusión cultural ha provocado) ha sido la de nuestros queridos superhéroes. Si la comparamos con, por ejemplo, los populares mundos de fantasía heroica deudores directos del mítico Tolkien, queda claro que la mitología superheroica es mucho más connatural a la edad moderna. Héroes del presente que actúan sobre el asfalto y el cemento, visten colores chillones y, en algunos casos, sufren las debilidades propias de nuestro tiempo. Miles de superhombres (y supermujeres) en mallas convertidos en iconos pop, en ningún caso deudores de fábulas clásicas e incrustados desde principios de siglo y para siempre en el imaginario colectivo.

Si lo superheroico, como género, representa uno de los puntales de la cultura pop, está claro que Superman es su máximo exponente, y por ende uno de los más grandes iconos pop del momento, perfectamente comparable al anterior Papa, a Madonna, a Marilyn Monroe o a cualquier otro que podáis imaginar. Visto así, y como no podía ser de otra forma, el cine y la televisión han explotado ese tirón contracultural del último hijo de Kripton casi desde sus orígenes, allá por 1938 de la mano de Joe Shuster y Jerry Siegel para el número uno de la revista Action comics.

En los años 40 los estudios Fleischer utilizaron la imagen del Superhombre para elaborar algunos cortos de animación (a la venta en DVD desde hace poco y en castellano neutro). Más tarde, en los 50 se emitió la mítica serie de imagen real con el malogrado George Reeves como protagonista. Y así se suceden las producciones audiovisuales con el alter ego de Clark Kent en funciones de estrella principal. Si bien todas estas apuestas, aunque entrañables, no estaban auspiciadas por la raquítica tecnología del momento (patente sobremanera en las entregas de imagen real) no hubo más que esperar a 1978 para que la Warner decidiera afrontar un proyecto serio y de gran presupuesto, como bien merecía el famoso extraterrestre protector del planeta Tierra.

Superman puede considerarse la primera superproducción superheroica afrontada por una gran firma (todo muy súper, como no podía ser de otro modo) Sin avistar ni de lejos la tecnología digital que hoy día facilita mucho las cosas a la hora de filmar supertipos, los estudios hacen a Richard Donner responsable de llevar a la pantalla un libreto elaborado por el prestigioso escritor Mario Puzzo, ya encumbrado por las dos primeras entregas de El padrino. Un Richard Donner prácticamente desconocido por aquel entonces, curtido en televisión y responsable de alguna producción menor, que se popularizaría definitivamente tras Superman.

Christopher Reeve da vida a Clark Kent, otorgándole el rostro más popular del personaje, con ese mítico peinado con churrulillo en la frente, tan propio de nuestro héroe desde sus inicios y deudor de la etapa Byrne de la serie. Valorar la interpretación del malogrado (éste también) actor americano es, visto con perspectiva, un ejercicio de futilidad. Christopher Reeve es Superman, y poco más se puede decir.

En el lado del inevitable archienemigo, que se constituye como contrapartida indispensable al modélico héroe en este tipo de pelis, tenemos a Gene Hackman como Lex Luthor. Sobre sus hombros recae la mayor parte de la carga cómica del filme, muy presente a lo largo de todo el metraje y a la que el libreto da mucha importancia. Hackman interpreta a un cáustico Luthor rodeado de inútiles y dominado por delirios de grandeza totalmente delirantes. El sentido del humor manejado a la perfección por Hackman confiere a la cinta unas dosis de liviandad y simpatía extraordinarias, muy de agradecer.
El tercer actor inolvidable que aparece en la película, brevemente eso sí, es el legendario Marlon Brando en el papel de Jor-El. Su presencia es casi anecdótica, pero supone un síntoma inequívoco de la fortísima apuesta que hizo la Warner por el producto que tenemos entre manos.

Superman es seguramente la mejor película del personaje realizada hasta el momento. Fundamentada en una serie de dificultades más o menos terrenales que nuestro E.T. debe combatir, la cinta está plagada de secuencias para el recuerdo, como la intervención en la falla de San Andrés, el rescate del helicóptero o las míticas vueltas alrededor de la Tierra para hacer retroceder el tiempo ¡Impagable!
La ausencia de supervillano se solucionó más adelante con las tres secuelas que originaría la peli, más o menos afortunadas y que comentaremos aquí a su tiempo. Además las características de esta entrega se repetirían muchos años más tarde en Superman Returns, prácticamente un remake dirigido por Bryan Singer.

En definitiva, Superman es un clásico fundacional al que nunca le sobra un revisionado, sólo superado por su secuela, Superman II.

Dictamen: IV

(*) Artículo publicado inicialmente en el magnífico weblog de cómics Es la hora de las tortas!!!

Primeras imágenes de Watchmen

2008-03-06T16:29:00.006+01:00

Me abstengo de comentarlas por falta de tiempo. El original aquí.

El comediante

Búho nocturno

Ozymandias

Rorschach

Espectro de Seda

Reguleras noticias desde la isla: Vuelve Raimi, remake de la Semilla del diablo y Gabriel

2008-03-05T10:56:00.002+01:00

Si nos metemos en higadillos, es decir, si somos un poco cotillas, los rumores apuntan directos a la nominada al oscar Ellen Page. Esta chica habría sido la elegida por los hermanos Raimi para ser la prota de su última peli: Drag Me to Hell.

Por fin Raimi vuelve al terror después de 15 años sin darnos un poco de sangre o tripas que llevarnos a la boca... Bueno, pues arrecian los rumores y las maldades. Parece ser que Raimi le ha dicho a la chica en cuestión que mejor se dedique a otra peli, porque no le convence nada como va el rodaje. Vamos que la ha mandado directa de patitas al INEM y ha sido sustituida por la menos conocida Alison Lohman. Los menos mal pensados dicen que Page le dijo adiós a Raimi porque su agenda estaba más apretada que las tetas de Pamela Anderson en un bañador de la sección infantil.

La siguiente noticia me ha dejado clavada a la silla. De hecho ha sido peor que ver el debate de anoche (o ver de nuevo Titanic) Parece ser que se va a rodar un remake de La semilla del diablo -Rosemary's baby- ¿Pero no decían que la huelga de guionista ya estaba terminada? Que alguien me lo explique, porque si ya la peli es un clásico, ¿Para que coño el remake? Sólo me falta que me digan que el papel principal lo quiere hacer Julia Roberts y entonces ya me da un chungo que te mueres.

Y ya el chorreo es la peli que ha sido estrenada en USA y que aquí viene en plan peli de mierda, que pondremos en tres cines y nada más. Hablo de Gabriel. Yo he visto 7 minutos y la verdad huele peor que mi gato cuando juega a rebozarse en mierda en el patio de casa. Típica peli que parece un videojuego y que además cumple todas las chorradas clásicas del mal cine de terror: Todos van de negro, actores desconocidos, voces profundas y gafas de sol. Os pongo el trailer para que os hagáis una idea. Está en ingles, pero es bastante facilito.

Por cierto, que para rematar las buenas noticias que sepáis que se rumorea una cuarta parte de Piratas del Caribe... hay que joderse y yo con estos pelos.

Entrevista a Juanjo Ramírez, director de Gritos en el pasillo

2008-03-01T14:42:00.003+01:00

Este año El hombre de arena se ha propuesto celebrar la segunda edición de sus premios, las Estatuas de arena, de forma más especial.
Para comenzar con esta serie de celebraciones tenemos un plato fuerte entre manos: la pequeña entrevista que los miembros de la web hemos realizado a Juanjo Ramirez, director de Gritos en el pasillo, y que él a tenido a bien contestar, con muchísima amabilidad y simpatía por otro lado.
La excelente película de indescriptibles cacahuetes ha logrado merecidamente el galardón a los mejores efectos especiales del año. Ahora os dejo con Juanjo:

El hombre de arena: Antes de nada, enhorabuena por la peli y por la
estatuilla de arena ¿A quién le dedicas el premio?

Juanjo Ramirez: Muchísimas gracias por el premio, y por el cariño en que viene envuelto. No estoy acostumbrado a recibir premios, así que, ¡qué cojones! me voy a explayar, no vaya a ser que sea el último premio que nos den.
Se lo dedico, sobre todo, a mi familia y al resto del equipo de Gritos en el Pasillo.
A mi familia porque sin el apoyo que me han ofrecido desde el principio, un servidor no habría podido aguantar esos cuatro años de dedicación casi exclusiva para sacar adelante la película.
Al resto del equipo de Gritos, porque el cine es siempre un trabajo en equipo, y en pelis como ésta, todavía más. Gritos en el Pasillo está hecha por muy pocas personas, pero esas pocas se han dejado el alma y la vida. Antes de embarcarme en esta aventura, yo era como esos polis duros que dicen todo el rato: "Yo trabajo solo". Si hubiese seguido esa filosofía en Gritos en el Pasillo, la peli nunca se habría terminado, o habría consistido en setenta y cuatro minutos de auténtica mierda.
Y dentro del equipo, espero que me perdonen si hago una mención especial a mis socios más allegados, Alberto López Garrido (productor), Alby Ojeda (director de fotografía) y Raúl López Serrano (dirección artística). Si esta peli existe hoy día, es gracias a que esas tres personas creyeron en el proyecto incluso más que yo, y lo demostraron dejándose la piel cuando había que dejársela.
Y ya que estamos, dedico el premio (en nombre de todo el equipo) al público. A los que nos alentaron vía internet cuando aún no habíamos terminado la película, y a los que fueron a verla una vez estrenada. Damos las gracias a todos ellos. A los que disfrutaron con la películas, a los que la odiaron, a los que la despreciaron… Algunos nos animan, otros nos ayudan a aprender, otros nos divierten…
¿Creían que ya había terminado? ¡Pues no! Vamos a dedicárselo también a Terry Gilliam (porque gracias a él, Alby y yo nos dedicamos al cine), y a Tim Burton, y a Steven Spielberg, y a Roger Corman y… no atisbo… nef… er… mardebonita… me he perfao…

EHDA: ¿Por qué cacahuetes? De toda la variedad de elementos a escoger a la hora de animar, y, habiendo elegido el submundo de los frutos secos, con ese gran surtido, me pregunto por qué maní en lugar de almendras o nueces...

JJ: Aún no le hemos encontrado una respuesta satisfactoria a lo de "por qué cacahuetes". Es como cuando te enamoras de esa chica que, aparentemente, no tiene nada objetivamente especial. La razón de la atracción reside en algo intangible, inexplicable…
Con los cacahuetes sucede algo similar. Te enamoran, pero no sabes a ciencia cierta si se debe a su textura primitiva, a su forma antropomórfica, a la brutal simplicidad que les confiere la ausencia de brazos…
En alguna ocasión nos hemos preguntado si no nos habrá inspirado de forma inconsciente aquel dibujo de Tim Burton de "el niño tóxico", en La melancólica muerte del Chico Ostra. No sé si Burton se dio cuenta de ello, pero ese personaje es un maldito cacahuete.
Cuando se me ocurrió lo del maní no tenía en mente ese dibujo burtoniano pero, ¿quién sabe? El subconsciente es traicionero.
Una vez que se eligió el cacahuete como diseño de personaje principal, el resto de los frutos secos fueron ocupando sus lugares de forma espontánea en ese universo de frutos secos. Las nueces de convirtieron en perros, los pistachos en pájaros, las almendras en peces…

EHDA: Cuando a uno le comentan sobre una cinta de animación con cacahuetes, no sé por qué, tiende a pensar que será, como poco cómica. Y gritos en el pasillo tiene su parte jocosa, a qué negarlo, pero ¿por qué la elección de un género tan distante como el terror y el suspense?

JJ: Desde que Alby y yo nos empezamos a dedicar a esto en el instituto, nos ha gustado mucho eso de coger un elemento cómico (incluso ridículo) y usarlo para contar una historia presuntamente seria (o incluso trágica). La paradoja resultante de ello es poderosísima.
Siempre me ha encantado mezclar el terror y la risa. Son sensaciones tan extremas, tan intensas, que muchas veces suelen venir acompañadas la una de la otra. Gritos en el Pasillo está concebida para que la gente no sepa muy bien si se tiene que reír o que asustar. Tras los visionados, hay gente que nos viene diciendo lo mucho que se ha reído, pero también gente que nos viene diciendo que ha pasado miedo.
Conseguir que unos cacahuetes puedan dar un mínimo de miedo a alguien, es el mejor premio que nos pueden dar. Es pura "magia del cine", pura alquimia, puro indicio de que los ingredientes están medianamente bien cocinadas.
Bien es cierto que algunas personas salen decepcionadas de la película, porque se esperan algo más gamberro, y más divertido. Gritos en el Pasillo no es una peli de ese tipo. La historia, a pesar de su toque humorístico, es oscurilla, incluso sórdida. Se trata de una peli que a veces es demasiado claustrofóbica, a veces excesivamente frenética, demasiado violenta en ocasiones… Está diseñada para no gustar a todo el mundo, por mucho que a veces nos duela.

EHDA: Háblanos un poco de los efectos especiales de la peli.

JJ: Los efectos especiales de Gritos son tan cutres y tan rudimentarios que no podemos engañarnos: Hemos ganado este premio porque existe gente que nos coge cariño, y que aprecia más nuestra pequeñez y nuestro esfuerzo que los resultados de otras pelis que (objetivamente) tienen más trabajo y mayores logros en el campo de los efectos especiales.
Lo mejor que podemos decir de los efectos especiales de Gritos en el Pasillo es que son un canto a lo tradicional, a la vieja cocina de la abuelita, con ingredientes humildes y cazuelas de barro.
Nuestras técnicas están inspiradas en lo que mamábamos de pequeños en las maravillas de Jim Henson, La bola de Cristal, etc. Aunque nosotros somos todavía más humildes (o limitados, o incompetentes, o ineptos). En nuestra película todo se mueve por tracción manual. No hay ningún dispositivo eléctrico, ni complejos entramados mecánicos.
Lo más sofisticado que utilizamos fueron hilos de pescar para tirar de las ratas pipas, o hacer graznar a los cuervos pistacho, brazos vestidos de negro sobre fondo negro para mover autobuses, petardos de tienda de niños para volarle los sesos a un cacahuete…
Todo estaba fabricado con materiales de "andar por casa". Las explosiones, por ejemplo, las hacíamos arrojando trocitos de escombro al decorado con la mano, agitando un poco la cámara, y añadiendo un poco de humo de incienso en el siguiente plano. El estupendo trabajo de los técnicos de sonido añadía el resto de la magia (el trabajo de sonido es importantísimo para suspender la credibilidad de la gente. Apela a sentidos muy primitivos del ser humano, muy sugestionables, muy poco racionales).
Los relámpagos y las electrocuciones, por ejemplo las hacíamos enchufando y desenchufando un foco de mil vatios a ritmo de ataque epiléptico.
Si ven la película con el brillo del monitor a tope y fijándose un mínimo, desenmascararán todos esos trucos burdos, y si se ven el making of del dvd, sentirán vergüenza ajena al ver nuestro nivel de cutrerío.
Pero supongo que en eso está la gracia.
Somos cineastas, no ingenieros. Y, obviamente, no pudimos contratar a expertos. Por eso todos los efectos especiales de la peli están basados en técnicas muy ingenuas, pero que adquieren poder encuadrándolas de la manera adecuada, iluminándolas de la manera adecuada, montándolas de la manera adecuada, sonorizándolas de manera adecuada.
Por lo general, todo lo que se ve en cada plano de la película es lo que la cámara tenía delante de su objetivo en el momento del rodaje. No contábamos con que Alberto consiguiese una empresa tan potente como HD STUDIO ONLINE para la post-producción, así que lo hacíamos todo en rodaje, por si acaso.
Al final, los pocos efectos especiales de post-producción digital que tiene la peli son para "ocultar cagadas". Borrar un alambre importuno bajo el cacahuete en algún que otro plano, oscurecer selectivamente ciertos detalles de cierto fondo, etc. HD STUDIO hizo un gran trabajo con esa clase de cosas.

EHDA: ¿Qué opinión te merecen los actores que han trabajado a tus órdenes en Gritos en el pasillo?

JJ: Los adoro. Como personas, como profesionales, y como todo. Muchos de ellos se han convertido en mis mejores amigos, con el tiempo.
Siempre he dicho que Gonzi Navas y Jaime Vaca son mis actores fetiche. Los metería en todas las películas del mundo. Pasamos tanto tiempo juntos que ya nos podemos comunicar de manera casi telepática. Trabajar con mi tío Gaspar (el más veterano del equipo) fue un regalo para mí, y para la peli. Paty Riquelme está tremenda…
Y los dobladores de personajes secundarios (Laura Pons, Luis Jiménez, César del Álamo, Mario Parra, Gonzalo Alvarado…) han aportado una inmensa riqueza a la película. Gracias a ellos, el guión está más vivo.
La mayoría de ellos no son actores de doblaje. Provienen del mundo del teatro, o del cine. Eso hace que a mucha gente le resulte extraña la manera en que está doblada Gritos en el Pasillo. No es una peli doblada al uso. En este caso no buscábamos la limpieza y la corrección de los dobladores profesionales, sino todo lo contrario: Unas interpretaciones basadas en matices, en construcción de personajes, en volumen y personalidad. Debían ser unas voces equivalentes a la rugosidad y la imperfección de los cacahuetes que encarnaban.
Para hacer algo así no basta con ser doblador. Hay que ser actor.

EHDA: Juanjo, ¿qué puedes decirnos de tu próximo proyecto "Zombis Western"? ¿En qué instante os encontráis del proceso de producción?

JJ: Tenemos escritas seis versiones del guión, un storyboard terminado y la mágica experiencia de trabajar con los míticos hermanos Reyes, marionetistas de La bola de Cristal, Barrio Sésamo, Los mundos de Yupi, el Paridor Nacional… Eso último ha sido una de las experiencias más gratificantes de nuestra vida.
No obstante, el proyecto está paralizado de momento. En este país no es nada sencillo sacar adelante una peli de marionetas zombis en el lejano Oeste. Y el asunto de las coproducciones con otros países resulta bastante complicado.
Pero si el proyecto sale adelante, podrán disfrutar de una peli en la que Jim Henson baila con Sam Raimi al compás de Joe Dante.

EHDA: Ahora preguntas un poco más generales:
¿Cuales son tus principales influencias a la hora de hacer cine?

JJ: Mi director de cine favorito es Steven Spielberg, con diferencia. Como he dicho en otras ocasiones, es uno de los tres primeros directores de cine que conocí en mi infancia. Los otros dos fueron Tim Burton y Alfred Hitchcock.
Además de esos tres, tengo una lista de influencias tan numerosa y heterogénea que podríais acusarme de esquizofrenia: Robert Zemekis, Joe Dante, Woody Allen, Billy Wilder, Shyamalan, Tarantino, Robert Rodríguez, Brian de Palma, Sam Raimi, John Carpenter, Álex de la Iglesia, el puto Orson Welles, Jean Pierre Jeunet… y otros veinte mil que no caben aquí, pero que también son importantes.

EHDA: ¿Qué opinas de los efectos digitales? ¿Y de la tendencia a utilizar cámaras con Parkinson en las secuencias de acción del cine actual?

JJ: Los efectos digitales son como los cuchillos, las guitarras o los gatos. Se pueden usar para cosas muy útiles, o para hacer cosas terribles.
Creo que la tecnología digital ha logrado cosas inimaginables pero que, a pesar de ello, todavía está en pañales. Yo no he encontrado todavía un ente digital que me conquiste como me puede conquistar un alien de "La Cosa", o uno de Ridley, o un Gremling de Dante, o un Depredador de McTiernan.
No obstante, existen directores que manejan los efectos digitales de maravilla. Para mí el mejor exponente de eso era Robert Zemekis (antes de que le diese por eso de la captura de movimiento). También me encanta cómo usan la cuestión digital James Cameron y Robert Rodríguez. Y aunque hayan pasado más de quince años, pocos han superado al tiranosaurio de Jurasic Park en el terreno digital.
Con respecto a las cámaras que vibran al estilo parkinson, me sucede algo similar. Hay directores que lo usan con criterio, y directores sin criterio ninguno, que solamente consiguen saturar y marear.
Es una pena que se abuse tanto de esa clase de efectos. Bien usados, pueden ser muy potentes. Me viene a la cabeza, por ejemplo, el Soldado Ryan de Spielberg, o las pelis de Michael Man.

EHDA: A ésta no me resisto ¿Qué opinas de las precuelas de Star Wars?

JJ: Valoro el trabajo que hay tras ellas, pero a mí personalmente no me gustan. No percibo en ellas el mismo cariño y la misma ilusión que percibo en las antiguas.
El Star Wars de mi niñez iba sobre un granjero al que se le aparecía el mago Merlín para decirle: "Tú no eres un granjero, eres un caballero. Toma tu espada de scalibur. Nos vamos a rescatar a una princesa".
Las precuelas, sin embargo, hablan de macroeconomía planetaria, de intrigas políticas y resoluciones del senado. De midiclorianos que fumigan la magia.
Puede que no haya madurado mentalmente desde la época de los episodios 4, 5 y 6, pero y prefería escuchar el cuentecito de caballeros andantes y halcones milenarios. Para ver una peli sobre intrigas políticas, prefiero ver JFK, y para ver pelis sobre personajes nobles cuyas ambiciones e inseguridades les llevan hacia el lado oscuro, prefiero ver Scarface.

EHDA: ¿Cómo ves el panorama del cine de género en nuestro país?

JJ: Hay bastante gente apostando por ello. Tenemos a Fresnadillo, a Vigalondo, a Guillermo del Toro, a Elio Quiroga, a Bayona, a Plaza y Balagueró… Quedaron atrás los tiempos en que sólo se atrevían a ello Amenábar y el incombustible Álex de la Iglesia.
Creo que el problema a la hora de sacar adelante cine de género en este país no radica en la carencia de directores con talento y ganas de ello. Lo difícil es que las instituciones apuesten por esa clase de películas. Desgraciadamente, vivimos en un país en el que no hay infraestructuras de industria. Incluso los directores más consagrados dependen de la financiación de instituciones y, aun así, esa financiación no es suficiente.
Hacer una peli en España es saltar a un trapecio quebradizo sin tener una red debajo. Los financiadores se lo piensan dos veces antes de saltar.
Confiemos en que el éxito (a veces fuera de nuestras fronteras) de pelis como REC, Cronocrímenes, La hora fría, el Orfanato… sirva para replantear un poco la situación.

Tipo test:

Una peli de terror
Evil Dead 2 (Terroríficamente muertos), de Sam Raimi.

Una de fantasía
La princesa prometida, de Rob Reiner.

Una de ci-fi
Gattaca, de Andrew Niccol.

Un libro
El señor de los anillos, de J.R.R Tolkien.

Un cómic
Watchmen, de Alan Moore.

Un grupo de música
Calipo A.

Un equipo
El equipo de Gritos en el Pasillo.

Un hobby al margen de lo audiovisual
Escribir, dibujar, hacer Aikido, los signos del zodíaco…

Una comida
Unos macarrones jugosos, con calabacín, berenjena, cebolla, rodajas de salchicha, cubiertos de queso y pimentón.

Una bebida
El té. Sobre todo el té rojo, el té verde, el té blanco y el té de tres años.

Un color
El violeta, sin ninguna duda. Y, a ser posible, la combinación del violeta con el negro.

Gracias a Juanjo por la atención y esperamos que os haya gustado la entrevista.
¡Hasta la próxima!

Especial: Los muertos vivientes

2008-02-28T10:07:00.001+01:00

Como bien apunta Robert Kirkman en el prólogo de su propia creación, y como resulta evidente al pasar por encima de las primeras páginas, Los muertos vivientes bebe directamente de fuentes cinematográficas. El cómic de zombis más popular del momento, y probablemente el de más calidad que yo haya leído, no se asienta sino en las numerosas pelis de no-muertos antropófagos que abundaron en el pasado, así como, aunque en menor medida, en las más modernas propuestas de infectados.

En ese prólogo firmado por el propio guionista de la serie, se afirma que la principal fuente de inspiración (que no la única, como veremos más adelante) para engendrar The Walking Dead, fueron las películas de zombis en las que existe una doble, e incluso una triple lectura, disponible sólo para el espectador astuto. Kirkman rehuye del punto de vista -absolutamente válido, por otro lado- en el que el zombi sin cerebro es un mero vehículo para cientos de situaciones violentas, terroríficas y, a menudo, cómicas. Por el contrario, el tebeo que tenemos entre manos se asienta más bien en el poder metafórico que el genial George A. Romero insufló a los no-muertos de sus cintas, tan válido para criticar nuestra sociedad de consumo capitalista como para poner de manifiesto cual es el verdadero enemigo del hombre, incluso en un mundo asediado por los muertos.

El primer tomo editado en castellano de Los muertos vivientes ya evidencia visiblemente la influencia de Romero. Y hablo de influencia casi exclusiva del realizador americano por lo que éste representa para el cine de terror moderno. Los zombis anteriores a La noche de los muertos vivientes (1968) o bien se encontraban próximos a las figuras de terror gótico de la Universal, revitalizadas por la Hammer en aquel entonces, o bien flirteaban con la perspectiva vudú-caribeña del fenómeno; alejados en cualquier caso del concepto que tenemos hoy día del reanimado, concepto transformado totalmente en su esencia por Romero, después de haber leído muchos de los moralistas cómics de la E.C.
Como dice el inefable Stephen King: con La noche de los muertos vivientes el cine de terror cambió para siempre, para bien o para mal.

Kirkman se vale de la esencia romeriana del no-vivo (pero tampoco muerto) cómo han hecho absolutamente todos los creadores que, en los últimos treinta años, se han acercado al género. Sin embargo el guionista americano no se queda en lo meramente superficial, como recientemente han hecho directores de gran éxito como Danny Boyle o Zack Snyder, sino que utiliza cada uno de los elementos simbólicos esgrimidos en las pelis clásicas, potenciando las relaciones entre personajes vivos y marginando a un segundo plano argumental, más aún si cabe, al verdadero motor de la historia, los zombis.

Queda claro en todos los largos de George Romero (y por ende en la mayoría de películas de zombis) que los verdaderos enemigos de los protagonistas suelen ser ellos mismos, cuando no otros humanos que aparecieran para perturbar su pequeña ilusión de paz y seguridad, obtenida habitualmente a base de mucho esfuerzo y penurias varias.
Los muertos vivientes no es ajeno a este detalle y potencia con muchísima fuerza las relaciones entre personajes, tanto las sentimentales (generalmente agradables) como las que describen conflictos de todo tipo entre los miembros de esa comunidad virtual generada por el estado de sitio. Los personajes humanos se van deshumanizando, convirtiéndose a menudo en seres lunáticos sin valores morales, dominados por las bajas pasiones y preocupados únicamente por sobrevivir. En el primer tomo ya se da buena cuenta de esto, con la primera baja importante a manos de un vivo (y de forma sorprendente diría yo)
La serie se publicita con una frase que reza “En un mundo gobernado por los muertos, por fin nos vemos obligados a empezar a vivir”. Sugiriendo el abandono de la vida zombificada que los protagonistas atesoraban en la sociedad de consumo, para lanzarse a una desquiciante carrera por la supervivencia en un mundo dominado por los muertos.
Crítica a una sociedad anquilosada y esclava de necesidades superficiales ya vista en El amanecer de los muertos (1979)

Algunos de los elementos de las pelis clásicas del género que tenemos entre manos se trasladan casi literalmente al tebeo:
La idea del granjero que mantiene a sus familiares y amigos encerrados en el granero de su casa con la esperanza de rehabilitarlos algún día ya se vio en El amanecer de los muertos, donde algunos vivos de una barriada marginal decidían encerrarse con sus no-muertos, hasta que la poli les sacara de allí a balazos.
Otro ejemplo puede encontrarse en la trastornada comunidad guiada por El gobernador, donde éste alberga en su casa a su propia niña zombi con la intención de domesticarla, como ya ocurriera en El día de los muertos vivientes (1985) con el mítico Bob.

Como hemos dicho Kirkman se aleja del fin lúdico de algunas pelis de zombis y, aunque existe, el gore y la acción no son el referente principal. No encontraréis aquí orgías de sangre tipo Braindead ni párrocos expertos en artes marciales.
No obstante, aunque Kirkman, al igual que Romero, prefiere no desvelar el origen del mal (al menos por ahora) la serie también se fija en el cine de infectados moderno. Las primeras páginas en las que observábamos a Rick despertando en un hospital vacío, después de un periodo de inconsciencia, retrotraen claramente al comienzo de 28 Días después, así como la descripción del pueblo fantasma en el que algunos humanos perviven aislados entre muertos merodeadores.
Como anécdota se puede decir que uno de los directores (eran dos) de una de las entregas zombi de mayor éxito en los últimos tiempos, Simon Pegg, escribió el prólogo de la edición británica del tebeo. Tanto Wright & Pegg como Kirkman se muestran leales al género, y con ello triunfan en sus respectivos medios.

Kirkman compone su propia metodología respecto a las mordeduras y transmisión del mal, pero básicamente Los muertos vivientes no ofrece nada que no se hubiera visto ya antes en el cine. Sin embargo la trama tejida por el autor es arrebatadora y adictiva. Utilizando los mejores elementos de un género totalmente explotable y desarrollando personajes con una intensidad que prácticamente no tiene precedentes, Robert Kirkman ofrece uno de los mejores tebeos del momento, demostrando, además, que la originalidad no lo es todo, sobre todo cuando hoy día es casi imposible de alcanzar.

(*) Artículo publicado inicialmente en el magnífico weblog de cómics Es la hora de las tortas!!!

Estatuas de arena: Los mejores del 2007

2008-02-26T10:18:00.002+01:00

Por segundo año consecutivo El hombre de arena entrega sus particulares y prestigiosos premios al cine fantástico y de terror. Según el ilustre pulso de los irredentos lectores de esta web los merecidos vencedores son:

Mejor película: 300

Mejor director: Zack Snyder por 300

Mejor actor protagonista: Gonzalo Navas por Gritos en el pasillo

Mejor actriz protagonista: Manuela Velasco por REC

Mejores efectos especiales: Gritos en el pasillo

Mérito ochentero y/o setentero: Planet terror

Peor película del año: El motorista fantasma

Los vencedores del 2006/2007:

Mejor película: El laberinto del fauno
Mejor director: Guillermo del Toro por El laerinto del fauno
Mejor actor protagonista: Johnny Deep por Piratas del caribe: El cofre del hombre muerto
Mejor actriz protagonista: Ellen Page por Hard Candy
Mejores efectos especiales: El laberinto del fauno
Mérito ochentero y/o setentero: Hostel
Peor película del año: Eragon

Monográfico: John Carpenter (Parte V) Una de cal y otra de arena

2008-02-22T17:11:00.000+01:00

Tras dos años del estreno en televisión de Body Bags, en 1995 aparece El Pueblo de los Malditos, remake del clásico de Wolf Rilla del mismo título. Aún aportando a la clásica historia la paranoia corporativa, tan en boga por esos años, y un giro interesante sobre el alienígena desparejado, El pueblo de los malditos es para mi la cinta más decepcionante de Carpenter... Pocos alicientes salvo la presencia siempre curiosa de Mark Hamill y el protagonismo de Christopher Reeve, en una película que adolece de una tremenda falta de ritmo que la desmonta por todos lados, y que no despega ni por donde las peores películas de J. C. lo hacen.

Tal vez para acallar su mala conciencia por su anterior entrega, Carpenter nos presenta ese mismo año En la Boca del Miedo. De inspiración Lovecraftiana, sin basarse en ninguna de las obras del escritor, se trata de una de sus mejores películas (aunque cuente con una gran cantidad de detractores) En ella, no sólo se limita a plasmar inteligentemente las constantes de la obra del escritor de Providence, si no que realiza una importante reflexión acerca de la relación entre la ficción y la realidad, sobre la creación y sobre el poder humano de crear dioses y monstruos... Mención especial merece Sam Neill, su protagonista, que consigue darle al conjunto un elemento cómico soterrado sin perder la tensión en ningún momento.

Un año antes de que 1997, Rescate en Nueva York quedara completamente y definitivamente anticuada, es decir, en 1996, aparece en los cines su particular secuela/remake/parodia 2013: Rescate en L.A. En ella volveremos a ver a Kurt Russell interpretando a Snake Pliskin y reviviendo las mismas situaciones que en Nueva York dadas la vuelta y retorcidas de forma cómica... Imposible tomársela en serio y, por esta razón, considerada por muchos como menor que la original, goza de unas cotas de diversión en estado puro que ninguna otra cinta de Carpenter ha conseguido, no sólo por su comicidad, acción y cachondeo sano, sino debido a un ritmo que hace empalidecer al de su predecesora y sólo comparable al de Golpe en la Pequeña China. Además, para los que busquen argumentos más "serios" para alabarla, su critica política es más directa (aunque por ello menos efectiva) superando las cotas de Están Vivos.

La cuestión final sobre este film es: ¿Para cuando 2025: Rescate en Springfield?

Continuará...

Boris

2008-02-22T15:24:00.001+01:00

Las Mujeres Gato de la Luna (Cat-Women of the Moon, 1953)

2008-02-19T11:34:00.001+01:00

Cuando faltaban aún la friolera de dieciséis años para que el hombre, téoricamente, pisara la luna, Las Mujeres Gato de la Luna (1953) se adelantó a todo pronóstico y envió a un grupo de astronautas a investigar nuestro querido satélite natural. Lo que no sabían, es lo que iban a encontrarse allí arriba...

Oh capital, mon capital

Cat-Women of the Moon cuenta con un presupuesto harto escaso. Su decorados se tornan tan descontextualizados, que uno no deja de sorprenderse, plano tras plano. Y es que podemos contemplar taquillas metálicas en un cohete espacial, decorados romanos haciendo las veces de ciudades selenitas (de buen seguro reciclados de alguna que otra producción del estudio de marras), o efectos especiales ora reiterados hasta la saciedad, ora ocurridos fuera de plano para ahorrar costes (como pasa en la última escena, que no deja de ser un jarro de agua fría para el espectador, a qué negarlo).

Fronteras de la ciencia

Dejémoslo claro. El rigor científico de las Mujeres gato en la luna es igual o inferior a cero. Dejando de lado las condiciones del cohete lunar (donde, a parte de las taquillas, podemos contemplar como los astronautas dormitan en simples tumbonas cuasi playeras), la serie de inexactitudes para con los parámetros de la ciencia es harto extensa, y van desde el aterrizaje en la zona oscura de la luna, hasta la gravedad lunar (que, aquí, es igual que la terrestre), pasando por la posibilidad de respirar sin escafandra dentro de una cueva selenita, la facilidad para encender fuego en el satélite, o el uso de armas de fuego en plena civilización gatuna. Todo está permitido y el único límite lo marca la imaginación del guionista y, obvio, el capital disponible.

Tópicos

Todos y cada uno de los tópicos de las cintas de sci-fi de la época aparecen durante los 64 minutos de metraje. Los personajes son planos y con unas características harto marcadas (el científico jefe, el exmilitar, la femme, y los dos acompañantes de marras), y nos llevan a intuir, en mayor o menor medida, por donde apuntaran los siguientes minutos de metraje. Y es que desde el momento que la protagonista femenina (Marie Windsor) despierta del estado de ¿criogenización? y lo primero que realiza es coger su espejo y su peine y atusarse su morena cabellera, ya pintan bastos del concepto de la reiteración de tópicos. Y nada más lejos de la realidad, sobra decir.

Una nueva dimensión

Tan de moda en aquellos tiempos Cat-Women of the Moon fue, en sus inicios una cinta rodada en 3D, factor que no deja de sorprender, primero por la aparente contradicción que esto supone para con el bajo presupuesto de rodaje, y segundo, por el hecho de resultar una deliciosa contradicción al conseguir tener imágenes tridimensionales y unos personajes totalmente planos, bidimensionales. De todas formas, y mal que nos pese, por el momento, no hay posibilidad alguna de visionar la cinta en su formato original, ya les informo.

Todos los hombres sois iguales

Quizás, el apunte más a destacar de la película que aquí nos trae sea esa manida frase que encabeza este apartado. Y es que, las curvilíneas mujeres gato, que no cuentan con hombre alguno en su civilización, al necesitar el cohete de nuestros protagonistas, primero atraerán hacia ellas a la chica de marras, en una especie de confabulación misógina con tintes telepáticos, para, posteriomente, intentar controlar y asesinar a todos los machos utilizando sus "armas de mujer", esto es, seducción en estado puro. Y, como hombres que son, fieles a sus principios primarios, caerán de cuatro patas en la gatuna trampa tramada.

Conclusión

Nos hallamos ante una producción, que, por méritos propios, y teniendo en cuenta el criterio tenido para encumbrar a Ed Wood Jr. a la categorización de "peor director de la historia", bien podría encabezar una lista de cintas malas realizadas ayer y hoy. Lo enarrado anteriormente así lo confirmaría. Más aún así, no se puede dejar de sentir cierta empatía para con ella, pues, su cantidad ingente de imperfecciones consiguen que se torne un paseo por una atracción de feria cualquiera, donde, en cada rincón, puede uno toparse con un detalle harto insólito (como la escena de las arañas gigantes en la cueva selenita, por citar alguna), conformando un prisma con diferentes niveles de visionado (tampoco muchos, no vayan a pensar). La acumulación de tópicos frente al factor sopresa, vistos desde la distancia espacio-temporal, no nos lleva más que a parajes que, aunque resulte increíble a estas alturas de la cinematografía mundial, quizás antes no habíamos contemplado antes. Y eso, para una película firmada hace 55 años, es todo un mérito, sí o sí.

Dictamen: III

30 Días de oscuridad (30 Days Of Night, 2008)

2008-02-15T13:00:00.000+01:00

Con algunas semanas de retraso respecto a su estreno en los USA, desde este mismo viernes se puede contemplar en salas de todo el país 30 Days os night, la película que adapta el trabajo realizado originalmente por Ben Templesmith, a los lápices, y Steve Niles, a cargo de la historia. Tebeo homónimo al menos en su versión yanqui, ya que por aquí la cinta ha sufrido un pequeño cambio en el título, sustituyendo el original 30 Días de noche por un menos prosaico 30 Días de oscuridad.

Steve Niles desarrolló la historia de los vampiros que se trasladan a una semiaislada población en Alaska en la que durante treinta días al año no sale el sol (con lo que eso supone para los clásicos chupasangre) como un proyecto destinado a las salas de cine. Cuando aún era un desconocido, paseó el libreto por varias productoras que lo rechazaron, así como las primeras editoriales, como Dark horse, a las que tanteo una vez dado por vencido. Finalmente la pequeña e incipiente IDW Publishing se arriesgó con la iniciativa y la publica en 2002, acompañada de unas geniales ilustraciones a cargo de Ben Templesmith, un desconocido “imitador” de Ashley Word por aquel entonces.

Una vez constatado el gran éxito del tebeo, David Slade se fija en él para (esta vez sí) realizar su versión en pantalla grande. Ayudándose de Steve Niles entre los guionistas, como no podía ser de otro modo, el director de la furiosa y experimental Hard candy (que triunfara en Sitges hace un par de ediciones) abandona el territorio outlier y se deja llevar por una propuesta de mayor presupuesto y ambiciones.
Si una de las características principales de la ópera prima del director fue el horror sutil del que hacía gala la impresionante lolita Ellen Page (famosa ahora por la premiadísima Juno) Slade abandona aquellas pretensiones para internarse en un territorio mucho más burdo y gore. Nada desdeñable si ciertamente se viera algo.

30 Días de oscuridad, publicitada como una de las pelis en la que más sangre artificial se ha utilizado, intenta ser un film de horror al viejo estilo. Los vampiros protagonistas, despojados del carácter romántico que en ocasiones se les supone, no son más que hambrientos monstruos que esencialmente “se comen” a sus víctimas. Su aspecto físico dista mucho del de Gary Oldman en el Londres victoriano, por ejemplo, y su modus operandi es mucho menos delicado. Este planteamiento deshace cualquier tipo de relación entre antagonistas, situando la acción en la simple y efectiva lucha por la supervivencia durante los treinta días de noche.
La declaración de intenciones sería, a priori, suficientemente llamativa si no fuera por la sensación de desinterés que despierta todo el filme. Desinterés por parte de los espectadores, que en ningún momento conectan con la trama, ni con sus protagonistas (que van cayendo poco a poco sin despertar ningún tipo de emoción); y desinterés por parte de los realizadores, que ejecutan el largo con lo justo y necesario, haciendo gala de un montaje como mínimo extraño, en el que parece se hayan comido partes del rollo.

Los actores no inspiran ni frío ni calor (Josh Hartnett debería empezar a cuidar más sus elecciones) y el cámara de turno vuelve a ser, otra vez, enfermo de Parkinson. La mayoría de las escenas de acción son infumables, realizadas con muy poquitos recursos y disimuladas con los giros y piruetas de cámara tan de moda hoy día.
La peli contiene muchos de los elementos habituales en este tipo de cintas, pero ni revisitados ni mejorados, simplemente copiados con muy poca gracia. El personaje entrañable que es mordido y se transforma en contra de su voluntad, la bestia parda que se sacrifica por los demás, la delicada heroína y su valiente caballero… Uno tras otro van cayendo los tópicos del género sin despertar ningún tipo de simpatía, hasta llegar a un desenlace ya visto en la pantalla grande no mucho antes y a manos de un director más capaz.

De la peli se salvan un puñado de escenas gore sensacionales y poco más. Quizá el montaje del director nos ofrezca una versión más interesante de la historia, en la que, al menos, los hechos transcurran de forma coherente.

Dictamen: II

(*) Artículo publicado inicialmente en el magnífico weblog de cómics Es la hora de las tortas!!!

Teaser-trailer: Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal

2008-02-14T13:00:00.005+01:00

Vía Yahoo movies.

La venganza de Lucas - Episodio V: Gran amigo... pero torpe, torpe, torpe

2008-02-13T12:44:00.005+01:00

Continúa la andadura de la sección más explosiva (y amistosa) de entre todas las que alberga El hombre de arena. A sabiendas de su errático rumbo, La venganza de Lucas centra hoy su atención, de nuevo, en El ataque de los clones; joya de la corona en lo que a cine inexplicable (y con más visionados en su haber, al menos por mi parte) se refiere.
Y es que lo infumable que resulta el amigo Anakin en la nueva trilogía bien merece varios episodios explicativos.

Hoy: Gran amigo... pero torpe, torpe, torpe

Situaos en los primeros minutos de metraje del Episodio II. Superado el escandaloso intento de atentado contra la vida de Padme, los separatistas delegan ahora en los clásicos y efectivos cazadores de recompensas.
Después de frustrar un intento de homicidio, Anakin y su maestro han detenido a la escurridiza culpable ¿Recordáis cómo agonizaba Zam después de que el joven Ben le hubiera propinado una breve pero intensa paliza? Acto seguido, Obi-wan le pregunta amablemente: ¿Quién te ha contratado? La pobre cambiante no contesta, sufre cual perra callejera a consecuencia del meneo sufrido. En éstas, Ani, que vive al margen de lo que ponen en la tele, le mete un berrido de los buenos: ¡Que nos lo digas!
¡Quietorrr! La hostia, que niñato más impertinente... Obi-Wan le mira hastiado, su rictus endurecido denota pensamientos encontrados: este crío es gilipollas... Lo cierto es que aún no sé por qué se supone que me cae bien.

Un capullo es un capullo, incluso en una galaxia muy, muy lejana...

Terminator 2: El juicio final (Terminator 2: Judgment Day, 1991 )

2008-02-11T11:29:00.000+01:00

Pocas veces me he sentido tan fascinado viendo una película como ocurrió con Terminator 2. A mis once añitos esquivé el estreno en cines (pobre de mí) y tuve que disfrutar, como casi siempre, del legendario VHS que aparecería meses más tarde en el videoclub. Recuerdo perfectamente las dos unidades disponibles que siempre estaban alquiladas, antes incluso de que se popularizara la costumbre de disponer en cada establecimiento de una buena ristra de cintas por cada blockbuster. En aquel entonces las cosas eran ciertamente más pajeras, y aprovecho ahora para recordar esos tiempos de videoclub cutre, de horas y horas rebuscando entre pelis de kung-fu, cine de explotación y bizarradas japonesas del tipo Ultraman. Tiempos en los que el espacio entre el estreno en cines y la posibilidad de disfrutar cómodamente de la peli en tu sofá, en ciertas ocasiones, se hacía como poco insufrible.

Terminator 2 es la obra cumbre del cine de acción. El padrino del cine de ciencia-ficción beligerante. James Cameron dirige con una maestría absolutamente formidable un largometraje que presume de algunas de las secuencias de acción con armas de fuego más asombrosas jamás vistas en una sala de cine (para los que la vieron en una)
Si en su día fueron los efectos digitales lo que más llamó la atención de los medios y del gran público (el T-1000 de metal líquido, interpretado a la perfección por Jason Patrick) visto con perspectiva, parecen mucho más interesantes e inmortales otro tipo de secuencias en las que los medios, el presupuesto, la calidad artística y el gusto por el cine de género se desbordan por todas partes.

El impacto que produjeron aquellos efectos especiales en el espectador medio del momento fue totalmente abrumador. Algo que ahora se ha perdido por completo, cuando ninguna peli de hoy día destaca por sus FX, a no ser que llamen la atención por lo malos. El omnipresente ordenador ha borrado del mapa cualquier resto de componente artesanal y la imaginación ya casi no tiene sentido en la producción de una película. Incluso los presupuestos descomunales, como el de la cinta que nos ocupa, basados en volar edificios reales por los aires, carecen de significado para la industria del presente.

Una vez sentadas las bases de la trama y situados en el contexto gracias a Terminator, el propio Cameron, junto a William Wisher Jr., escribe un guión sencillo que prácticamente no aporta nada en lo concerniente a los hechos, pero que profundiza en la psique de los personajes a la vez que da pie a numerosas secuencias de muerte y destrucción perfectamente hilvanadas.
El libreto ahonda en el juego de paradojas temporales que comenzó en su predecesora, con más leña al fuego en lo que se refiere a la posibilidad (o no) de cambiar el futuro. Sin embargo, en esta ocasión, las frases recitadas por una cuasidemente Sarah Connor no inciden tanto en detallar el futuro que vendrá o en plantearse como se sucederán los acontecimientos, sino que se escurren por derroteros puramente emocionales, situándonos incluso, in situ, en medio de una catástrofe como sería ese Día del juicio final, en una secuencia absolutamente memorable.
Conocidos los peligros y las motivaciones que dan lugar a la violencia, Cameron se siente con fuerzas para malgastar tiempo de metraje en una progresiva humanización del cyborg reprogramado, venido del futuro para proteger a un joven John Connor. Detalle criticado en algunos foros pero defendido aquí, por supuesto; fantástica evolución jalonada por algunos ridículos chascarrillos para la historia (¡confi, tío! o ¡Jódete, enano coñón!) y culminada por la insustituible secuencia de autoterminación con pulgar en alto ¡Impagable!

El reparto de Terminator 2 es perfecto. Perfecto en cuanto a su elección, porque ninguno de los personajes podrían ya tener otro rostro, y perfecto en cuanto a su ejecución, con Linda Hamilton en plena revolución hormonal para la ocasión, Edward Furlong en el que fue, desgraciadamente para todos, el papel más importante de su carrera, y con el mítico y siempre defendido por aquí Arnold Schwarzenegger, muy en su sitio, como es debido:
-Quiero tu chupa, tus gafas y tu moto…

En definitiva, el filme que tenemos entre manos no es sino otra obra maestra del cine de género. Los interesantes elementos de ciencia-ficción, unidos a unas secuencias de trepidación violenta insuperadas (y probablemente insuperables) hacen de Terminator 2 la película de acción definitiva.
Desde aquí sólo queda quitarnos el sombrero ante James Cameron. Un genio injustamente denostado por engendrar Titanic y al que aún le queda mucha guerra por dar... ¡Sayonara baby!

Dictamen: V

El resplandor (The shining, 1980)

2008-02-08T00:36:00.000+01:00

Como bien decía en el anterior artículo, que Kubrik es un puto genio no se le escapa a nadie, así como el hecho de que cada una de sus películas constituye una obra maestra per se dentro del género al que se circunscriben, cuando no son el eje seminal del mismo –como ocurre en 2001-
Teniendo en cuenta este preámbulo, impepinable, diría yo, no era posible imaginar el fracaso artístico del acercamiento del genio judío –permítaseme salirme del tiesto un segundo; es curiosa la cantidad de artistas norteamericanos con este origen, uno de los pilares de la cultura de los EEUU, sin duda- al denostado género del terror. Y así fue; pasándose por el forro muchos de sus principios formales básicos, parió El resplandor, una de las pocas veces en las que un director de su importancia y calado se arrimó a esta calaña de films, con lo que, al margen de la calidad cinematográfica, supone de desembolso económico por parte de la productora -y que conste que con esto no quiero despreciar el trabajo habitual de los maravillosos artesanos dedicados al género, fuente de tantos goces personales-

Parte de la novela homónima del multiventas Stephen King, y nos narra la historia de la familia Torrance, cuyo padre de familia, Jack, es un escritor en horas bajas que acepta el trabajo de vigilante del Overlook, hotel de montaña que cierra en la temporada de invierno debido al clima. Antes de aceptar, Jack es advertido por el director acerca del crimen cometido por uno de los predecesores de su cargo, que se llevó por delante a su propia familia y se suicidó acto seguido. Lejos de achantarse, no da importancia al suceso, llevando a su hijo Danny y a su mujer Shelley a lo que conciben como unas divertidas vacaciones en soledad total. Pero no pasa demasiado tiempo sin que el perverso halo del recinto se deje notar, por vía doble. Danny, dotado de percepción extrasensorial –el resplandor que da título- empieza a tener visiones de los sangrientos sucesos acaecidos anteriormente –gloriosas escenas de las dos niñas y el mar de sangre que cae del ascensor- Y la estabilidad mental del escritor estancado flaquea, mostrándose cada vez más taciturno y violento, al tiempo que también tiene alucinaciones con los siniestros personajes del pasado del hotel. Alucinaciones que, a medida que avanza el metraje, empiezan a mostrarse como más reales para el espectador –o sobrenaturales, mejor dicho. Y no cuento más, que soy un pesado de las sinopsis.
Para acabar con el argumento y sus fuentes literarias, hay que decir que King no se mostró demasiado satisfecho con el resultado de la adaptación por lo que, años después, apadrinó su propia versión, en forma de miniserie para la televisión y dirigida por Mick Garris. De sus cuestionables –más que cuestionables, en realidad- resultados y de las odiosas comparaciones huelga hablar aquí, más teniendo en cuenta que el escritor no es precisamente santo de mi devoción. Vean y juzguen por ustedes mismos.

El resplandor es una película de Kubrik y, como tal, un alarde de sofisticación técnica y perfeccionismo casi onanista. Todo, desde el tipo de objetivo, por ejemplo, hasta la comida del apuntador, si se me permite la exageración, funciona como la parte perfectamente engrasada y ensamblada de un reloj de precisión, el resultado final.
En primer lugar, por empezar por algún sitio, señalar que los costosos decorados se planifican hasta el último detalle –destaca, en este sentido, el diseño del laberinto, pieza fundamental en el desarrollo final de la historia - y hasta sus combinaciones de colores se conciben del modo en el que resulten más estridentes.
El magistral empleo de la cámara se bifurca en dos aspectos fundamentales. Por un lado, el estatismo de muchos de los planos, simétricos, en los que los personajes se representan pequeños en relación a las grandes estancias del hotel. Y el sugestivo y casi abusivo empleo del traveling, realizado con la innovadora técnica –por áquel entonces- de la steady-cam, que el director, a pachas con el operador, ayudó a desarrollar, constituyéndose como un punto de partida ineludible para todo el cine posterior.
Como decía al principio del post, Kubrik invierte el estilo arquetípico de la peli de miedo, sustituyendo el barroquismo y la deformación por la sencillez –aparente, eso sí- En este sentido, lo que más llama la atención –por evidente- es el uso de una fuerte iluminación que recrea la luz natural, en detrimento de los claroscuros y juegos de sombras habituales.
El resultado es una cinta de terror inhabitual, tanto en sus pretensiones como en su impecable factura, pero que escarba muy adentro –creo yo- en el valor fundamental del género; simplemente, da miedo. Todos los medios se acoplan para formar una historia claustrofóbica, un paulatino y desasosegante descenso por la soledad de los personajes hacia el horror y la locura.

El otro puntal es la interpretación del trío de actores. Soberbios Shelley Duvall y Danny Lloyd, una, como dulce y amantísima esposa que se va deformando en la más pura máscara del miedo y otro, como chavalín inteligente y perceptivo, con una actuación que para sí querrían muchos estrellones adultos. Pero, por encima de todos, como en él suele ser habitual, el inefable Nicholson, como pez en el agua sobrándole con poner el careto de psicópata y dejarse llevar por su histrionismo de siempre.
Por cierto, con respecto al controvertido tema del doblaje, solo decir que servidor se encuentra en la minoritaria facción de los defensores –ya habrá tiempo de hablar de ello en los comentarios-

Un cinco como una casa –como un hotel, quizás sería más adecuado- Cierto es que la reseña sobre alguna de las creaciones del bueno de Stanley llega un poco tarde. Aunque recordad que:

No por mucho madrugar amanece más temprano
No por mucho madrugar amanece más temprano
No por mucho madrugar amanece más temprano
No por mucho madrugar amanece más temprano…

Dictamen: V

Las diez mejores pelis de terror

2008-02-05T10:27:00.000+01:00

Creo que era James Cameron, en una entrevista dedicada a Aliens, el que decía que la popularidad del cine de terror se debía a la vida acomodaticia que llevamos en el mundo occidental. Me explico (se explica él, mejor dicho): el ser humano se caracterizaba en sus albores por su debilidad, por su papel de presa fácil dentro de la jerarquía natural. En cierto sentido echamos en falta las descargas de adrenalina necesarias en aquellos tiempos para la supervivencia, para poder correr como perros cuando cualquiera de los bichos que pululaban por la prehistoria quería hincarnos el diente, y las intentamos sustituir por pasar algo de cómodo miedo en la butaca de la sala de cine mientras comemos unas palomitas, recreándolas virtualmente a través de los sufridos personajes.
Con una idea más amplia, se puede decir que el género terrorífico es el medio perfecto para permanecer en contacto con nuestra mitad más oscura y, gracias al efecto catártico de cualquier obra de arte, poder vencerla. Una terapia contra nuestros miedos atávicos, reales o sobrenaturales, que quedan despojados de importancia al abrir los ojos hacia ellos y finalmente volver a arrinconarlos cuando se encienden las luces de la sala. Una terapia contra el mal, no sólo el que nos daña sino también con el que podemos dañar (se experimenta el papel de asesino junto al de víctima, diría yo), contra lo desconocido y, en definitiva, contra la muerte, que palpita por debajo de todo la muy cabrona. Y de vuelta al día a día más anchos que largos.
De cualquier modo, tantas horas de insano esparcimiento se merecen un articulillo. Aquí os dejo una lista con las películas de miedo que más me han acojonado y divertido.

Hellraiser (Clive Barker)

Es mundialmente conocida por haber dado pie a un lamentable juego de palabras con su título, origen del nombre de una sobresaliente bitácora del ciberespacio. Supuso el debut de Barker en la dirección de un largometraje, que dio el salto desde su faceta de novelista. Parte de la particular filosofía sexual del Marqués de Sade, para crear un argumento inteligente de principio a fin, mientras hurga en la irremediable tendencia del ser humano hacia lo perverso. Gloriosas escenas eróticas en las que se mezclan el placer y el dolor a través de imágenes grotescas (el tipo anda todo el día por ahí sin piel, sobando a la otra), junto a un impresionante diseño artístico (la caja, por encima de todo) que forma parte ya de la memoria de los aficionados junto al peinado de la novia de Frankestein o las garras de Fredy. El posterior y escaso trabajo del cineasta no la hace justicia, al igual que sus siete u ocho secuelas.

La cosa (John Carpenter)

Creo que es uno de los pocos casos en los que un remake supera a la original. Basada en El enigma de otro mundo, atribuida a Howard Hawks, introduce la idea de que el monstruito extraterrestre puede mutarse en cualquier forma orgánica que desee, lo que consigue dotar a la película de un aire de suspense que su predecesora no poseía, ya que la historia gira en torno a la sospecha por parte los expedicionarios de que cualquiera de ellos puede ser el nada amistoso visitante; atención al soberbio final abierto. Destacan también los alucinantes efectos especiales y de maquillaje, estos últimos a cargo de Rob Botin y la mil veces demostrada pericia de Carpenter a la hora de filmar en scope. La vi con unos diez años y me marcó para siempre: quién podía pensar que se puede pasarlas putas y disfrutar al mismo tiempo.

The Ring (Hideo Nakata)

Paradigma del cine de miedo nipón moderno, plantea los lugares comunes que se han repetido hasta la saciedad en las producciones japonesas que la siguieron: La niña espectral con pelo lacio sobre la cara que viene del más allá haciendo extraños ruiditos y contorsiones, el crimen violento como origen de la historia, los personajes hundidos en depresiones y la sombría fotografía con cielo nublado y lluvia como elementos esenciales. La verdad es que me pone los pelos como escarpias. Aunque es deudora directa de la fascinación oriental por los fantasmas, creo que el argumento se parece sospechosamente a uno de los mejores clásicos occidentales del género, Al final de la escalera, de Peter Medak. El posterior remake de los americanos, tan aficionados a reventar el talento ajeno en nombre de los beneficios económicos, no está nada mal tampoco, y además enseña las tetillas de esa preciosidad que es Naomi Watts.

Alien, el octavo pasajero (Ridley Scott)

Scott tuvo la suerte de darse de morros con el mejor equipo de diseño artístico que pueda imaginarse para una película fantástica. Moebius, que creó las bases de la imaginería de la ciencia ficción actual (ahí es poco), y Giger, el genuino pintor surrealista de los infiernos biomecánicos y padre de la criatura. Junto a la oscura genialidad visual, destaca un argumento simple pero efectista, que consigue desarrollar a la perfección la sensación de angustia. La interpretación más graciosa que he oído acerca del film, es la de que simboliza la masculinidad (el alien y su lengua minialien como extensión fálica) en su lucha contra las féminas (la valiente teniente Ripley). A mí simplemente me parece la mejor película de sustos que haya visto.

La mosca (David Cronenberg)

Al igual que La cosa, se basa en un clásico al que supera. La historia es totalmente recurrente dentro del género, ya desde la época de Víctor Frankestein: el mad doctor y su fascinación por el éxito científico que le lleva a consecuencias no tan satisfactorias como las que esperaba. Cronenberg le añade sus propias obsesiones personales, la nueva carne otra vez, junto a su también típica y desinhibida forma de mostrar lo grotesco en pantalla, sin cortarse ni un pelo gracias a los FX propios de aquella maravillosa época para el cine bizarro-comercial que fueron los ochenta.

El resplandor (Stanley Kubrik)

Hay que reconocer que la filmografía de Kubrik no es demasiado extensa. Pero cuando paría una película, siempre creaba una obra maestra del género al que perteneciese, ahí están 2001, Senderos de gloria o El resplandor, por ejemplo. Esta última es un alarde de técnica cinematográfica; el empleo que hizo de la steady-cam supuso incluso un importante desarrollo de sus posibilidades para el cine posterior. Muchos la tildaron de fría, de mero experimento formal, entre ellos el autor del libro en el que se basa, Stephen King. Los no precisamente agradables sueños que me provocan la claustrofobia del triciclo correteando por los pasillos, el río de sangre del ascensor o el careto de Nicholson asomando por la puerta destrozada me dicen lo contrario.

La matanza de Texas (Tobe Hooper)

Es cutre, con grano por haberla hinchado a treinta y dos milímetros, y con un argumento prácticamente nulo. Un freak show de la América profunda con sangre y mierda de pollo por los rincones y caníbales endógamos como maestros de ceremonias. Unos chavalines perseguidos sin ton ni son en una granja de los horrores por un energúmeno con una motosierra durante hora y media de metraje. Es brutal, feísta y desagradable como una pesadilla. Como tiene que ser algo que pretenda aterrorizar.

Nosferatu (F.W. Murnau)

La primera de un sinfín de adaptaciones a la gran pantalla sobre Drácula. Curiosamente, la viuda de Bram Stoker no cedió los derechos para la recreación de la novela, por lo que se tuvieron que cambiar algunos detalles argumentales de la historia, siendo el más llamativo el nombre del protagonista, que pasó a ser Conde Orlock. Es una gozada visual, con su empleo de los procedimientos habituales de la escuela expresionista alemana: los claroscuros en la iluminación, el simbolismo de las imágenes, o la plasmación distorsionada de los personajes y los escenarios. En el 2000 se estrenó La sombra del vampiro, excelente película que narra, muy libremente, el rodaje de Nosferatu y que se basa en la idea de que Max Schreck era un verdadero chupasangre.

Suspiria (Dario Argento)

El bueno del realizador italiano otra vez con las constantes de su cine. Barroquismo en el empleo de la cámara y en los escenarios (la mayoría de las veces sin demasiado sentido) e imaginación bizarra sin complejos . Esta vez para una peculiar historia de brujas que regentan una academia de baile ¡¿?! Lo que más acojona es que sale Miguel Bosé dando saltitos enfundado en unas mallas ajustadas (he de decir que la gracia no es mía, pero es tan buena que merece serlo, ejem). No sé exactamente por qué, pero da verdadero miedo.

El escandaloso video de Pedro J. (Pedro J. Ramírez)

Esa calvorota refulgiendo como un cuchillo a la luz de los relámpagos. Ese decadente corsé victoriano de color rosa. Esa gigantesca hembra que le trabaja el culo como si de una tortura inquisitorial se tratara. Y, sobre todo, esa voz, esa voz afilada y demencial que susurra y me taladra los oídos en las noches de luna gibosa: “me vas a mearrrrrr, me muero de ganas”. Si habiendo visto esto volvéis a ser los mismos, es que no tenéis sangre en las venas.

Permanezca en sintonía (Stay tuned, 1992)

2008-01-30T10:30:00.000+01:00

Quizás la última buena cinta de Peter Hyams y probablemente la más divertida del tristemente fallecido John Ritter. Permanezca en Sintonía es una película muchas veces olvidada y denostada, pero que debería estar por méritos propios en el salón de la fama de las comedias cinematográficas (familiares o no).

Y es que, a través de una crítica sutil pero mordaz al ciudadano catódico, Hyams consigue conformar una mezcolanza de géneros (comedia, acción, terror, sci-fi, dibujos animados, aventuras...) de una manera tan natural y continua, que el espectador no tiene otra cosa que hacer que dejarse llevar y disfrutar con cada minuto del metraje; Tarea ésta nada ardua, teniendo de maestros de ceremonias a un John Ritter soberbio, capaz incluso hasta de autoparodiarse en una escena de Apartamento para Tres (la sitcom que le lanzó a la fama en los setenta) y a un Jeffrey Jones en un papel mefistotélico que le viene como anillo al dedo.

La cantidad de referentes televisivos y culturales de los que Permanezca en sintonía bebe y/o homenajea es otro de los factores fundamentales para la conformación del todo final. Deliciosas perversiones del imaginario colectivo como Atropellando a Miss Daisy, Tres solteros y el bebé de Rosemary, El silenciador de los corderos o esa parodia de Doctor en Alaska donde «un tipo de Nueva York va a Alaska, pasa mucho frío y no para de quejarse», hacen que la cinta sea un contínuo de guiños culturales que, en lugar de hastiar, consiguen que el espectador ansíe más y más. Mención especial y a parte hay que hacer para la subtrama donde los dos personajes principales son convertidos en ratones de dibujos animados, por un claro motivo: la mano de Chuck Jones en la animación, amo y señor de este género, y que aquí se regala un autohomenaje, quizás el mejor que se haya realizado a su figura.

Tengamos en cuenta una cosa: esta cinta se rodó hace ya casi dieciséis años, y a parte de seguir conservando su frescura, se nos asemeja harto preocupante que la crítica que realizaba por aquél entonces al norteamericano fagocitador de rayos catódicos no ya se haya extinguido, si no que, preocupantemente, se ha tornado mucho más mayoritaria y común en este neoglobalizado primer mundo que habitamos. ¿Aitsbo de futurabilidad? ¿Desespero pesimista? Qui lo sa.
Como toda comedia de estas características que se precie, acaba teniendo un final feliz, bajo una moraleja de un Roy desintoxicado de su televisor y volviendo a tomar las riendas de su vida. Una lección que todos deberíamos aprender. Y que, a fin de cuentas, es lo que nos pretende inculcar Permanezca en sintonía como objetivo ulterior, mientras nos entretiene y nos divierte durante sus deliciosos 88 minutos de metraje.

Dictamen: IV

El templo de los Colosos VI - Maciste, el peplum tiene un nuevo aliado

2008-01-27T14:12:00.001+01:00

Viene de aquí.

El primer filme de esta nueva etapa será Maciste en el Valle de los Reyes, de 1960. Su argumento es tal que el siguiente:

Maciste (Mark Forest) viaja hasta el Antiguo Egitpo, para ayudar al Príncipe Kenamun (Angelo Zanolli) a hacer justicia. Al parecer, la malvada madrastra de Kenamun y el Gran Visir, conspiran para matar al Faraón y tomar el país. Al mismo tiempo, los malvados ejércitos persas tratan de invadir Egipto aprovechando la situación…

Maciste comenzó a vivir aventuras que le relacionaban con monstruos, magos y lugares imposibles. Y nuevamente sus relatos transcurrían en periodos históricos aleatorios. Maciste viaja de esta forma a la tierra de los cíclopes (en los USA el héroe fue rebautizado como Atlas) o luchó contra los Vampiros. También vivió aventuras delirantes como en Totó contra Maciste, donde tenía un cara a cara con el famoso cómico italiano.

Probablemente su filme más mítico, mitológico, épico y escatológico sea Maciste contra los monstruos. En esta ocasión, el forzudo vive en la Edad de piedra y debe pelear contra dinosaurios terribles (y terriblemente animados con Stop Motion).

Sus momentos más bizarros fueron Maciste en la corte del Zar y El Zorro contra Maciste (que además no transcurre en California sino en España).

• Maciste nella terra dei ciclopi (1961)
• Totó contro Maciste (1961)
• Maciste contro lo sceicco (1961)
• Maciste contro Ercole nella valle dei guai(1961)
• Maciste, l´uomo piu´forte del mondo (1961)
• Il trionfo di Maciste (1961)
• Maciste contro il vampiro (1961)
• Maciste contro i mostri (1962)
• Zorro contro Maciste (1963)
• Maciste l´eroe piu´grande del mondo (1963)
• Maciste alla corte dello Zar (1964)
• Ercole, Sansone, Maciste e Ursus gli invincibili (1964)
• Maciste contro i mongoli (1964)
• Maciste nelle miniere di re Salomone (1964)
• Maciste nell´inferno di Gengis Khan (1964)
• Maciste e la regina di Samar (1964)

Y hasta aquí puedo hablar. Tengo mucho trabajo buscando por el Mediterráneo los restos de un género cinematográfico perdido. Pero a pesar del peligro, no siento temor. Por que sé que si el mal acecha, allí estará Maciste para destruirlo.

Las cinco pelis más cutres de la historia.

2008-01-24T10:06:00.000+01:00

El mundo del terror y la ciencia-ficción da para mucho. Puedes encontrarte maravillas tipo 2001 Una odisea en el espacio o The Ring versión japo, y a su vez cacas que dicen ser de terror y en las que lo más espeluznante es pagar por verlas.

Vamos, que como ya sabemos los nominados a los premios Razzie, y en honor a esta empresa que nos hace reír tanto, nosotros vamos a realizar nuestra propia lista: Los premio Caca de Arena, los cuales me acabo de inventar con permiso de mi jefe.

La Monja: ¿Quién dice que el cine español es malo?

Luis de la Madrid creo esta mierda y se quedó tan a gusto. La productora Fantastic Factory le dio el sí (I do) y se quedaron más anchos que largos. ¡¡¡Por Dios y los clavos de una puerta!!! ¿Es que no leyeron el guión? ¿Habían visto antes Los Serrano (serie mítica) y por eso el cerebro ya no daba para más? Y lo peor es que fue escrito por Jaume Balagueró.

Por que la historia tiene enjundia. Un internado, unas niñas que son maltratadas por una monja con más mala leche que Losantos en un mitin del orgullo gay. Una muerte... y el paso del tiempo. Fallecimientos extraños, un espíritu que intenta vengarse y los típicos gilipollas que quieren averiguar qué pasa. Situaciones superdivertidas y vergonzantes, con actores españoles, finlandeses y pocas ideas.

Típica historia de fantasmas, adolescentes y muerte. De esas para olvidar y regalar a tu peor enemigo.

Aeon Flux: Viva la Ciencia-Ficción inteligente.

Esta peli está basada en un cómic de esos malos, insoportables y donde la protagonista merece morir.
La maja Charlize Theron, que ganó un oscar porque el jurado estaba borracho, demostró su verdadero modo de actuar mediante esta peli. La dirige una tal Karin Kusama (muy conocida ella en su casa, a la hora de comer) y a parte de la Theron tenemos al ex de Angelina Jolie, que sólo hizo bien Trainspotting y acostarse con la Jolie.

Nos situamos en un futuro lejano, siglo 21. Un grupo de rebeldes contrata a la asesina a sueldo Aeon Flux; en el punto de mira el presidente.
Por supuesto hay flashbacks, virus e incluso una preciosa historia de amor, que ni Cristal (famosa telenovela que vi en mi juventud, por eso de ser joven y tonta) Los efectos especiales son normaluchos, el guión lo escribieron dos que no pienso ni nombrar porque no merecen tal honor, y el resto es historia.

Lo mejor: que acaba y los modelitos de la Theron. Con eso os digo todo.

Ultravioleta: Y tiro porque me toca.

Aquí tenemos a la segunda mejor actriz de la historia (la primera es Carmen Electra)
Milla Jovovich es famosa por estar buena y por que dice que es actriz. Me creo lo primero.
Y lo mejor es que defiende esta peli intentando explicar que cuando leyó el guión se sintió identificada. Hay que joderse ¿Pero tú sabes leer, niña?

Historia bonita, bonita, bonita: Vampiros que no son vampiros, un niño en un maletín ¿?, cambio de color de pelo, ciencia ficción mala de pelotas y un malo que da menos miedo que Don Pimpón.
La actuación de esta chica simplemente GLORIOSA. La misma cara todo el rato, peleando, sufriendo y morreándose. Que placer de peli.

Náufragos. Simplemente Basura.

Odio… Odio a Peter Pan y a Maria Lidón, mas conocida por Luna. No sé por qué esta tía consigue pasta para dirigir y contratar actores majos como Maria de Medeiros, Val Kilmer o Daryl Hanna... Son preguntas sin respuesta.
Pues a parte de haber dirigido: Yo puta y Moscow Zero, la chica nos vendió esta basura.
Imaginad unos astronautas que se estrellan en Marte, intentan sobrevivir y ya de paso contactar con la tierra.
Las actuaciones son demenciales, la historia aburrida y el resto es innombrable. Efectos especiales cero, situaciones de chiste: Millones. Yo no me creía lo que estaba viendo. Y menos me creo que tuviese algún premio. Esta tía tiene por ahí un enchufe bestial por que si no, no me entra en la cabeza. En el cine la gente se iba y yo mientras sentada en la butaca sin saber que hacer.
Encima la directora dice que es actriz (es que decir que eres actriz, queda de un Cool) y se pone de protagonista pedorra, que tiene la mejor escena al final. En medio de Marte diciendo, “Que colores tan bonitos”.

Ni le doy nota, no se lo merece.

Star Wars: Especial de Navidad by George Lucas.

Sí, señores. Justo después de la primera (La guerra de las Galaxias) y del éxito de dinero, Lucas pensó en hacer un especial para televisión y en navidad. La gente preparó sus vídeos y esperó lo mejor de lo mejor, sin embargo se encontraron con un zurullo que apestaba a mierda a kilómetros.

La historia cuenta que Chebwacca quiere celebrar unos días súper especiales en su planeta y con su familia. Algo parecido a la Navidad pero conocido como "El día de la vida" (manda cojones). Y ahí Han Solo luchando por llevarle en su súper nave.
La primera media hora se basa en la familia de Chewie, a grito pelao y sin subtítulos, donde empiezas a pensar “algo falla”. Luego aparece la princesa cantando, Luke cantando (maquillado como una puerta) y finalmente todos cantando. Al amor y a la paz, eso sí.
Entre toma y toma, dibujos animados de Star Wars y el abuelo de Chewbacca que es un pajillero.

No se como describirlo. Lucas reniega de ello, los actores también.
Pero hay pruebas...

Saludos desde la isla.

Monográfico: John Carpenter (Parte IV) Sólo fantástico y de terror

2008-01-22T10:10:00.000+01:00

Viene de aquí.

Ya en 1987, John Carpenter vuelve al género de terror con la que a mi me parece su película más espeluznante: El Príncipe de las Tinieblas. Es su primera incursión en la demonología (y última hasta Cigarette Burns) y nos narra nada menos que el advenimiento del anticristo -no en vano pertenece a la llamada trilogía del Apocalipsis- alrededor de una investigación universitaria en una antigua iglesia asediada por un ejercito de sin techos poseídos, y donde veremos entes ectoplásmicos, emisiones televisivas del futuro, portales dimensionales e incluso, si mal no recuerdo, un cadáver reanimado durante un breve lapso de tiempo.

Muchos la recordarán por la estelar aparición de Alice Cooper como capitán del ejercito de Homeless que, como los pandilleros de Asalto a la Comisaría del Distrito 13, cumplen similar función que los zombies de las películas de Romero.

Tras pasar por el terror una vez más, Carpenter decide probar suerte con una historia de futuro distópico, en una descarada crítica del neoliberalismo y el capitalismo dominante en el año 88 titulada Están Vivos.
Protagonizada por Roddy Piper, uno de los luchadores del Presing Catch de los buenos tiempos, en un personaje que debería haber interpretado Kurt Russel (y no me apeo de ese caballo) esta película nos cuenta que dentro de no muchos años la clase obrera, cada vez más pobre, está controlada por los medios de comunicación y la policía que defienden el status quo de la clase alta, cada vez más rica. Condicionando el comportamiento de la gente, por medio de mensajes subliminales, para que obedezcan y consuman.

Hasta aquí, más o menos, se trata de un documental realista, el elemento fantástico entra en juego gracias a unas gafas de sol que desvelan los mensajes subliminales y demuestran que la mayor parte de policías, dirigentes y miembros de la clase alta son en realidad feos extraterrestres.
La película, en contra de lo que pueda parecer por lo antes dicho, está realmente bien, es entretenida y no deja respiro, como ya pasaba con Rescate en N.Y. Las capacidades de Piper para la lucha coreografiada están muy bien aprovechadas (la pelea en cuestión no es muy realista pero si muy entretenida).

El gran pero del film es su final, que resulta acelerado y, como es habitual en Carpenter, tan sobrio y conciso que, en este caso, se queda en insuficiente. Aun así un film nada despreciable para los fanáticos de J.C.

Tras un largo parón de 4 años (estamos en el 92) llega la que tal vez sea la más impersonal de sus películas, Memorias de un hombre invisible. La película, a mayor gloria de Cheavy Chase (que por suerte es El hombre invisible y no hay que verle la cara en la mayor parte del metraje) cuenta con unos estupendos efectos especiales de ILM, de entre los que destaca la escena de la lluvia o la de la comida, bien dosificados y empleados en el mínimo imprescindible de los casos.

La película, que es realmente entretenida y disfrutable, cuenta con la presencia de Daryl Hanna y Sam Neill que se convierten en el punto fuerte de esta, a priori, menos interesante cinta de Carpenter.

Ya en el 93 y junto a Tobe Hooper, Carpenter se mete con un telefilm de capítulos titulado Body Bags, en el que homenajea a los cómics de la E.C. y a películas como Creepshow, interpretando a un maestro de ceremonias que presenta las tres historias, que se mueven entre lo correcto, lo cómico y lo tópico y que no tienen mayor transcendencia que la de un producto pensado para el entretenimiento de los que participaron en él, entre los que destacan, en pequeños papeles, Wes Craven, Roger Corman o Sam Raimi.

Continuaremos con la tercera y última parte de este artículo dentro de, espero, no mucho tiempo, donde hablaremos de buenas y malas películas de uno de los grandes del fantástico y del terror, cuya filmografía ya se extiende, desigualmente, a través de 4 décadas.

Continuará...

La bestia de la cueva maldita (Beast from haunted cave, 1959)

2008-01-19T10:32:00.000+01:00

Si bien a primera vista pueda parecer una película harto mediocre dentro del subgénero de las monsters movies, tan en boga durante los años cincuenta, La bestia de la cueva maldita (aka Beast from haunted cave, 1959) resulta ser una entrega fresca que destaca por intentar romper una serie de conceptos preestablecidos, que, a esas alturas de década, no hacían más que fotoclonarse, perdiendo así toda su fuerza, entrega tras entrega.

Porque, para empezar, se desmarca del encasillamiento básico, al entremezclar pluscuamperfectamente el género policiaco, la aventura, la ciencia ficción y, por qué no, el romance. La reclusión en una cabaña perdida en medio de las nevadas montañas de una banda de de ladrones a la espera del transporte que les conduzca a Canadá conformará un tour de force de los personajes que, unido a la presencia del guía ajeno a todo ello, y a la obsesión de uno de los componentes por un monstruo con el cual ha tenido la desgracia de cruzarse, promoverá todo el entramado de la película en cuestión de una manera harto magistral.

Otro factor a destacar es el hecho que la bestia de la cueva maldita es un personaje secundario que, aunque irá cobrando protagonismo a medida que avance el metraje, para nada será el leiv motiv de todo el conjunto argumental. Es más, el director, Monte Hellman, conocedor de las limitaciones presupostarias y de la técnica narrativa, hace un uso justo y adecuado de la quimera, mostrándola única y exclusivamente cuando el guión así lo exige, subterfugio harto efectista, pues una vez vista, queda patente que un abuso hubiera convertido la película en una mera jocosidad irrisoria.

Hay que destacar también la facilidad que tiene Hellman tras la cámara: alejándose de tópicos manieristas, y aún tratándose de su primera película, jugando con los encuadres, los claroscuros y las ingentes extensiones de terrenos desolados y nevados, creando así un contrapunto antagónico con las escenas interiores, mucho más comedidas y claustrofóbicas.

El desenlace, quizás, sea una de las debilidades de esta cinta. Resulta algo confuso y apresurado, so pena de una sobreexposición del monstruo arácnido bajo el pretexto de conformar la traca final. Aún así, es una cinta a recuperar y reivindicar, pues, su condición de outsider dentro de un subgénero ya de por si harto denostado por el uso y abuso, la ha relegado a un rincón del olvido fílmico al que no le pertoca estar por méritos propios.

Dictamen: III

La venganza de Lucas - Episodio IV: ¡Booomba!

2008-01-17T10:03:00.000+01:00

Después de un merecido descanso La venganza de Lucas retoma su frenética actividad para cebarse en esta ocasión (y de nuevo) en la indescriptible EL ataque de los clones. Y es que si hiciéramos un recuento de momentos penosos en la nueva trilogía, queda claro que el Episodio II se llevaría la palma.

Hoy: ¡Booomba! (Con voz de King África)

Porque mira que es mítica esa secuencia, recién comenzado el filme, en la que los sufridos separatistas intentan atentar contra la vida de la otrora princesa Amidala (ahora senadora)
Esta insurgencia parece no saber mucho de diplomacia galáctica, pero es que de terrorismo tampoco. Sólo hay que ver las bombas de mierda que ponen que, aunque te exploten debajo del culo, aún te dejarán tiempo para balbucear algunas espasmódicas disculpas absolutamente inverosímiles… ¡Me hago cruces! ¡Qué interpretación! El señuelo, aparte de palmarla, se compadece de lo torpe que ha sido (¡Muy torpe, sí señor! ¡mohína del tó!) Eso es estoicismo.

Llegado el momento, el jefe de seguridad deja que la bella senadora se pasee por el escenario del crimen para ver si un segundo artefacto consigue, esta vez sí, rematarla.
Lo cual nos lleva directamente a la primera entrega de esta vuestra sección: despiden al realista Capitán Panaka para fichar a otro funcionario, que también es negro, pero a todas luces más paquete… así le va a la República.

Batman begins (2005)

2008-01-15T10:23:00.000+01:00

La polémica está servida. Detractores y entusiastas de la peli de Cristopher Nolan se enfrentan a partir de ahora en un duelo sin cuartel. Yo por mi parte me declaro en contra de esta producción y me atrevo, incluso, a tildarla de tomadura de pelo.

Recuerdo que la peli me causó una notable impresión al verla por primera vez en una sala de cine. Las algo más de dos horas de metraje contienen buenos momentos apoyados fundamentalmente en los fabulosos secundarios (inmejorables diría yo) Michael Caine, Morgan Freeman o Gary Oldman bastan para hacer que la película gane muchos enteros. El primero clava el papel de Alfred, con ese toque de cinismo de mayordomo inglés tan a su medida. Morgan Freeman, como Lucius Fox, posee menos líneas de diálogo (detalle muy de agradecer, visto con perspectiva) pero su personaje resulta fresco y amable, de lo mejor de la peli. Y por último Gary Oldman como el teniente Gordon… Gary Oldman es Gary Oldman, y poco más hay que yo pueda decir al respecto.
En un principio disfruté con la génesis del personaje. Me gustaron aquellas primeras secuencias en las que se veía a Bruce como Batman y recuerdo sonreír con ciertas frases citables que ahora no recuerdo (lo que me lleva a pensar que no eran tan buenas).

Al volver a ver el filme, de nuevo en el cine, volví a disfrutar en menor medida de estos aciertos, y sin embargo ya se me hacían muy cuesta arriba las debilidades de la peli. Un revisionado deja en evidencia el guión atroz perpetrado por el propio Nolan junto a David S. Goyer, creo que el peor escritor de Hollywood, del que he visto muchas más pelis de las que me gustaría, salvado quizá en Blade II.
El libreto mezcla los acontecimientos narrados en el genial cómic de Frank Miller, Batman: Año Uno, con un personaje clásico revisitado para la ocasión como es Ra’s Al Ghul, además de incrustar con calzador al Espantapájaros así como al mafioso Falcone y otras piezas del universo batmaniaco. El mejunje que se obtiene como resultado es una historia sin pies ni cabeza con unas pretensiones de realidad que la desmontan por completo.
Los personajes hablan y hablan -sin parar- todo el tiempo dando vueltas a los mismos planteamientos. Los discursos de Rachel Dawes (la inefable coneja Katie Holmes, actualmente en el descrédito más absoluto) me resultan decididamente insufribles, ¡que alguien calle a esa mujer, por dios! ¿A quién le interesa esa parrafada que nos suelta delante del local de Falcone?
El personaje de Liam Neeson también duele lo suyo ¿hace falta rajar tanto para expresar tan poco? El tío no se calla ni debajo del agua. Al tercer intento de hacer entender a Bruce el modus operandi de la Liga de las Sombras el respetable ya empieza a pensar en el perrito caliente de después… vaya brasas. No sé la cantidad de veces que el texto puede repetir la palabra ‘miedo’, pero lo cierto es que no hace falta tanta cháchara para explicar unos conceptos tan sencillos.

El guión hace aguas por todas las partes. Si bien ha quedado claro que, en mi opinión, los diálogos se caracterizan por ser lo menos conciso que he visto nunca, también son dignos de reseñar algunos pasajes absurdos como el evaporador de agua (menuda estupidez, de verdad) o la tontería del tren que termina en la torre Wayne. Aspectos que resultan más absurdos aún teniendo en cuenta las pretensiones de realidad del filme.
A todo esto añadimos la manía de relacionar directamente a los malos con Bruce, con el único fin de justificarle moralmente aún más, si es que sus eternas conferencias no lo habían hecho ya. Primero el yonki que mató a sus padres, después que no, que fue Falcone… al final resulta que tampoco: detrás de todo estaba Ra’s Al Ghul. Unos trucos de guión tan infantiles que al estar disfrazados con traje de adulto resultan difíciles de digerir.

Para acabar de rematarlo (al guión, digo) entra en juego el desarrollo de la figura de Wayne Senior como tipo capitalista modélico capaz de rescatar de la crisis a toda una ciudad, en vez de pensar enriquecerse él mismo únicamente. El cuento que sólo se creen en el los USA de que una persona con mil millones produce más que mil personas con un millón, y el sueño americano, y bla, bla, bla. Todo explicado muy despacito y frase a frase como si fuéramos idiotas.

No obstante, aunque parezca lo contrario, no es esto lo que más me indigna de la peli. Incluso podría pasarlo por alto desconectando el chip de exigencia neuronal y espaciando los revisionados en al menos cinco años. Lo que más me jode (hablando claro) de Batman begins son las secuencias de acción. En ellas no se ve absolutamente nada, y cuando digo nada, es nada.
Algunos pueden justificarlo aludiendo al carácter oscuro del héroe, y defendiendo que eso es precisamente lo que busca el director, que no se le vea cuando lucha… Bueno, pues no estoy de acuerdo. Esa teoría puede ser válida para las primeras escenas en las que sale el murciélago, pero ¿y en el resto? El combate con katanas en el hielo, la pelea en la cárcel o la persecución con el Batmóvil no pretenden ser oscuras ni misteriosas. Simplemente no se ve nada porque el director así lo ha querido.
En el típico duelo final ¡la cámara no apunta a los protagonistas! ¿Que se supone que están filmando? En un vagón iluminado como ese es difícil que nuestro héroe se oculte en las sombras, por lo tanto los motivos del director para filmar de esta forma solo pueden ser dos:

a) - No tiene dinero para pagar a un cámara abstemio.
b)- Quiere disimular su incapacidad.

Ya se sabe que éste es un mal endémico en el cine actual, pero es que en esta peli se sale del pellejo. ¿Por qué rodar así? Me lo pregunto constantemente… ¿Por qué? Pues puede que…

1 - La culpa la tenga Oliver Stone. Ese tío ha jodido el cine con su lenguaje vídeo clip. Seguro que si llega a saber que le iban a imitar, y encima tan mal, se hubiera cortado de hacer Asesinos Natos.
2 - Los chavales de ahora capten el doble de imágenes por minuto que nosotros y las películas del año 95 para abajo les parezcan caracoles.
3 – Como el cine digital da la posibilidad de realizar encuadres imposibles, vamos a aprovecharnos de ello aunque sea para mal.

Basta de rajar por hoy y quedaos con la reflexión. Tampoco me toméis muy en serio que ni yo mismo me creo del todo lo que digo, si al final la peli está entretenida y la banda sonora se sale.

Dictamen: II

(*) Artículo publicado inicialmente en el magnífico weblog de cómics Es la hora de las tortas!!!